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ÚLTIMAS RESEÑAS

Las últimas reseñas de videojuegos y cine. También a veces música, Apple o audio (a veces). Rural Tex™ no apoya la piratería, todo medio que aquí se revisa es adquirido legal y estrictamente original.


Más en el Archivo de Reseñas.

CALIFICAMOS ASÍ

Nuestra escala para calificar las reseñas del uno al cinco (estrellas). Con el Sir William McKay reservado sólo a la excelencia.

  • Sir William McKay: Aleph One
  • Willy McKay: ¡Non-Plus-Ultra!
  • McKay: Muy bueno, peeero...
  • Pasta: Ta' bien... ta' bien.
  • Mancao: No nos inmuta.
  • Ñame: ¡Que nos devuelvan el tiempo y dinero que perdimos en revisar esta grandísima porqueria! Epic FAIL!
WEB-ONADAS

Lectura: No Girls Allowed? I'm not your fucking shield!. Una opinión sobre el sonado caso del #gamergate desde la perspectiva analítica del Editor en Jefe. –Bartolomeo

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Der Königgrätzer!



Se ha reiterado muchas veces que al historiador le está vedada la observación directa de su objeto de investigación porque éste es ya pasado y, en consecuencia, sólo hay espacio para interpretaciones irremediablemente conformadas por la documentación fragmentaria, los testimonios sesgados y los prejuicios ideológicos de quienes compilaron la información. Este argumento sólo puede sostenerse si se asume una postura empirista en la cual el discurso objetivo se refiere a cosas que sólo puedan estar ante sus ojos.

¿Qué induce al historiador a incluir ciertos acontecimientos en su relato y excluir otros? Pues sólo podrán intervenir factores subjetivos para seleccionar de la masa de acontecimientos que constituyen el proceso, aquellos que aparecerán como hechos históricos en la narración del historiador observador.

Los datos del pasado carecen en sí mismos de sentido y se vuelven significativos sólo cuando son recreados por el historiador. Collingwood afirma: "sólo puede captarse el aspecto interno de los hechos mediante la actividad mental. Hegel dice: "suprimir todo origen y todo sujeto." al decir que: "lo que es absoluto, es el proceso sin sujeto, tanto en la realidad como en el conocimiento científico."



El historiador debe buscar la mentalidad de la sociedad que esté investigando (ya vamos con el review del film) para encontrar una explicación lo mas fiel posible a la realidad de los hechos. Sin embargo, aclara que siempre estará sesgada por los factores que envuelven al investigador en el momento presente. De hecho, Benedetto Croce afirma: "Toda historia es historia contemporánea, la significatividad en la que está inscrito el historiador."

Hago énfasis en la historiografía filosófica porque todo cineasta que asume el reto de adaptar dramáticamente un hecho basado en un acto histórico, se convierte necesariamente en un historiador improvisado per se. De hecho, debe asegurarse con una sobria investigación a priori que su film no se desviará tangencialmente de los hechos ocurridos. Más aún con un tema tan delicado como el sobre abordado período de la Segunda Gran Guerra, favorito de la casa tanto en libros como en films.

Por lo tanto uno debe trasladarse al contexto de la época para recrearla analíticamente sin hacer paralelismos con la actualidad por mas similitudes coyunturales entre ambos. Es decir, comparar la situación actual del país con circunstancias similares que sucedieron en aquel entonces constituye una irresponsabilidad filosófica. Los contextos son distintos, hacer comparaciones proyectando el hoy a través del ayer es una interpretación irracional (Godwin's law anyone?). Toda historia verdadera es historia idealmente contemporánea porque sólo un interés de la vida presente puede mover a indagar un hecho pasado.



Donde sí se permiten las comparaciones es en el cine. Específicamente en la interpretación dramática utilizada por diversos Directores para "versionar" un hecho histórico. Digo versionar porque el tópico del complot del 20 de Julio de 1944 se ha abordado de distintas maneras en el pasado, desde la clásica The Night of the Generals (con Peter O'Toole y Omar Sharif) hasta recientes versiones alemanas que pueden cazar un día de estos en The History Channel (hagan el esfuerzo por un día sin ver realities en MTV). Tal es el caso que nos ocupa con el film más reciente de Bryan Singer, Valkyrie, que recrea los archiconocidos sucesos que rodearon el complot del 20 de Julio de 1944 para asesinar al Canciller Adolf Hitler. El film atrajo la atención desde su concepción, pero problemas de logística en la filmación la mantuvieron al margen de ser presentada a la fecha pautada (hace casi un año). Sin embargo la vimos ayer en función de "Jay Shermans" para el beneplácito de la crítica. Aunque no resultó ser el über thriller de suspenso y drama del fallido atentado contra Hitler como esperábamos, al menos pasó con signos vitales saludables para ser un buen film de la Segunda Guerra Mundial.

Una película sobre el clásico género pero en términos pasivos, ya que no hay elementos de acción heroica ni mensajes de propaganda nacionalista occidental como hemos visto en Saving Private Ryan. Mas bien una trama de diálogos y tensiones dramáticas tipo The Pianist de Roman Polanski sin la narrativa lineal de un único personaje central. A pesar que conozco bien los hechos históricos del complot -por parte de la rebelión interna dentro del staff del alto mando de Hitler- no pude evitar que la dirección de Singer y el guión adaptado de Christopher McQuarrie lograra tensión y suspenso de mi parte. Sin llegar a los climax emocionales de otros clásicos más complejos del género WWII como The Guns of Navarone y Where Eagles Dare, Valkyrie atrapa y suspende tu atención con un ritmo bien llevado y diálogos bien construidos. Súmenle una dirección artística y fotográfica de lujo de las escenografías de la Alemania Nazi y tienen un buen film para este puente.



