<body>

Rural Tex es un estúpido sitio web de reseñas y noticias de videojuegos y cine popular. Combatiendo el mal gusto desde 2005 (nos está costando bastante) Influenciados por nuestra cultura nerd-geek de Comic Books & Video Games. Periodismo Gonzo de tercera en este Colosal Desperdicio de Ancho de Banda

ÚLTIMAS RESEÑAS

Las últimas reseñas de videojuegos y cine. También a veces música, Apple o audio (a veces). Rural Tex™ no apoya la piratería, todo medio que aquí se revisa es adquirido legal y estrictamente original.


Más en el Archivo de Reseñas.

CALIFICAMOS ASÍ

Nuestra escala para calificar las reseñas del uno al cinco (estrellas). Con el Sir William McKay reservado sólo a la excelencia.

  • Sir William McKay: Aleph One
  • Willy McKay: ¡Non-Plus-Ultra!
  • McKay: Muy bueno, peeero...
  • Pasta: Ta' bien... ta' bien.
  • Mancao: No nos inmuta.
  • Ñame: ¡Que nos devuelvan el tiempo y dinero que perdimos en revisar esta grandísima porqueria! Epic FAIL!
WEB-ONADAS

Lectura: No Girls Allowed? I'm not your fucking shield!. Una opinión sobre el sonado caso del #gamergate desde la perspectiva analítica del Editor en Jefe. –Bartolomeo

Contribuye

Blu City

Nadie quiere escribir en este pote de página, si no escribimos Spiff y sho no hay nada que ver, un carajo ¿qué opinan si mandamos al Basura y al Kaiser al carajo? Bueno, suficiente con decir que aún estamos quienes perdemos el tiempo por aquí porque nada tenemos que hacer™

Suficiente con saber que seguimos pendiente del cine, tanto el de cartelera como el casero. En cuanto al último nos siguen llegando discos azules a patadas con varios de estos de nuestra categoría consentida: Comic Films. Con el presente de muestra que está re-Willy McKay para que se den banquete con su PS3 o su BD Player.

Sin City fue la primera incursión de un comic novel de Frank "fucked-up" Miller y no pudo caer en mejores manos -y mentes- que del dúo Kalamazoo del cine: Rodríguez-Tarantino. Rodríguez tuvo el crédito de aventurarse a experimentar con novedosos efectos fotográficos para darle al film el acabado idéntico al papel de la novela gráfica. Mediante los cuales pudo convencer al renuente Miller de autorizar la completa adaptación al celuloide de su obra magna, peeeeero con una condición: que sirviera de co-Director junto a Rodríguez porque no quería que "jodieran a su bebé" (Tarantino sólo dirigió una escena como Director invitado aunque estuvo desde el principio involucrado en la producción y supervisión). Es conocido por todos que esta movida de co-dirigir Sin City con Miller le costaría a Rodríguez su lugar en el DGA o Directors Guild of America... igual para Tarantino quien rehusó seguir siendo miembro en solidaridad con su carnal.

Sin City hizo historia, sembró los cimientos para un nuevo estilo de film-noir graphic-novel que se consolidara al poco con la otra opera prima de Miller: 300. El acabado visual es sin precedentes, los tonos de contraste forzado cuasi-monocromáticos, el aspecto de dibujo animado sin perder el elemento live-action y la violencia gráfica dejaron perplejos a todos, comic fans como movie buffs (geeks).

El Blu-ray que nos corresponde tiene un transfer del coñisisisisimo de la puta madre y los cojones de Judas. Señores este BD pondrá de rodillas a la mayoría de los TVs que dicen tener -y que- miles de miles de relación de contraste. Les despojará de los mojones mercadotécnicos en especial muchos de los LCD que sufren de pobre performance de contraste y carecen de profundidad del color negro (0 IRE). Sólo un plasma de calidad o un LCD mascaclavos con retro iluminación LED pasan liso, los demás como Zeitan "pasan recto". Es increíble el nivel casi tridimensional y texturizado que tiene esta tortura de contraste por su extenso rango dinámico que da infinidad de detalles a las sombras. Recuerdo haber usado el DVD de este film para calibrar mi Plasma cuando estaba nuevo y pasó casi con honores (ya para mi es normal, ahora quiero un Pioneer Elite serie KURO... lo sé, lo sé, nunca estoy conforme). Pero este BD va por un grado más, donde mi plasma pasó cómodamente... más le valía, o pasaba, o el martillo.

El sonido es miamorrr, pura leña en su impresionante DTS-HD Master Audio 5.1 (48kHz/24bit). Tan a la altura de la tortuosa imagen como merece. Muy dinámico, fuerte y limpio dentro de todo el caos de comiquita que crean muchos de los efectos de sonido que dominan el soundtrack. Sin duda que un disco referencial. Los extras incluyen toda clase de material de pre y post producción, con momentos cómicos del siempre fumado Tarantino y su camarada. Incluye además entrevistas con Miller y la nota que el segundo disco contiene la edición extendida re-editada para simular los 6 volúmenes de la novela. Es decir no está mezclado todo como en la versión teatral, cada capítulo está por separado así que no lo consideren un "Director's Cut" que no lo es; de hecho, cambia tanto el tono original de la trama que prefiero ver la versión teatral aunque tenga 15 minutos menos.

Film: Willy McKay (★★★★★)
Video: Sir William McKay (★★★★★★)
Extras: Willy McKay (★★★★★)
Audio: Sir William McKay (★★★★★★)


[BD: 2005. 124 min (Re-Cut: 147 min). 2-Discos. Zona A. B&N/Color ATSC (1080p). Anamorphic Widescreen 1.85:1, Inglés DTS-HD Master Audio 5.1 (48kHz/24bit) & DTS 5.1; Subt: Eng/Fra/Esp]



______________
Sir Barton

Etiquetas: ,

1969: Odisea Lunar

El Trío Galáctico (izq-der: Armstrong, Collins y Aldrin) que logró la hazaña más grande de exploración desde Colón.

Domingo 20 de Julio de 1969. 10:56 PM. Estamos en la culminación de un reto iniciado 8 años atrás luego de que los soviéticos enviaran un hombre a circunvolar la Tierra, Yuri Gagarin. En medio de la impotencia producida por la derrota de Estados Unidos ante la inminente victoria de la Unión Soviética en el área espacial, John F. Kennedy empieza a conjeturar teorías y posibilidades de derrotarlos en este campo, tanto como una demostración de poderío mundial, como una guerra ideológica que se sucedía en el marco de la Guerra Fría. De acuerdo con el escritor Tom Wolfe en su novela adaptada para la pantalla grande The Right Stuff y conforme con testigos presenciales, Kennedy planteó las siguientes posibilidades: “¿Podemos alcanzarlos en algún punto? ¿Qué podemos hacer? ¿Podemos circunvolar la Luna antes que ellos? ¿Podemos avanzar a saltos? ¡Que alguien me diga cómo alcanzarlos! Encontraremos a alguien, a quien sea. No me importa que sea este portero que está allí, si sabe cómo hacerlo.” Para Mayo de 1961 y ante una sesión de cámaras conjuntas del Congreso de los Estados Unidos, JFK establece la meta que cambiaría el curso de la Humanidad:

“(…) Esta nación debe comprometerse por sí misma a lograr la meta, antes de que termine esta década, de llevar a un hombre a la Luna y regresarlo sano a la Tierra.”
–John F. Kennedy

Mercury, Gemini y Apollo 1
De inmediato Norteamérica se embarcó en esta epopeya que para entonces no pasaba de ser una fantasía de ciencia ficción o un delirio de mentes voladas en la conciencia popular, pero sí un destino o un reto a ser considerado por la maquinaria industrial y científica de la mayor superpotencia del planeta. Con ello en el horizonte, se desarrolla el Proyecto Mercury, creado con la intención de medir la resistencia de la raza humana al viaje espacial. El primer viaje fue al mes del vuelo de Gagarin. Con Alan Shepard siendo el primer astronauta norteamericano, seguido de la fallida misión de Virgil “Gus” Grissom al hundirse su nave la Liberty Bell 7 en el Océano Atlántico; pasarían más de 30 años antes de ser rescatada y exhibida en el Museo del Aire y el Espacio en Washington, D.C. Cinco vuelos más, incluyendo la histórica misión suborbital de John Glenn, y se cierra la llamada “etapa exhibicionista de los vuelos espaciales” por el escritor Paul Johnson. De inmediato se anuncia al mundo el nombre del proyecto cumbre para la llegada del hombre a la Luna: Apollo. Inclusive Kennedy había planteado realizar el viaje en colaboración con los soviéticos, siendo despreciado por Nikita Kruschev por la razón de que iban adelante en la carrera espacial. Si bien del otro lado de la Cortina de Hierro el programa ruso era una oda a la burocracia, los celos profesionales, los accidentes fatales y las fallas tecnológicas no se conocerían sino hasta el colapso del Comunismo en la década de los 90.

Como pilotos de prueba los tres debieron someterse durante años a pruebas y simulacros, entre ellas práticas reales en las primeras misiones Mercury y Gemini que abrieron los caminos a las misiones Apollo.

Terminado Mercury, se da inicio al Proyecto Gemini el cual consistía en medir la resistencia de los astronautas a largos períodos en el espacio, toda vez que se había podido determinar que la duración del vuelo desde la Tierra hacia la Luna duraba 3 días y medio aproximadamente. Igualmente los rusos dan la impresión de ir adelante en el Cosmos al efectuar dos hazañas en 1964: primero al poner en órbita a la primera mujer, Valentina Thereskova, y segundo, por medio del cosmonauta Alexei Leonov, realizar la primera caminata espacial. Pero aún con las victorias estruendosas de los soviéticos, Norteamérica consiguió avances tecnológicos importantes como naves que podían llevar dos astronautas, acoplamiento de cápsulas en el espacio y permanecer por períodos que podían durar hasta 10 días. Habiendo logrado estas metas, el Proyecto Gemini culmina en 1966 para dar paso en Enero de 1967 al Proyecto Apollo. Los elegidos para la primera misión fueron Virgil I. “Gus” Grissom (de la segunda misión Mercury), Edward White (primer norteamericano en hacer una caminata espacial en la misión Gemini 5) y el novato Roger B. Chaffee.

El 26 de Enero de 1967 los tres astronautas habían hecho pruebas durante todo el día referente a verificación de los sistemas de comunicaciones y de los mecanismos de escape en el modelo de cápsula -llamada Módulo de Comando. Alrededor de las 6 de la tarde deciden efectuar una prueba más. Pero a causa de un cableado defectuoso se produce un cortocircuito en el sistema eléctrico que genera un incendio dentro de la cabina. Además de que falla el sistema de escape por no poseer una palanca de emergencia, el ambiente estaba lleno con oxígeno puro agravando la situación. En consecuencia se produce una fatalidad: en 20 segundos los 3 astronautas fallecieron carbonizados. Paralelamente en la Unión Soviética fallecía a bordo de una cápsula Soyuz el cosmonauta Vladimir Komarov al fallar el sistema de aterrizaje en el reingreso a la Tierra. Ninguno iba ganando. Alcanzar la Luna no se había visto más imposible como hasta este momento.

El pequeño gran paso: Desde el Mar de la Tranquilidad El Águila reposa en paz mientras sus ocupantes se pasean por su superficie rocosa. El Saturno V despegando (insert) sirvió de vehículo en todas las misiones Apollo.

Navidad Lunar: Apollo 8
Entre Enero de 1967 y Diciembre de 1968 se lograron avances significativos, empezando por las pruebas no tripuladas del cohete más grande de la Historia: el Saturno V*, con una altura de 110 mts y cuatro etapas, hasta llegar a la primera misión tripulada en vuelo suborbital alrededor de la Tierra, la Apollo 7. Así mismo, la inteligencia norteamericana poseía información sobre los intentos espaciales soviéticos, sabían que tenían (los rusos) un cohete similar al Saturno V –el N1– aunque no se encontraba operativo. En Marzo de 1967 la CIA sugirió que los rusos estaban tratando de llegar primero a la Luna. Toda vez que se había infiltrado información a Occidente de que tenían planeado -con motivo de la celebración de los 50 años de la revolución bolchevique en Octubre de 1967- enviar cosmonautas a una misión circunlunar mediante un cohete de nombre código U-500.

Pero la realidad fue que debido a las razones antes expuestas, para la fecha señalada no tenían la nave desarrollada como se quería, mucho menos la infraestructura tecnológica apropiada, ni tampoco la voluntad para lograr esta misión.

Más en Norteamérica reinaba el temor de fallar en la acometida de JFK. En virtud de ello y sin haber hecho pruebas definitivas de lo que sería el módulo lunar, el Director asistente del Centro de Naves Tripuladas de NASA, George Low propone incluir un vuelo adicional dentro del proyecto, con la finalidad de mandar tres astronautas en el módulo de comando a circunvolar la Luna. Aun cuando la idea era riesgosa, le permitió avanzar en experiencia a NASA. Este vuelo partió de Cabo Cañaveral al amanecer del 21 de Diciembre de 1968, siendo tripulado por James A. Lovell Jr., Frank Borman y William A. Anders; el título de la misión fue Apollo 8.

Tres días después llegan a la Luna y describen el panorama que se hallaba debajo de ellos, "una vista solitaria, vasta y prohibida… no un lugar muy agradable para vivir o trabajar." Pero al mismo tiempo los tres son testigos por primera vez de un hecho nunca antes presenciado por el Hombre: logran ver la Tierra salir por encima del horizonte lunar. Diría Lovell:

"La Tierra desde aquí es un gran oasis en la gran vastedad del espacio.”
–James A. Lovell

Quiso el destino que el momento en que vivieron lo antes narrado, fuese el 24 de Diciembre de 1968, Víspera de Navidad. Ante la trascendencia del espacio y del tiempo, eligieron como mensaje navideño a 384.000 Kilómetros de distancia una cita que conmovió a toda la Humanidad: el comienzo del Libro del Génesis. “En el Principio Dios creó el Cielo y la Tierra…” El mensaje lo culminaron del siguiente modo: “...y desde la tripulación de la Apollo 8 les deseamos buenas noches, buena suerte, una Feliz Navidad y que Dios los bendiga a todos ustedes. A todos ustedes en la buena Tierra.” Terminada esta misión y sumando dos adicionales, el escenario estaba listo para la semana más importante en la historia de la Creación que abarcó desde el 16 al 24 de Julio de 1969. Llegando a su momento cumbre el 20 de Julio con el evento y el logro más importante de la Humanidad.

To Infinity and Beyond: Edwin Aldrin, mejor conocido como "Buzz" (el original) fue el carismático segundo hombre en pisar la luna y el único que sale fotografiado en su superficie, claro, Armstrong tenía la cámara pegada al traje.

Apollo 11
Apenas en 1968 y siendo un candidato fuerte, pero no todavía el definitivo, Neil Armstrong había sido invitado a Venezuela para un simposio de la Asociación para el Avance de la Ciencia, ASOVAC, para exponer los planes de los vuelos espaciales. En esa oportunidad el entonces Presidente Raúl Leoni le impuso la máxima condecoración del país: la Orden del Libertador. Por todo lo anterior -unas horas después de las 9:32 AM EDT- luego de haber despegado desde Cabo Cañaveral con un estruendo que se sintió hasta 20 millas de distancia, el Saturno V salió de La Tierra comandado por Neil A. Armstrong, Edwin E. “Buzz” Aldrin, Jr. y Michael Collins. Mientras se alejaban de La Tierra y justo antes de entrar en el “corredor lunar” o aplicando jerga de NASA “Inserción Translunar”, muchos habitantes locales sintieron gozo cuando Neil mencionó que podía ver a Venezuela despejada desde el espacio**. En los siguientes tres días los astronautas eran la sensación en todas partes y su hazaña seguida y analizada hasta por el más escéptico, sin contar la oleada de publicidad que se generó con temática espacial. Literalmente ellos competían en fama con The Beatles.

El día ha llegado. Domingo 20 de Julio de 1969. El módulo lunar de nombre “Eagle” se separa del módulo de comando y servicio de nombre “Columbia”; en el primero van Armstrong y Aldrin, en el segundo se queda Collins. Al separarse para iniciar el descenso, Armstrong menciona: “El Eagle se ha despegado. ¡El Eagle tiene alas!” Luego de ir descendiendo, ambos se dan cuenta de que el sitio para el alunizaje está lleno de piedras y cráteres gigantes, por ello Armstrong se dedicó a volar en forma manual sobre la superficie hasta hallar un sitio llano a expensas de que le quedaba poco tiempo. Al hacer contacto, las luces de advertencia parpadean y apaga el motor con tan solo 25 segundos de combustible. 4:17 PM EDT. Por un error de palabras atribuido tanto a la emoción como por el susto, Armstrong menciona: “Aquí Base de la Tranquilidad, ¡El Eagle ha alunizado!

Por las siguientes 6 horas y media, ambos se dedican a comer y a descansar en el módulo lunar; habiendo hecho esto se colocan sus trajes espaciales. Armstrong es el primero en salir, abre la escotilla del módulo, se apoya en una pequeña plataforma y empieza el lento descenso. En el segundo peldaño, activa una cámara de televisión que transmite en vivo a la audiencia más grande de todos los tiempos: más de 700 millones de personas. Al terminar de bajar se posa sobre una base del módulo de forma redonda. 10:56 PM EDT del Domingo 20 de Julio de 1969. Al colocar su pie izquierdo en la superficie de la Luna, Neil A. Armstrong -de 38 años- de edad se convierte en el ser humano más importante de la Historia; colocándose al mismo nivel de Cristóbal Colón, Fernando de Magallanes o Charles Lindbergh, al ser el primero en pisar una superficie no terrestre. En ese mismo instante pronuncia las 12 palabras más famosas de la Historia:

“That’s one small step for a man, one giant leap for Mankind.”
–Neil Armstrong


Aldrin (izq) después de colocar la bandera como bastión de la última frontera del hombre. Collins toma una foto del LEM (módulo lunar) mientras desciende hacia el "Mar de la Tranquilidad", los últimos vaqueros de verdad.

Aldrin también está invitado
Luego de un par de minutos en la superficie recogiendo un par de rocas lunares -haciendo el comentario que “La superficie es fina y polvorienta”- es el turno de Aldrin de hacer historia, al ser fotografiado por el primero mientras descendía del módulo, siendo esta foto la que formaría parte de las primeras planas de todos los periódicos del mundo. Al ya estar los dos en la Luna, develan una placa con las firmas de los tres astronautas y del entonces Presidente de los Estados Unidos, Richard M. Nixon, con un mensaje que dice textualmente lo siguiente:

“AQUÍ HOMBRES DEL PLANETA TIERRA COLOCARON PIE SOBRE LA LUNA EN JULIO DE 1969, A.D. VINIMOS EN PAZ POR TODA LA HUMANIDAD”

Acto seguido colocaron una bandera de los Estados Unidos, y de nuevo Armstrong fotografía a Aldrin con la célebre imagen de su reflejo, el del módulo lunar y la bandera ondeando casi estática por la falta de aire en la Luna. Así mismo y a continuación, se produjo la primera llamada telefónica de la Tierra a la Luna, concretamente desde la Casa Blanca con el Presidente Richard M. Nixon, para luego seguir recopilando más rocas, polvo lunar, medir el viento solar, colocar sismógrafos para detectar posibles temblores lunares y colocar reflectores láser para que rebote un rayo desde la Tierra a fin de efectuar mediciones más exactas. Luego de dos horas en la superficie lunar, ambos regresan al módulo y deciden descansar. En total pasaron 21 horas en la Luna, para iniciar el regreso a acoplarse con el módulo de comando y reencontrarse con Collins, emprendiendo luego el viaje de vuelta a la Tierra para amarizar en el Océano Pacífico el 24 de Julio.

Si bien en comparación con las siguientes misiones no hicieron ni duraron mucho, el sólo factor de haber llegado allí y de conectarse con un mismo sentimiento para con todos los seres humanos, ha hecho que la misión Apollo 11 sea el pináculo más alto de la Humanidad. Todavía por encima de los ignorantes y resentidos que alegan que todas la misiones Apollo fueron un fraude, argumentando las teorías y conjeturas más disparatadas, algunas plasmadas en el célebre film Capricorn One de Peter Hyams o en un panfleto “documental” francés de nombre Opération Lune.***

Al margen de unos cuantos dementes e ignorantes que se niegan a admitir la victoria, que no es exclusivamente de Estados Unidos sino de la Humanidad entera, el Apollo 11 simboliza hoy en su 40º Aniversario el punto más elevado en la voluntad del hombre para superar las fronteras de la Tierra y aventurarse en el espacio en búsqueda de nuevos horizontes. Y a título personal, qué decir que aún cuando no llegué a ver la transmisión en vivo por no haber nacido en ese entonces, siempre he admitido que mi ídolo de infancia era –y aun lo es– Neil Armstrong. ¿Cuántas veces no habré soñado de niño caminar sobre la Luna? El pseudónimo que uso no es gratuito. Al menos si la Humanidad vuelve al espacio, espero poder estar ahí para ser testigo directo... o partícipe.

“Hey Neil, nos perdimos de todo”****
–Buzz Aldrin

___________
"Fearless" Spaceman Spiff

[*] Nazi Technology: ¿Sabía usted qué el cohete Saturn V fue diseñado -y construido- por el científico alemán Wernher von Braun? Responsable -entre tantos logros pioneros- del cohete bélico V2 que los nazis usaron para bombardear Inglaterra en la Segunda Guerra Mundial. Hoy día este enorme cohete de más de 100mts de largo reposa como techo-decoración de la feria de comida y exposición al público del Kennedy Space Center en Cabo Cañaveral... donde humildemente pasé uno de mis mejores días. [Nota del Editor en Jefe Bartholomeus]

[**] Documentado en las transcripciones de las comunicaciones entre el Centro de Conrol (Houston) y el Apollo 11. También quedó registrado en la grabación de video para las intermitentes transmisiones para la Televisión. El texto y el video se encuentran disponibles para el escrutinio del incrédulo en los archivos públicos (Web) de la NASA y el Museo Smithsonian de Washington.

[***] El film Capricorn One trata sobre una misión trucada al planeta Marte. En Opération Lune se plantea algo aún más descabellado: que además de haber sido realizada en estudios de Hollywood, la misión Apollo 11 fue dirigida por ningún otro que Stanley Kubrick…

[****] Frase dicha por Aldrin a Armstrong luego de volver a la Tierra y ver todo lo acontecido.

©Todas las fotos son propiedad y cortesía de NASA.

Etiquetas:

La Otra Dimensión: L'art du Déplacement

Review: Mirror's Edge (PS3/X360) - Rara vez uno se topa con un juego donde el concepto de gameplay cambia los paradigmas o estándares en que se basa la industria por miedo a arriesgarse. Me refiero a que muchos creen que con un shooter de primera persona (FPS) o de tercera persona (TPS) tienen garantías de éxito. Prueba de esto lo tenemos en EA al publicar un desarrollo bien arriesgado y novedoso de la casa DICE que espero sirva de ejemplo para que otros rompan con la monotonía de juego.

Mirror's Edge nace como un concepto exclusivo para el PS3 que al final terminó porteado al X360, un juego de primera persona aunque aplicado desde otra óptica: no la del típico shooter sino la de Parkour. El Parkour, o como dice el título del review, es un "arte del desplazamiento" acrobático improvisado en que el deportista corre, escala y sortea obstáculos urbanos con absoluta soltura gimnástica. Nace de una actividad callejera en Paris gracias a sus fundadores Sébastien Foucan y David Belle*, cuya trayectoria en gimnasia y artes marciales dieron paso a una combinación de uso práctico. La mecánica básica consiste en utilizar la agilidad del cuerpo humano al superar obstáculos sin perder la velocidad dinámica o momentum. Dada la apariencia de ser un arte marcial, no obstante no existen patrones en la disciplina que determinen su función más allá de la eficiencia gimnástica y la creatividad acrobática. Mirror's Edge propone esta disciplina como centro de su gameplay pero desde la perspectiva de primera persona lo cual lo hace muy ingenioso.**

El gameplay es criminal, novedoso y hasta desafiante. La sensación de vértigo y desorientación por la simulación de movimiento es algo nunca antes visto, que se acentúa más si lo experimentas en pantallas grandes en full HD.

"I got my propaganda, I got survivalism!" [NIN]
Tema: La trama de Mirror's Edge es tan típica como la de un episodio policial de (name your TV drama here) lo cual no garantiza un guión para romperte la cabeza pensando en el desenlace inesperado. De hecho tan típico y predecible dentro de su contexto genérico distópico que no puedes más que simpatizar con los conceptualizadores por siquiera intentarlo. Para no perder la costumbre aquí les va, el escenario propone una sociedad totalitaria donde la comunicación está fuertemente controlada en poder del estado [¡cof! ¡cof!], por lo tanto la sociedad reprimida en carácter subversivo recurre a los "corredores" para la mensajería. Los corredores son mensajeros que llevan la información confiable a pesar que son perseguidos como criminales por las autoridades oficialistas.

Faith, la heroína, pertenece a esta red de rebeldes que prestan sus habilidades como corredores para el servicio de la resistencia. La niña se ve metida en un rollo más grande -y personal- al tener que ayudar a su hermana a quien implican en el homicidio de un prometedor candidato por la gobernación. El candidato no sólo tiene simpatía por la oposición, sino que descubre que el gobierno entrena en secreto sus propios "corredores" para hacer frente a los mensajeros rebeldes y cazarlos en la práctica. La razón de implicar a Kate -la hermana de Faith- radica en que descubren que ella ocultó la existencia de su hermana subversiva. La oportunidad se presta ideal no sólo para usarla de chivo expiatorio en el homicidio del candidato, sino la de utilizarla para que su hermana salga a la luz y desarticular la red a la cual pertenece.

Debes ser exacto en la coordinación de los movimientos o lo lamentarás, los reflejos y la lógica también son indispensables. El ritmo y la velocidad van contra el tiempo a medida que también huyes de los policías y las balas.

"Jump around! jump around!" [House of Pain]
Jugabilidad: La jugabilidad cuesta acostumbrarse, la simulación de mareo y vértigo puede ser difícil para algunos o sin mayores inconvenientes para otros. Pudiendo incidir negativamente en tu juego dependiendo del nivel de tolerancia que tengas. Las habilidades de Faith en juego son bastante extensas como en el Parkour, pudiendo correr, saltar, impulsarte temporalmente por las paredes, deslizarte, apoyarte en obstáculos, equilibrio, rebote, columpiarse en tuberías, cornisas en fin, muy balanceado y que se complica con el avance de los capítulos. Dos asistencias ayudan al corredor en el juego, una mira en pantalla y el "Runner's Eye". El primero sirve de ancla visual para evitar el mareo, el segundo para orientación a donde ir mediante la coloración rojiza de los objetos que te sirven de guía en el trayecto (ambas se pueden desactivar en las opciones). A veces te encuentras con situaciones de encierro donde debes usar la lógica para seguir adelante.

Unos niveles te permiten total tiempo y libertad para sortear los obstáculos siendo estos los únicos medios de dificultad para detenerte; otros por el contrario suman policías tras de ti para generar presión con peligro de muerte más por balas que por caídas. Hablando de caídas, las vas a experimentar más de lo que deseas ya que una crítica a su gameplay está en que su mecánica de obstáculos se supera muchas veces mediante ensayo y error. La modalidad de combate es poco efectiva y no la puedes evitar en algunas situaciones. Unas marciales, otras de fuego. Está por demás decirles, aunque no lo considero un punto negativo, que en raras ocasiones puedes usar un arma de fuego cuando desarmas a algún policía. La mecánica de shooter es de las peores que he jugado y el AI es pobre, pero como no es el foco principal del gameplay no se justifica que lo use como crítica.

Los gráficos son fotográficos e impresionistas sin duda. Los escenarios rinden homenaje a juegos como Portal, aunque el ambiente es bastante estéril por más industrializada que sea la ficticia "City" donde Faith lucha.

Collateral Heat Vice
Presentación: ¿La presentación? Simplemente increíble. El diseño del personaje central sin duda tuvo gran cuidado, ofreciendo personalidad que va con el estilo deportivo de la corredora asiática. Faith, en los pocos momentos en que la ves, parece una Chinita Tielnita Miamol, que si no fuera porque usan animaciones Flash para los relatos entre capítulos, hubiera más tiempo para admirarla. Los escenarios de "City" son un poco minimalistas y con algo de monotonía industrial estéril, casi que clínicamente higiénico que por alguna razón me hizo recordar al mini juego Portal que viene de bono en The Orange Box de Valve. El acabado visual va con el tono de una sociedad mecanizada donde se controla todo hasta la información. La calidad de las texturas se defienden bien aún si las aprecias de cerca en una pantalla HD.

Todo parece fotográfico hasta cierto punto, sin dejar de mencionar el cuidado en el uso de la luz y sombra con efecto de HDR (high dynamic range) cuando entras o sales de dos ambientes que contrastan diametralmente en intensidad de luz. Los colores también rayan en lo monótono pero ese surrealismo tipo THX 1138 es lo que le da personalidad al futuro distópico del juego. El sonido es muy realista recreando los ambientes con precisión atmosférica en 5.1 canales. El soundtrack –de Solar Fields– es total ambient-techno-industrial que pareciera que estuvieras viendo un film de crimen de Michael Mann (Heat y Collateral). La música pone el tono y guía las emociones del juego calzando con exactitud en las situaciones diversas presentadas en el gameplay.

Como punto a favor si te gusta este tipo de soundtrack techno-ambient, puedes reproducirlo desde los extras como si fuera un OST cualquiera, lo malo es que requiere el PS3 porque a pesar de ser un BD no lo lee otra unidad.

En conclusión Mirror's Edge es un concepto viejo pero bien aplicado con una perspectiva y mecánica totalmente nueva. Aunque la trama sea convencional, por debajo de los estándares, y que el gameplay presente retos frustrantes, el juego deja memoria y se ofrece como recomendación de compra, sobre todo gracias a su valor de replay mediante modos de juego alternos a la trama (no hay multiplayer). Si quieren experimentar aunque sea superficialmente el modo de juego de Mirror's Edge, vayan al portal de EA+DICE donde hay una versión Flash 2D para navegadores Web que lo pueden jugar gratuitamente en línea y en cualquier parte. De resto les recomiendo que bajen el Demo desde el PSN o XBLA para probarlo como debe ser.

Jugabilidad: Willy McKay (★★★★★)
Presentación: Willy McKay (★★★★★)
Tema: Pasta (★★★☆☆)
Multiplayer: ¡No Hay! (☆☆☆☆☆)

¿60$?: ¿Por qué no?

[PS3: 2008. 1-Disco (Blu-ray). Zona 1. Video HD: 720p. Sonido: Dolby Digital E 5.1, Jugadores: 1, Online: n/a; Disco: 550MB; Dual Shock Compatible; ESRB Rating: T]



______________
Barton

[*] David Belle participó en el film francés "Banlieue 13" (B13) donde explota al máximo sus habilidades dentro de la disciplina. Sébastien Foucan también hizo una aparición en la primera escena de acción de Casino Royale donde interactúa junto a Daniel Craig quien por cierto hizo casi todas las escenas de Parkour gracias al entrenamiento de Foucan. Foucan también estuvo en el video clip "Jump" como en el tour "Confessions" de Madonna haciendo todo un despliegue en escena de Parkour.

[**] Si han sido gamers de trayectoria, en el pasado han existido otros juegos que de una manera han sugestionado el Parkour dentro de su gameplay. Si tuvieron una de las primeras Apple II, recordarán LoadRunner de Broderbund Software, el muñequito que debía correr, saltar y sortear obstáculos para evitar que los otros lo cogieran como el toro si lo pescaban (también salió para el Atari, el Sinclair ZX Spectrum, Commodore 64, NES, SEGA entre tantas, y recientemente re-editado para el iPod, XBLA y PSN). Sin embargo otros clásicos han sugerido el Parkour dentro de su jugabilidad como el Prince of Persia (original), la serie Tomb Raider (todas) y Ninja Gaiden (todas). La aplicación más reciente de Parkour con mayor similitud a su forma actual la vimos en Assassin's Creed de Ubisoft en 2007. Todas han tenido la particularidad que su jugabilidad -sea en 2D o 3D- ha sido en tercera persona, Mirror's Edge viene a ser la primera aplicación de esta modalidad en primera persona.

Etiquetas: , ,

Misma Ciudad - Sexo = Cuaimas



Cuando hace exactamente un año reseñamos en este colosal desperdicio de banda ancha la adaptación para cine de la serie Sex And The City, apelamos a la primera parte del título -que ahora repetimos- para mencionar que todo el producto final era más un comercial que un film. Más todavía considerando que nos extrañaba el hecho de que, por ser cine, habría más libertad en cuanto a reflejar el sexo en la pantalla grande. Irónicamente, el programa de televisión era –y es– más audaz, atrevido y franco que su equivalente en 35 mm, con la amenaza en el horizonte de una segunda película... Pero antes de que esto suceda y en el marco del recién iniciado Festival Independiente de Cine Norteamericano, por invitación fuimos a ver The Women.

Basado en la obra de teatro del mismo título de la época de la Gran Depresión que se adaptó para cine en 1939 con Rosalind Russell, Norma Shearer, Paulette Goddard, Joan Fontaine y la máxima bruja de todos los tiempos, Joan Crawford, en los estelares bajo la dirección de George Cukor, esta versión moderna es adaptada al nuevo siglo y dirigida por Diane English, responsable por crear la serie de televisión Murphy Brown. Por lógica, la realidad femenina de los 1930 es diferente a la de este siglo; en la actualidad hay más mujeres exitosas en cualquier área, sea comandando una empresa de publicaciones, de moda, de cosméticos e incluso su propia vida sexual, a fin de cuentas a estas alturas ya las lesbianas no escandalizan a nadie. Pero algo es inalterable al paso de la historia: han sido, son y seguirán siendo Cuaimas.

Es precisamente este enfoque el que hace a este film tan débil en cuanto a dirección. Es nuestro parecer que Diane English debería de haber visto episodios viejos de su excelente programa antes de lanzarse a fotocopiar este material del pasado. El problema radica en que The Women, al igual que su equivalente de Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Kristin Davis y Cynthia Nixon, se ve más como un intento por hacer una comedia ligera de circunstancias que falla por no tener vena humorística. Viéndose más como un chick film lleno de patrocinantes de lujo y uno más bastardo: La Paloma (traducción: Dove) que como una película seria. Consejo a Diane English para la próxima: ver también todas los films de Woody Allen para que aprenda cómo es que hace buena comedia de situaciones.



En consonancia con lo mencionado, el guión es tan plano y estéril que apela a salidas fáciles para mostrar los cambios de personalidad de los personajes. Si tan sólo con un tratamiento capilar y un cambio de guardarropa se aumenta la autoestima en una persona, los consejeros y libros de autoayuda tendrán sus días contados y estarán al borde de la bancarrota. De igual modo, el trabajo fotográfico es técnicamente limpio y admirable como lo sería el ver anuncios de cosméticos en revistas o en vallas publicitarias; es decir, el modelo se ve bien, pero la realidad es que genera un canon inalcanzable de belleza, incitando a toda clase de torturas y desórdenes alimenticios en aras de un ideal fatuo. La edición no pinta nada en este film, excepto por destacar acercamientos de los rostros de las actrices en escenas de diálogos; se podría filmar grandes tomas y planos y no haría falta cortar y pegar. Y lo musical es tan elemental como poner música en un desfile de modas o en una fiesta, cualquiera puede hacerlo.

Y llegamos a otro de los problemas: el desperdicio de talento actoral. Si bien Annette Bening a sus años se ve tan buena que produce envidias en nosotros para con su esposo Warren Beatty –el gran antecesor de George Clooney en eso de perseguir piernas con faldas–, y que Meg Ryan se ve descuidada pero bien dentro de lo que cabe, que Jada Pinkett Smith sea enana con curvas peligrosas, que Eva Mendes esté miamorrr de plancharle el flux todos los días, que Debra Messing se siga viendo bien con todo y lo fiel a su cabello rojo, que Carrie Fisher siga sobreviviendo a los excesos del kilometraje hollywoodense, y que Candice Bergen envejezca con gracia (algo en que no estamos de acuerdo con ella), es asombroso que hayamos hablado de atributos físicos más que de los papeles que ellas acometen para que se hagan una idea de lo deficiente del guión. Pero además el desperdicio mencionado viene por la subutilización de tres actrices que en el poco tiempo que están en pantalla se roban toda la película: Ana Gasteyer, Cloris Leachman y Bette Midler; la primera al decir la mejor línea de diálogo de la producción, la segunda porque es toda una dama de la actuación que hasta lo hace bien así recite las páginas amarillas y la tercera porque su sola presencia produce risa automática.

Al terminar de ver The Women, un hecho nos llamó la atención, y fue que en toda la película no apareció ni un solo hombre, ni siquiera de extra en la calle. Y claro, automático que saliendo de la sala y en el acto yendo a ver cualquier film de bombas, explosiones, terroristas, balas, armas, coñazos y patadas; mínimo cualquier episodio de 24, máximo un film protagonizado por mujeres que no es un chick film: Kill Bill de Quentin Tarantino. Recomendación ruraltejana estrictamente para fashionistas y diseñadores de coletos, no para Tipos Serios.

Film: Mancao (★★☆☆☆)

___________
Spaceman Bill Spiff

Etiquetas: ,

República Metallica #44:
A Jimmy el eterno Hippie, el 5º Rolling Stone

De arriba a abajo "The Voodoo Child" James Marshall Hendrix y los 4 Fantásticos del Rock Clásico: Led Zeppelin.

Jimmy Daly fue un amante empedernido de la música, melómano incorregible y coleccionista de discos como ningún otro. Tenía una especial pasión por el Blues y el Rock Clásico, en especial todo lo que se hiciera en las décadas anteriores a los 1970's. Con poco o casi ningún material hecho en los últimos 30 años salvo si sus autores venían de esos tiempos dorados de la música popular. Era como un hippie renuente. Como nuestro pana nos encantaba reunirnos con él a tomar unos tragos, hablar de música y escuchar los "últimos" plásticos que casi siempre era material clásico remasterizado. Ratón de disco tienda, casi siempre coincidíamos en AM Musical buscando encargos o las últimas joyas de colección, sobre todo en los tiempos en que el Doc Basura era el Gerente encargado de AM cuando se podía importar de todo... y se podía comprar de todo. Sin embargo, como buen coleccionista, Jimmy siempre se las arreglaba para tener ese disco especial.

A Jimmy se le puede adjudicar el título del fan #1 de los Rolling Stones, teniendo la colección más increíble que haya conocido de sus majestades satánicas. Cualquiera puede decir que tiene "todo" de los Stones, pero pocos como Jimmy que sí tenía TODO. Cada edición y remasterización, con ediciones especiales certificadas llevando número de serie de menos de 500 unidades, algunas incluso autografiadas por los propios Stones. Llegando a salir por accidente en una carátula de un disco en vivo porque hasta viajaba por el mundo para verlos. Un fan de verdad. Si algo separa a cualquier colección de los Stones de la de Jimmy es que no sólo tenía todos los viniles correspondientes, sino que son las primeras ediciones originales británicas (LONDON), varias de ellas duplicadas selladas -siquiera por probar una aguja- para tener un ejemplar "por si acaso" de repuesto.

A comienzos de este año Jimmy murió repentinamente, su colección de discos fue vendida y repartida entre sus amigos mas cercanos, señalando que el Doc y yo fuéramos los primeros a elegir por considerar que sólo otro melómano coleccionista podía cuidar sus grabaciones como él lo hacía. Entre la vasta selección de plásticos de lujo que rondaba su colección de miles y miles de CDs, me reservé unas cuantas piezas de colección entre las cuales resaltan este grupito de tesoros que forman parte de una era cuando el Rock se hacia con el alma. Puro Rock Clásico. Algunas de estas selecciones se consiguen aquí por precios impagables, otras sólo por órdenes en Internet.



The Jimi Hendrix Box Set
Jimmy era más Blues que Rock, pero si tenía una afinidad por algún artista de Rock Clásico, se debía por sus influencias de Blues que a menudo formaban parte de su repertorio. James Marshall Hendrix era uno de sus fetiches y aunque ya coincidía con su colección de discos, uno en particular no estaba en mi repertorio: La famosa caja púrpura The Jimi Hendrix Experience Box. Que a diferencia de la re-edición que se consigue por ahí en algunas disco tiendas locales, esta es la primera que no trae el DVD pero viene en un estuche -mas grande- imitando terciopelo en su acabado exterior.

No confundan a la caja de Hendrix como una colección de todos sus éxitos o una antología de sus grabaciones cronológicas de estudio. No, para eso deben tener sus álbumes Are You Experienced?, Axis: Bold as Love, Electric Ladyland, que conforman su fugaz carrera como el pionero de la guitarra distorsionante. Con el plástico referente a su Banda of Gypsys de referencia obligatoria aunque era una banda alterna donde no figuraban Noel Redding y Mitch Mitchell del trío "Experience" como en el presente caso.

La caja está conformada por lados-B, demos, temas y rarezas nunca publicadas con algunas intercaladas en vivo para diversificar el repertorio. Grabaciones alternas, aunque muy similares a las oficiales, de temas clásicos como "Hey Joe, Purple Haze, Fire" etc. Con sus versiones archiconocidas de los temas de Bob Dylan como "All Along the Watchtower" y "Like a Rolling Stone" y otras no tan conocidas como su versión Gypsy Rock de "Sergeant Pepper" de The Beatles. Vean la caja como una colección de rarezas indispensables para expandir tu colección de álbumes del afro rockero, como la caja de Nirvana, la de Megadeth y la primera de Genesis (no como la de Alice in Chains, The Police y la que está en el review de al lado que sí consisten en coleccionar -casi- todas las grabaciones de estudio oficiales).

La calidad de sonido es mixta, buena, aunque unas no tanto, pero pasable. Incluye un libro bastante extenso, en fin, recomendable para fans de Hendrix.

Música: McKay (★★★★☆)
Sonido: Pasta (★★★☆☆)


[4 CD - 300 min. 1966-1970. MCA]


Led Zeppelin Box Set
Si la frase "lo bueno se hace esperar" tiene algo de sentido válido es con este ejemplo. Mi colección de discos tenía el número de "cero" títulos de Led Zeppelin irónicamente siendo una de mis bandas favoritas del período dorado del Rock (Hendrix, Doors, Genesis, Sabbath, The Who, Cream, Floyd, Purple, Joplin, Beatles, Stones). ¿Por qué? porque muchas de esas grabaciones en CD sonaban a teléfono público y sólo las he ido añadiendo a medida que se van restaurando, como los SACDs de los Stones y los DVD-A de The Doors hace unos años. Con muchas expectativas esperamos lo mismo de The Beatles cuando todo su catálogo salga -por fin- remasterizado a finales de año. Con Zeppelin era más difícil, ya que de todas las bandas clásicas, salvo los Stones, es de las pocas que sobrevivieron a la época y tuvo una selección extensa (casi todos los que se murieron no pasaron de 4 álbumes). La caja antológica de Zeppelin titulada en el '93 The Complete Studio Recordings siempre fue inalcanzable por su alto precio local. Gracias a Jimmy, ahora reposa en mi discoteca y giran en mi CD Player.

La caja es un lujo, conforma TODOS los álbumes de Zeppelin repartidos en 10 discos y cada uno con su arte, decoración y motivo correspondiente a su época, sin mezclar o añadir demos, lados-B, ni nada. Tal cual salieron se respetaron. Encerrados en una caja dura con cada álbum en un libro empastado, también de tapa dura, que incluye hasta la cara interior y posterior que se imprimió en el vinilo original. Un tomo alterno trae una documentación histórica por el periodista y amigo de la banda Cameron Crowe, que incluye invaluables fotografías abarcando todo su período como cuarteto. Da gusto escuchar de nuevo al álbum homónimo debut, el Led Zeppelin II y el Zoso (mal llamado Zeppelin IV) con una calidad tan meticulosa que es como si nunca los hubiera oído antes. La restauración a cargo de Jimmy Page es estelar y sin reservas. Sé que "Stairway to Heaven" la han rayado hasta en la sopa, pero ¿cuándo fue la última vez que la escucharon concentrados y sin hacer más nada? Merece una reivindicación.

La voz de Plant, las percusiones de Bonham y el bajo de John Paul Jones jamás se escucharon tan limpias como en esta antología. Mis otros álbumes favoritos se escuchan magistralmente, como Led Zeppelin III y Physical Graffiti, al igual que los que menos me gustaron al cierre de su carrera (In Through The Out Door y CODA). Insisto, la calidad de sonido es de locura, cuesta creer que son grabaciones de hace 30 a 40 años, "Whole Lotta Love" y "Rock and Roll" nunca se sintieron así en formato alguno, y reto al vinil original a cualquiera que lo tenga. Absolutamente recomendable.

Música: Sir William McKay (★★★★★★)
Sonido: Sir William McKay (★★★★★★)


[10 CD - 436 min. 1968-1978. Atlantic]



Ramones - Road to Ruin
Los artistas más menospreciados de la historia de la música han sido los Punk, y entre ellos ninguno como The Ramones que tras la muerte de tres de sus fundadores, Joey, Johnny y Dee Dee apenas disfrutaron del reconocimiento merecido al ser incorporados al Salón de la Fama del Rock & Roll en 2002. Salvo Joey, quien murió en el 2001, todos los Ramones disfrutaron de la ceremonia de inducción en vida.

Casi todas las bandas que son la gran cosota en el presente, deben a The Ramones la inspiración de dedicarse a la música como forma de vida. The Ramones es historia, es cultura, es música y son el alma del recién desaparecido CBGB. Tener su cuarto álbum remaster Road to Ruin es todo un honor que engalana mi colección.

Road to Ruin vino a ser el trabajo más distante y elaborado de Los Ramones rompiendo con el esquema de las canciones de tres acordes ultra-rápidas que los catapultara a la fama en los discos anteriores.

Sin embargo eso no evita que Road to Ruin tenga varias piezas con ese estilo, dentro de las cuales está la clásica "I Wanna Be Sedated" que se ha convertido en un himno de culto entre los que amamos el punk. Como también "I Want Everything" que pone el velocímetro a tres tablas: "1-2-3-4!"

Temas que sobresalen de su particular estilo rápido están "I Just Want To Have Something To Do" que abre el álbum demostrando que The Ramones sembró las semillas del soft-punk que posteriormente explotaría The Clash como parte de su abultado repertorio de estilos. Otras piezas importantes incluye "I Don't Want You", "Don't Come Close", "Go Mental" y "I'm Against It". Como bono hay Lados-B y Demos que estiran el contenido por encima de los 38 minutos que dura el álbum original aprovechando el espacio del CD.

Este disco se grabó con amor y como al parecer sabían hacer bien en los '70. Es increíble la claridad y peso que tiene lleno de reservas dinámicas y sutilezas, en especial en los platillos. Nada de ese casi-mono de The Sex Pistols que pareciera grabado con una grabadora de periodista, aquí hubo buena ingeniería de sonido en el estudio. Gracias a este remaster podemos saber que The Ramones mantenían una disciplina de calidad de sonido por más informal que haya sido su carrera y su personalidad. Un disco de colección obligatoria.

"1-2-3-4! Trarararara-trararara-trararara Spiderman, Spiderman..."

Música: McKay (★★★★☆)
Sonido: Sir William McKay (★★★★★★)


[CD - 52 min. 1978. Sire]


Blind Faith - Blind Faith
Fue vendida como la primera superbanda de Rock del mundo, antes incluso que Zeppelin. Blind Faith sirvió como lo máximo que podía dar la cultura hippie pero signó el fin de una era donde las flores y la psicodelia dejaban de ser los pilares de una generación.

Blind Faith sacó un único disco e hizo alarde por todas partes, notoriamente por la polémica de su carátula explícita, pero sin duda más por su excelente música que sólo se conoce hoy día por su único disco y posterior gira de ese verano de 1969. Blind Faith se forma de la unión de Eric Clapton (Cream, Yarbirds), el vocalista de Traffic Steve Winwood, Ginger Baker (Cream) y Ric Grech (Family) con la idea de tener una libertad en la composición de canciones de Blues y Rock Psicodélico, estilos muy influyentes en la cultura hippie de entonces.

La banda no prosperó más allá de las enormes expectativas mediáticas pero produjeron un álbum legendario que contiene tres temas clásicos conocidos como "Can't Find My Way Home", "Sea of Joy" y "Presence Of The Lord." No por ello este disco cala entre las joyas más emblemáticas de la cultura hippie reflejando el último aliento del movimiento de los '60. Pocas bandas mantuvieron la psicodelia en la década siguiente, la más notoria Pink Floyd (el sonido del Rock migró hacia un tono mas pesado dando génesis al Hard Rock de la mano de Zeppelin, Purple y Sabbath).

La música refleja el carácter de Blues con el Rock Psicodélico agregando pasajes cuasi lisérgicos que evocan sonoridades pasivas. Con el virtuosismo eléctrico de Clapton que sobresale por encima de la jovial voz de un Steve Winwood de sólo 20 años entonces, quien se expande con vigor como hiciera en su carrera con Traffic. "Had to Cry Today" mantiene ese tono gitano del Rock de los '60 entre los riffs progresivos de Clapton y Baker. Todas las piezas son una joya salvo "What Do You Like" en mi opinión que desperdicia 15 minutos casi chocando con el resto del concepto del álbum, por fortuna está al cierre (el disco 2 de esta edición De Luxe tiene outtakes de las sesiones de grabación, incluso de esta épica canción).

La calidad de sonido es cálida y oscura, muy típica de la época donde las distorsiones abarcaban el humor atmosférico de las grabaciones. No se oye mal, se percibe natural, sin artificialismos de las grabaciones sobreprocesadas en estudio como las de hoy que marchitan la espontaneidad de la banda haciendo que todo suene estéril. Y esta restauración del 2001 no añade nada removiendo sólo el ruido analógico.

Música: McKay (★★★★☆)
Sonido: McKay (★★★★☆)


[2 CD - 42 min. 1969. Polydor]

Bueno, un adiós y un agradecimiento al pana Jimmy. No puedo decir más. A María Luisa por las atenciones para con nosotros el día de la visita... en parte sentí tristeza ver como se "saqueaba" una colección que acumuló por años, pero es mejor que terminen en manos de quienes apreciamos lo que significa en vez que los rematen a un revendedor o los tiren a la basura, se han visto casos. Hablando de Basura, el Doc tiene una colección de Jazz envidiable... hmmmm... que parezca un accidente... la justiciera con la silenciosa... total, hay mucha inseguridad y... ¿¡ah!? disculpen, me desvié, ¿qué estaba diciéndoles? No pongan esa cara. Ustedes no escucharon nada ¿ok? Nada.



___________
Sir Barton

In Memoriam Jimmy Daly

Etiquetas: ,

Money Talks



Saliendo de cartelera o entrando, en realidad no sé porque no estuvimos pendientes con todo y que nuestra atención se desvió de la cartelera comercial para asistir al Festival de Cine Independiente USA 2009 en el Trasnocho. Pero al menos la agarramos sabiendo que no podíamos perdernos el segundo film como Director del afamado escritor y guionista Tony Gilroy (Guión: The Bourne Trilogy, The Devil's Advocate, Armageddon). Como en su debut (Michael Clayton) vuelve a hacer el doble papel de Director/Escritor con una nueva óptica lejos del tono serio que trajo su galardonada Clayton. No obstante el motif central de corporate-spy-thriller se repite como en Clayton, pero con un toque de Ocean's Eleven (de Soderbergh) para darle una personalidad de comedia. No confundan, Duplicity NO es una comedia romántica por más que las pautas promocionales le hayan querido dar ese tinte.

Aparentemente y no lo dudo, en el mundo de las corporaciones de alto nivel (Fortune 500) existe todo un despliegue secreto y sucio de celoso resguardo de la información con prácticas de espionaje contra la competencia al peor estilo de la Guerra Fría. Todo con el fin de mantenerse a la vanguardia del mercado capitalista aparentando buenas prácticas de competencia o anti-monopolio. Robar información del enemigo para serrucharle su momento, evitar que me arruine en el mercado y prevalecer como el líder en mi departamento. Así se juegan las cosas en el mundo de las corporaciones de... CPUs (AMD vs. Intel) celulares (Nokia vs. Motorola), automóviles (Toyota vs. Honda), en fin, hasta en los fabricantes de dulces, jugos, moda y donde más sangre corre: Los Cosméticos.



En Duplicity vemos a dos poderosos CEO con sus respectivas corporaciones de productos para la higiene personal que se tienen más arrechera que un magallanero a un caraquista (ese es el odio más profundo que conozco). Es como Procter & Gamble contra Johnson & Johnson para que tengan una idea del tamaño de la liga que se juega aquí. El objetivo es tener el mejor y más vendido jabón, detergente, pasta de dientes, pañal, shampoo, etc., a la vez que observo cómo mi rival se encoge en la caseta de los perdedores. Se invierte más en recursos de seguridad y espionaje que en el desarrollo de nuevos productos. En ese frenético mundo de paranoia es donde estos dos CEO pasan la mayor parte de sus días, pensando e investigando qué está haciendo el otro más por el hecho de perjudicarlo que por el beneficio de tu empresa. En este escenario se las juegan -y bien sucio- los peones que los CEO mandan como espías para lograr el cometido de vigilar al enemigo. Donde se vale todo como en la guerra, total, estas prácticas no entran en las reglas diplomáticas del juego limpio empresarial. PR is the new bullshit people.

El Director Gilroy maneja muy bien el concepto spy/comedy aunque sobreestima su propio guión al querer darle mucha vuelta sólo para darte el golpe del desenlace inesperado justo al final. Particularmente por la doble duplicidad o dualidad que llevan los dos personajes principales, cuyos roles de contrainteligencia tiene raíces en su experiencia previa con la CIA y el MI6: Julia Roberts (Erin Brockovich, Charlie Wilson's War) y Mr. "Suave" BMW Clive Owen (The International, Sin City, Elizabeth: The Golden Age, Children of Men, Inside Man); que es tan entretenida como la que tienen a distancia los dos CEO a cargo de los monstruos Tom Wilkinson (Valkyrie, RocknRolla, Micheal Clayton, Batman Begins) y Paul Giamatti (The Illusionist, Lady in the Water, Sideways). Es más, los dos últimos no siempre se mentan la madre desde sus confortables butacas de piel en sus lujosas oficinas, ya que la película empieza con buen pie con la coñaza en cámara lenta a-la-Guy Ritchie que se meten Wilkinson/Giamatti dando a entender que los guantes son opcionales en el Ring.



El tono burlón y hasta sarcástico calza muy bien en el screenplay sin llegar a utilizar humor negro, esto es importante ya que está presente por encima de cualquier tono serio o romántico que el film intenta tomar en algún punto de la trama. Sin embargo la narrativa lineal posee insertos en flashbacks tratando de pintar un antecedente en la relación de los dos espías corporativos que llega a ser un poco confuso la mayoría de las veces. Enfocando su relación rival/sentimental desviándonos del enredado de jugadas en que consiste el film. Porque cuando me refiero a jugadas, nunca estás seguro de quien se la está jugando a quien por lo que hubiera sido mejor una narrativa secuencial para un mejor desarrollo de los personajes

Gilroy al menos trabaja bien el ritmo de la historia con picos puntuales que la mantienen interesante en todo momento, es que aparte de escribir y dirigir, también fue el editor del film asegurando que supo manejar bien sus recursos. Muy en especial los actores donde cada uno calza muy bien en el rol que asumen. Giamatti hace de un obsesionado y neurótico CEO que recuerda a Steve Ballmer de Microsoft, donde Tom Wilkinson hace del zorro viejo tipo Steve Jobs cascarrabias que no admite lugar para errores pero sabe como jugar sus piezas sin tener que recurrir a una dieta de Zaroxolyn como supositorios (como seguramente su rival hace a diario para no reventar una Aneurisma). Roberts y Owen hacen buena química tanto de rivales como también de aliados, sabiendo separar el negocio del placer con calculadora frialdad... aquí la confianza y la ética es un lujo. Recomendable si todavía sobrevive como función de medianoche en cartelera.

Film: McKay (★★★★☆)

________________
Bartholomeus

Etiquetas: ,

¡Le Empujo!



Con la cartelera comercial presentando muy poco en sustancia es difícil aventurarse siquiera para darles alguna referencia qué ver en estas vacaciones. No sé si será por el día del niño y toda esa parafernalia consumista pero casi todo lo que se ofrece deja mucho qué desear. Quizás por eso me llevé una grata sorpresa con PUSH el nuevo film del Director Paul McGuigan (Lucky Number Slevin) quien toma elementos conocidos y conceptos establecidos para al menos manejarlos de manera original con un film de pocas ambiciones y mucha humildad. Con baja expectativa quise revisar a PUSH más por el antecedente del Director y lo interesante de la extraña combinación del reparto más que por la falta de alternativas de peso en la cartelera. Sin embargo cabe destacar que después de sufrir la tragedia fílmica que resultó Transformers II: Revenge of the Fallen, al menos tenía la garantía que no iba a sufrir otra experiencia similar... desastres fílmicos de ese tipo ocurren una vez al año... no cuenta si Roland Emmerich saca una película.

PUSH me tenía advertido por los cortes que sería un producto mediocre copiando el concepto de los X-MEN, ¡cof! Heroes ¡cof! No obstante me pareció interesante la extraña combinación de Dakota Fanning, Djimon Hounsou y Chris Evans, un pan con chica que sólo puede funcionar si el Director sabe manejar a sus actores, administrar los recursos y si el guión tiene un nivel mínimo de contenido para entretenerte por dos horas. Me equivoqué y acerté a la vez. PUSH, siendo un sci-fi manga-noir no resultó ser ese producto mediocre de forzada ridiculez como Twilight o Jumper, al contrario, captó la atención de un comic book addict con sorpresiva humildad a pesar de no presentar ningún concepto original. Como también acerté que el Director McGuigan pudo hacer funcionar el parapeto para que al menos no disguste, sino que por el contrario entretenga sin insultar la inteligencia de quienes hemos leído más comics que libros escolares.



Para apartar prejuicios, PUSH no es una historia de mutantes con superpoderes cual The Uncanny X-MEN, tampoco la vean como una copia de Alan Moore en la mejor tradición de Watchmen. Para tener un balance entre la ciencia ficción y lo real, PUSH presenta un escenario donde los superdotados se basan en habilidades típicas de los "psychics" o psíquicos entre los cuales se encuentran telekinéticos, pitonisas, hypnotizadores y mediums. Ustedes saben, esas habilidades que escuchamos a diario con trivialidad sensacionalista sin importar si es cierto o no. Habiendo otros que van más allá de lo mental trascendiendo hacia a lo físico. En fin, en PUSH se etiqueta a los superdotados como "Pushers", entre los cuales están los movers, watchers, bleeders, sniffers, wipers, shadows y stichers, según la habilidad que tenga (ninguna es única como en los mutantes de Marvel). Haciendo una introducción histórica para recordarnos que el asunto de los psíquicos llegó a tener interés gubernamental -real- desde la Segunda Guerra Mundial hasta La Guerra Fría; sí, así de paranoicos llegaron a ser las grandes superpotencias por llevar la delantera en la carera armamentista.

En este escenario es donde PUSH se desenvuelve, que a falta de un mayor desarrollo de los personajes mantiene un sentido de coherencia con buen pie para ser el posible inicio de una franquicia. El trasfondo de la historia plantea que una unidad de desarrollo e investigación del programa de Defensa, llamada "Division", intenta utilizar las habilidades de los Pushers para fines militares. Con ese objetivo Division los rastrea y captura (usando otros Pushers) con el fin de experimentar con una droga no probada. Los Pushers se encuentran en todas partes del mundo encondidos entre nosotros tratando de pasar desapercibidos. Una vidente (Dakota Fanning) visualiza un futuro donde se expone la debilidad de Division para hacerla caer definitivamente acabando con la persecución de los Pushers. Siendo una niña, encuentra en su visión que otros (Pushers) la ayudan a cumplir sus premoniciones, entre ellos un telekinético (Chris Evans), quien no por coincidencia tiene nexos en el pasado con Division (como casi todos al haber sido capturados en algún momento). En el trayecto deben evitar al representante de Division (Djimon Hounsou) y enfrentar otros Pushers mafiosos que tuvieron una visión similar pero que antagonizan contra los protagonistas por tener otros planes de usar la droga para su beneficio.



La dirección y la edición -al mejor estilo de los video clips de los '90- mantiene un ritmo acelerado que nunca descansa. A pesar de que el guión a primera vista parezca simple, resulta algo impredecible cargado de vueltas que desenlaza en un caos en una concurrida Hong Kong como locación real. El ambiente asiático rompe con los esquemas tradicionales occidentales dando a creer que su tinte de comic-animé se inspiró en la legendaria The Ghost in the Shell. Que por más clichés prestados de otros films similares, intenta homenajear su inspiración en función de brillar con algo de originalidad. Sin pretender ser un film para niños o exclusivamente un cyberpunk para los comic geeks, PUSH garantiza una cobertura homogénea donde tendrá público salvo a aquellos que nunca entenderán que el cine no es sólo arte serio, sino también un medio de suspenso de la realidad para el sano entretenimiento. Con sus pelones técnicos aquí y allá en algunos efectos especiales (señores, las pistolas quedan desmontadas después de percutar el último proyectil), que en su mayoría son muy buenos, no arruinan lo que es, sin duda, una buena película que hasta tiene algunas líneas memorables.

Aparte del aporte del Director, el constituyente primario de su carácter como buena historia está en los hombros de Dakota Fanning (The Secret Life of Bees, Hide & Seek, Man on Fire, War of the Worlds) que demuestra que tiene algo que demostrar por encima de su precoz inicio como actriz infante. Sobran los comentarios para Djimon Hounsou (Constantine, Blood Diamond) quien goza de status triple-A en Hollywood por su linaje dramático como figura de carácter. Con el merecido reconocimiento a Chris Evans que si es cierto no ha demostrado sus cualidades fuera de films de este tipo (Fantastic Four), calza a la perfección al menos transmitiendo emociones en su rol de protagonista a diferencia de anclas acartonadas en otros films del género (Keanu Reeves anyone?). El reparto también funciona donde un elenco multiétnico conecta los hilos de un guión que parece regado por todas partes, en especial a la niña que sirvió de adorno en el último bullshit-fest de Roland Emmerich. En fin piltrafas noveleras, hay sorpresas en la cartelera y PUSH fue para mi como WANTED el año pasado. Suficiente con decir que me gustó que jode. No será un jonrón con las bases llenas, pero al menos goza de mi aprobación como el triple que se logra echándole piernas gracias a que el jardinero se enredó.

Film: McKay (★★★★☆)

¿Hey qué tal un clip? Esperen... ¿¡Qué es estooooo!? Impossible!!! ¿¡Rural Tex poniendo un video!? ¡fin de Mundo! ¡llamen a la prensa! ¡se vendieron estos mequetrefes! ¡quebrantaron sus principios! ¡Sacrilegio! ¡Infieles! ¡Blasfemos! Pero vean el clip de prueba a ver les gusta esto de poner videos sólo como complemento a algunos artículos. No lo hacíamos por no saber hacerlo sino que no nos daba la gana. Tenemos razones justificadas.* No es garantía que sigamos haciéndolo, sus opiniones cuentan (bueno en realidad no, pero hagamos creer que sí). Vean:

©2009 Summit Entertainment L.L.C. All Rights Reserved.

___________
Barton el XXX-MEN

[*] Siempre nos hemos negado a la idea de plagar -sí plagar- nuestras páginas con videos por razones de principios editoriales. Videos en los artículos, un "recurso" que utiliza la mayoría para maquillar su incapacidad de conectar mas de dos palabras con coherencia gracias al analfabetismo funcional en los tiempos del multimedia. Para Rural Tex el objetivo siempre ha sido el de fomentar la lectura, siendo las imágenes meras ilustraciones para complementar o enriquecer lo que se escribe o describe. Nunca para dominar la idea principal: la de comunicar nuestra opinión, criterio y personalidad mediante nuestras propias palabras, de forma analítica o simplemente de manera expresiva. A veces un video puede ser un complemento al igual que una imagen estática, pero nunca debe dominar el contenido del mensaje a comunicar. Es decir, si poner videos reemplaza el criterio de un observador, entonces ¿para qué perdemos el tiempo reseñando o criticando un film si con copiar y pegar embedding codes de un Trailer es suficiente? Precisamente es esa la muletilla de la que se apoyan los mediocres para decir que "hacen un post" o "escriben un artículo" ¡bah! No caemos en esos facilísimos aunque no negamos que la herramienta pueda ser un aditivo trivial sin que afecte el mensaje. Aparte, nuestro buen gusto siempre se opuso a la calidad tierrua de servicios como YouTube, que con sus etiquetas encima del video, mala calidad de compresión y restricciones en su código para adaptarse a las particularidades de diagramación, arruinan la consistencia de diseño que pretendemos conservar. Otros inconvenientes radican en que los videos deben ser procesados para ajustarse a las necesidades de la conexión Web evitando largas esperas para que baje. Recomprimir, reteniendo la calidad mínima toma tiempo, aún en poderosos equipos actuales. Sin embargo, el tiempo para subirlos es suficiente molestia de nuestra parte para alejarnos de la tentación de hacerlo una rutina. Un post normalmente se toma 5 minutos en escribir, las diagramaciones están prediseñadas así que esta página no nos quita tiempo de otras actividades para que funcione como viene haciendo. Sin dejar de mencionar que RTx cuesta cero centavos producir, el día que cueste un centavo lo cerramos, que siendo una página sin fines de lucro (¡cof! ¡cof!) sería absurdo que producirla cueste más allá de la electricidad y el Internet necesaria para ponerla a andar. El clip presente de PUSH sólo representa un experimento para considerar la opción a posteriori, no es un indicio de un cambio en nuestra filosofía editorial... por ahora.

Etiquetas: ,

Las Hermanas Hilton del Siglo XVI



Aunque suene extraño, en la Inglaterra de los 1500 habían dos hermanas que si bien no eran tan vacías y fútiles como Nicky y Helsinki Hilton, sí estaban en los momentos claves de la monarquía inglesa, dominada en ese entonces por Enrique VIII; estas eran Mary y Ana Bolena. Particularmente la segunda llevaría al Rey y a todo el país a una revolución al separarse del dominio del Vaticano, incitando a Enrique a divorciarse de su esposa Catalina de Aragón para casarse con Ana y así engendrar un hijo. Suponemos que los cromosomas X dominaban más que los Y en el Rey, debido a que el primer hijo de ambos sería niña, quien más tarde y luego de hacer una limpieza del país, se coronaría como Elizabeth I Tudor. La relación de ambas y sus vínculos con el Rey y el reinado son las bases del film The Other Boleyn Girl.

A lo largo de la película pude observarse cómo era la relación entre ellos de los hermanos Bolena, su vinculación con la familia real inglesa, las intrigas de palacio, las normas y costumbres de la corte. Todo ello a partir del vínculo fundacional entre Mary, sencilla de hábitos educados dispuesta al matrimonio con un hombre de bien, y Ana, liberal para el canon de la época, culta, sofisticada y ambiciosa. Ambas se encontrarían de frente con la figura de Enrique VIII con todos sus defectos que se sumaban por millares, pero con un sentido de humanidad al trascender como un monarca ante el pueblo e historia. Serían todos ellos llevados al desenlace conocido por todos en las clases de Historia Universal.

Este film viene a ser el debut como director de cine de Justin Chadwick, quien hasta entonces había dirigido en televisión. En la transición de un medio de expresión a otro, aun cuando es llamativa, no se aprecia un cambio entre estilos. Inclusive hay momentos en que debido al tempo directoral, pareciera que se está viendo un film contemporáneo en vez de un trabajo de época, más cercano a series de televisión como The Hills que a obras como Elizabeth. De haber sido reflejado como un film de estética postmoderna a lo Marie Antoinette el resultado podría haber sido interesante, pero consideremos que es su debut en 35 mm, por lo que el acabado final debe más a la revista Vogue que a Shakespeare.



Al ser una adaptación de una novela firmada por Philippa Gregory, trasladada al cine por Peter Morgan quien firmó los guiones de The Queen y de Frost/Nixon (el primer film de duración efímera en pantalla, el segundo sabrá Dios cuando se estrene en el país), pasa a convertirse en una versión libre de los hechos históricos. El resultado del texto termina por verse del modo como el lente del Director lo plasma: una película que parece por momentos un melodrama que un film de período, salvo por ciertos instantes en que pareciera que el guión trata de ser acertadamente histórico para evitar caer en lo frívolo. La fotografía es un pincel con varios matices: colores cálidos para la campiña inglesa, colores fríos para Londres y los exteriores de palacio, luz de velas y amarillos en escenas románticas, claroscuros y tonos azulados para los momentos de intriga y de tensión dramática. El trabajo de edición no es estelar, sino convencional con el estilo actual de hacer cortes dinámicos sin llegar al estilo de la publicidad televisiva o el video clip. Y los motivos musicales son usados meramente para enfatizar instantes precisos en la película que el Director desea destacar; lo demás es música tradicional de esa época.

Del cuerpo actoral, quien se destaca es Natalie Portman en su papel de Ana Bolena. Aquí ella lleva la voz cantante al imprimir audacia y rebeldía en su papel, considerando que estaba destinada a cambiar el orden de las cosas para siempre, esto para reforzar los matices emocionales que le pone con cada película que ella hace, sin lugar a dudas una de las mejores actrices de esta época. En cambio Scarlett Johansson, aun cuando es una excelente actriz, su papel de Mary Bolena se ve opacado por el de Portman, pero esto no se debe a que sea una mala actuación sino a que el guión la retrata como alguien casi anodino, sin peso emocional en la trama que, al contrario de lo que pudiera pensarse termina por ser la gran ganadora, si vemos esto como una lucha de supervivencia entre personajes. Otro destacado aquí es Eric Bana al hacer un acto memorable, cual es liberar de estereotipos conocidos que poseía Enrique VIII para hacerlo más humano, más honesto y lleno de dudas y contradicciones.

De igual forma Kristin Scott Thomas representa a Lady Elizabeth Bolena como un faro de moral y rectitud ante los pecados y defectos del ambiente de la corte inglesa. Mark Rylance y David Morrisey hacen en sus papeles de Sir George Bolena y de Thomas Howard, Duque de Norfolk, dos modelos de maquiavelismo: uno como alguien que desea lo mejor para su familia; el otro dispuesto a hacer lo que sea con tal de ganar favores y prestigio en el reino. Jim Sturgess en el rol de George Bolena, hermano de Ana y de Mary que si bien refleja a un hombre honesto, es esta misma virtud que lo hace parecer blandengue ante los ojos de la sociedad por su falta de ambición. Y Ana Torrent hace una breve pero destacada aparición como la Reina Catalina de Aragón como un dechado de virtudes morales en medio del libertinaje y la decadencia de la realeza inglesa.

En sí, The Other Boleyn Girl es una película con una buena factura y actuaciones correctas, pero nada más. No llega a los niveles épicos del Hamlet de Sir Lawrence Olivier, pero tampoco está en las profundidades de un programa como Gossip Girl, aun cuando estilísticamente le deba más al segundo que al primero. Recomendación ruraltejana intermedia de este Festival de Cine Independiente Norteamericano; no es malo, pero tampoco es imprescindible.

Film: Pasta (★★★☆☆)

___________
Spaceman Spiff VIII

Etiquetas: ,

"Won't see what might have been"*



Abriendo el festival de cine independiente USA 2009 que comienza este viernes, hemos estado asistiendo a las funciones pre-estreno para la prensa donde recientemente vimos a The Wrestler, The Other Boleyn Girl, Cassandra's Dream, entre otras excelentes selecciones. Uno de esos films que nos impresionó por su crudeza fue An American Crime que, de no ser porque fue miméticamente dramatizada y transcrita de los archivos judiciales del caso verídico que tuvo lugar en 1965, habríamos levantado una ceja de lo absurdo de los acontecimientos que ahí se dramatizaron.

Al peor estilo ficciones literarias como Misery de Stephen King o el Video-Clip "The Unforgiven" de Metallica, An American Crime recrea los hechos tal cual sucedieron sobre el encierro, tortura y posterior homicidio de Sylvia Likens, una adolescente que estuvo temporalmente al cuidado de Gertrude Baniszewski, su victimaria. Desconocía este suceso, pero al escudriñar un poco más sobre el caso -después de haber presenciado el film- me di cuenta que el novato Director Tommy O'Have fue conservador al abordar la adaptación con suave tacto, por eso se le aplaude. Es que los pormenores y detalles que omitió en su obra resultan más horrendos y hubieran sido morbosidad gratuita innecesaria y sin sentido artístico. Que de seguro le habrían dado un sentido de melodrama injustificado dado el carácter de comunicación y entretenimiento dramático que presenta el film.



Los detalles de como pudo suceder algo tan absurdo e injustificable, donde participaron niños incluyendo los propios de la madre soltera que perpetró el crimen, se lo deben ustedes si deciden tomar nuestra recomendación como film a considerar para este festival de cine que se inaugura el fin de semana. Ningún hecho justifica que Gertrude Baniszewski, siendo madre soltera, sumida en la pobreza en medio de los difíciles tiempos de la norteamérica sub-urbana de los '60, y con muchos niños consecuencia de su comportamiento irresponsable como madre, haya torturado a una niña intentando "disciplinarla" siguiendo sus cánones morales... y hasta cierto punto, religiosos. La narrativa es secuencial, aunque recurre a regresiones utilizando el juicio a Baniszewski como ancla escénica. El ritmo, lento por naturaleza, encuentra emociones en el score incidental y en el apoyo de la música que dominó a la cultura norteamericana a mediados de los '60.

An American Crime pudiera parecer un típico drama televisivo a lo Hallmark Channel de no ser por la poderosa interpretación de Catherine Keener (Being John Malkovich, Capote, 8MM) como Gertrude Baniszewski a la vez que comparte la carga dramática del film con la soberbia dualidad de Ellen Page (Hard Candy, X-Men: The Last Stand, Juno) quien se le enfrenta en vano como Sylvia Likens. Dejando muy poco espacio de aporte al reparto, que entre tantos incluye al jovial actor James Franco (Spiderman Trilogy, In the Valley of Elah, Milk, Pineapple Express). El soporte dramático sólo encuentra momentos importantes en (TV actor) Bradley Whitford, como el abogado acusador quien hace breves apariciones en las escenas del juicio, y que sólo sirven como puntos de enlace de una trama narrada con extensas secuencias en flashbacks.

Recomendable como parte de los excelentes títulos que presenta el festival de cine independiente USA 2009 a celebrarse en la casa Trasnocho (Paseo Las Mercedes - Caracas) y salas afiliadas al circuito Gran Cine a partir de mañana.

Film: McKay (★★★★☆)

___________
Bart "That Old Man Here is Me"

[*] "Never Free, Never Me, So I dub thee UNFORGIVEN" -Metallica "The Unforgiven"

P.D. Dedicated to Antonio Bastardo (our own personal Unforgiven).

Etiquetas: ,

La Otra Dimensión: Honey Junkie 90210

Review: Haze (PS3) - Volviendo con los juegos que dejamos pasar desapercibidos, sacamos este título para ver qué tal. Que quisiéramos haber olvidado para ser franco. Considerando que unos han sido bastante buenos y sorpresivos, otros por el contrario corroboraron el porqué los ignoré en un principio... Haze es uno de esos que quisiera no haberle dado cancha porque no tiene chance.

Muchos desarrolladores creen que hacer un Shooter de primera persona (FPS) es un tiro al piso. Ni los que la han pegado del techo en el pasado están exentos de poner la cagada si no se diseña bien un concepto. Esta lección es la que espero aprendan los desarrolladores de Free Radical quienes gozaron de estatus legendario cuando sacaron uno de los clásicos FPS más aclamados de todos los tiempos, me refiero a Golden Eye para el Nintendo 64. El año pasado amenazaron con redefinir el gameplay de los FPS con Haze, un shooter exclusivo para el PS3 con supuestas innovaciones por demostrar. Con la franquicia Call of Duty acaparando las masas en todas las plataformas, es difícil atreverse a desafiar al género con un título parcializado a una sola consola. Ni siquiera Guerilla se atrevió a declarar tal arrojo con el ambicioso y EXCELENTE KillZone 2, que a pesar de su impecable diseño y avalancha de elogios no trajo nada nuevo al género por más brillante de su implementación, incluso como console exclusive.

Hasta las payasitas Ni-Fu Ni-Fa se ven mejor camufladas en el monte al lado de estos über soldados del futuro con sus "yellow spandex" que los hace parecer como motorizados que soldados. ¿Abejas? ¿Nectar? ¿Mis Cojones?

"Remember your promise to Merino!"
Tema: Haze expone un futuro no muy lejano donde corporaciones militares dominan la economía, los medios y las industrias manufactureras al "liberar" países en pugna política con conflictos bélicos internos. Algo así como lo que pasa hoy día. En el caso presente, una nación suramericana ficticia donde las fuerzas guerrilleras intentan abrirse ante la opresión se propone como el escenario en la trama. Tu trabajo, como el sargento Shane Carpenter, un "nuevo" en las fuerzas de la corporación Mantel, es el de limpiar étnicamente al país eliminando a la fuerza guerrillera "La Mano Prometida" la cual es dirigida por un carismático líder llamado Merino. A quien acusan de tener un chaleco confeccionado con las pieles de las víctimas que se come. Bueno, tan absurdo como suena la trama tiene algo de sentido y de hecho lo mejor que tiene el juego en sí.

Resulta que Merino no es como lo pintaron los medios de comunicación -propiedad y control de Mantel- que luego de un percance donde lo capturan y torturan, te das cuenta que eres un títere más en función de un imperio corporativo. Cómo no vas a serlo si parte del programa militar de Mantel es que sus soldados están meticulosamente controlados mediante una droga -llamada Nectar- que los hace unos "universal soldiers" (uso una película mala como analogía a un juego malo). Lo que pasa es que el dosificador de Nectar falla en tu super traje -que te hace ver como la Abeja Maya por lo escandaloso del amarillo con negro- y comienzas a ver la realidad que te maquillaban. De pana, trajes militares de campaña de color amarillo-negro ¿no había un consultor en camuflaje en esa corporación militar? Esos mamapipes resaltan en cualquier escenario más que Zeitan en biblioteca. Los guerrilleros no necesitan night-vision ni binoculares de día para avistarlos a leguas. Bueno, el asunto está en que, en medio de tu rebeldía, rescatas a Merino, armas un peo y te pasas al lado guerrillero. En ese plan desenmascaras todo lo que esconde Mantel, entre tantas que la droga Nectar es dañina y... te conviertes en el héroe... sólo recuerda tu promesa a Merino... ¡Por Júpiter! ¡Maldita Sea!

Como guerrillero el juego mejora un pelo, hasta sientes simpatía por Merino y disfrutas balaceando a los imbéciles que una vez fueron tus compañeros. Es que después de escuchar sus estupideces cualquiera les mete un balazo.

"Remember your promise to Merino!"
Jugabilidad: La jugabilidad no es mala ni falla en la mecánica fundamental, pero es que a estas alturas queremos que nos inmuten y de paso que nos reten. La simplicidad del juego es tal que prácticamente se juega sólo, no divierte, no te mantiene pegado, no tiene reto. El AI es ultra estúpido, el enemigo casi que se pone para que le pegues un balazo. Es como Zeitan borracho, da tanta lástima que no provoca hacerle maldades por miedo a ir preso por si hay una ley que ampare a los idiotas desventajados. Pues ni con lástima consigues que el enemigo te provoque cosquillas. Al principio juegas como soldado Mantel que se dosifica con Nectar para acelerar sus habilidades físicas, detectas al enemigo aún detrás de obstáculos como si fuera un night-vision y resistes impactos ofensivos de toda clase.

El problema está que si te metes una sobredosis pierdes el control y le disparas a todo el mundo. El resto de la mecánica de juego es tan típica y trillada como cualquier shooter: correr, agachar, saltar, disparar, apuntar, arrojar granadas y recargar ¿dónde está la novedad prometida? Porque hasta la variedad de armas da pena. Luego de volverte contra Mantel al hacerte parte de la guerrilla, pierdes las habilidades dadas por la droga y más bien al conocerlas las usas en contra del enemigo. Como que conoces el efecto de la sobredosis y comienzas a crear formas de provocarlo en los soldados, como clavarle cuchillos al deposito de Mantel en el back pack (dispararle también funciona) o envenenar las granadas con Nectar de los soldados caídos. Al volverlos majaretas son blanco fácil, como si no lo fueran estando lucidos y concentrados. Vehículos mal implementados con horrible física, mas el pobre desempeño de las armas completan en gameplay. En red es igual, igual de malo aunque modos como Assault divierten siquiera por lo diferente de los típicos Deathmatch y Team Deathmatch.

La presentación quizás fuera pasable en el Play 2 pero en esta generación es una falta de respeto. Texturas de baja resolución, polígonos de juego de celular y la peor actuación vocal digno de una serie de Aaron Spelling.

"Remember your promise to Merino!"
Presentación: La presentación es abominablemente mediocre, sin contar con las docenas de imperfecciones técnicas, que resulta inaceptable para ser un título exclusivo que debiera estar pulido hasta en la pepa 'er chocho. Que bolas, a estas alturas me quieren hacer pasar unos gráficos de Play 2.5 como si fueran de esta generación. Las texturas son planas, duodimensionales, horribles, pixeladas. Los polígonos se les nota la geometría, y las animaciones -junto a la física- es de Super Mario Bros. en el mejor de los casos. Algunas veces se ve decente pero otras veces quieres apagar el TV. Las cagadas técnicas como objetos que desaparecen, polígonos sin texturas y excesivo polygon clipping echan por tierra cualquier sensación agradable de inmersión, qué va, es un asco. El juego se ve tan pero tan feo que sólo parando a Zeitan al lado del TV podría hacer que se vea mejor, y eso que Zeitan es tan feo que pone a un hombre adulto de rodillas empapado en llanto.

Eso no es lo peor, como si el sonido no fuese lo suficientemente estéril la actuación vocal es quizás la peor que he escuchado en años. ¿Ahora saben por qué muchos desarrolladores se gastan buena parte del presupuesto del juego en contratar a actores de renombre? para no terminar con un cast botado de Beverly Hills 90210 tratando de pasar por militares como en el presente caso. No tengo que decirles que no hay sentido de pertenencia por ningún personaje. Todos hablan como si vinieran de tener una conversación de 5 minutos con Zeitan, estupidizados, recitando líneas macho-men eeeeediotized post-lobotomy con su dosis de cliché de segunda. Aparte que se repiten hasta el cansancio ablandándote las caraotas ad infinitum, en especial los guerrilleros latinos hablando en ingles con acento: "Remember your promise to Merino!", "Remember your promise to Merino!", "Remember your promise to Merino!", "Remember your promise to Merino!", "Remember your promise to Merino!" "Re..." ¡YAAAAAA! ¡Por los huevos de Judas! ¡Cállate! Lo dicen a cada rato, como dos veces por cada 5 minutos y ni que les caigas a balazos los puedes callar. Si los soldados de Mantel delatan su posición con su ridículo traje, los guerrilleros se echan paja con la jeta.

En conclusión Haze es horrible "Remember your promise to Merino!" Noooo... no me lo puedo quitar de la cabeza... "Remem..." ¿¡Dónde dejé mi botella de Jack Daniels!? "Remember your promise to Merino!" ¡Basta! ¿¡Dónde dejé la pistola!?

Jugabilidad: Mancao (★★☆☆☆)
Presentación: Mancao (★★☆☆☆)
Tema: Mancao (★★☆☆☆)
Multiplayer: Mancao (★★☆☆☆)

¿60$?: Con exclusivas como ésta provoca cambiarse al XBOX 360.

[PS3: 2008. 1-Disco (Blu-ray). Zona 1. Video HD: 720p. Sonido: Dolby Digital E 5.1, Jugadores: 1, Online: 2-16; Disco: 5GB (¿¡Qué!?); Dual Shock Compatible; ESB Rating: M]



______________
Barton

P.D. "Remember your promise to Merino!"

Etiquetas: , ,

Powered by Blogger
Powered by Blogger
Template by Rural Tex