Sin despreciar las actuaciones de un brillante elenco de grandes actores, que no siempre garantizan el éxito de un film (cuando hay muchas estrellas casi siempre ninguna brilla sobre la otra). Tomás La Cruz (Tom Cruise - Lions for Lambs, War of the Worlds, Collateral, The Last Samurai) domina al pelo su rol principal detrás de la figura del Coronel Claus von Stauffenberg; la pieza principal detrás del casi exitoso intento por derrocar internamente a Das Führer con su brillante plan de utilizar a la Operation Valkyrie* en su favor. No es su mejor papel, aún siguen Interview with the Vampire y Jerry Maguire como sus marcas de agua a superar. Lo acompañan los calibres de Kenneth Branagh (Hamlet, Othello, Dead Again), Tom Wilkinson (RocknRolla, Micheal Clayton, Batman Begins, The Exorcism of Emily Rose, Eternal Sunshine of the Spotless Mind), Bill Nighy (Notes on a Scandal, Pirates of the Caribbean, Underworld, The Constant Gardener), Thomas Kretschmann (Der Untergang, Wanted, The Pianist) y Terence Stamp (Wanted, Star Wars: Episode I - The Phantom Menace). Artillería pesada que sustentan el sólido guión y la soberbia dirección de Bryan Singer aunque no al nivel de su clásica The Usual Suspects.

Altamente recomendable como opción sólida para esta semana.

Film: McKay (★★★★☆)

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Barton "Lutsch' meine Eier"

[*] Operation Valkyrie (Operation Walküre) fue una operación militar para la reserva del Ejército Alemán Nazi (Wehrmacht Heer) con el fin de intervenir en el posible escenario del rompimiento de la ley y el orden por un ataque o golpe de estado. Fue personalmente aprobado por Adolf Hitler para protegerse de un levantamiento insurreccional contra su gobierno de la Nacional Socialista.

[Nota] Las valquirias son deidades femeninas menores que servían a Odín en la mitología escandinava. Su propósito era elegir a aquellos caídos en batalla y llevarlos al Valhalla (Fortaleza) donde se convertían en Einherjar (Guerreros Solitarios). Esto era necesario ya que Odín precisaba guerreros para que luchasen a su lado en la batalla del fin del mundo, el Ragnarök. La famosa pieza titulada La cabalgata "La Valquiria" es el tercer y último acto de "Die Walküre" perteneciente a las cuatro óperas del ciclo titulado "El Anillo del Nibelungo" (Der Ring des Nibelungen) de Richard Wagner. Wagner se inspiró en la mitología nórdica mencionada al escribir esta obra clásica.

P.D. Moro: Any more nit-picking wanker?

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La Espiral Descendente de una Relación



Así como las cosas materiales llegan a un punto en que agotan su vida útil al no dar más de sí, lo mismo pasa con las relaciones de pareja. Podrían llenarse páginas de relatos sobre el final de la unión entre un hombre y una mujer, así como líneas de pentagramas o película revelada. La diferencia está cuando se es testigo de esta situación. Es esta la sensación que busca Sam Mendes en su más reciente film, Revolutionary Road.

Basada en la novela del título homónimo de Richard Yates publicada en 1961 y en la misma tradición de novelas como The Man In The Gray Flannel Suit que buscaban desmitificar el ideario del sueño americano de la postguerra, se tiene en el film a Frank y April Wheeler, dos seres que al principio poseen aspiraciones, sueños de grandeza y libertad como individuos y como pareja, y que debido a la presión social del momento en que se ambienta el relato (mediados de los 50) son arrastrados a vivir una existencia en donde si al principio existió el amor, por el mismo factor de la convención terminan siendo poco más que seres disconformes, frustrados y con un profundo desencanto por la vida, en clara demostración de lo errado que es el concepto de la felicidad simbolizado en el matrimonio, hijos, casa en los suburbios, trabajo estable, oficio del hogar, y todo aquel ideario de la llamada felicidad de mitad del siglo XX. En fin, "El Sueño Americano".



En el caso de Sam Mendes no es la primera vez que abarca el tema del matrimonio y sus bemoles; ya su gran debut mundial que fue en el 2000 American Beauty era una muestra perfecta de la unión familiar y matrimonial venida a menos. La diferencia está en que la relación de Kevin Spacey y Annette Benning estaba plagada de humor negro y sátira realista; en esta oportunidad se decide por el drama en su mejor expresión. El tempo que le imprime al film es tan lapidario como el deterioro de la relación de los protagonistas, que hay pasajes en la película en que no hay música, solo dialogo, escenario y sonidos del ambiente; agregar música sería disminuir el entorno de infelicidad rutinaria de los protagonistas. Y en ese aspecto, Mendes consigue una narración fluida y natural que raya en lo profesional, con ligeros flashbacks para hacer que el espectador entienda como pasar de la felicidad al hastío y la triste banalidad.

Además de lo anterior, es destacable el cuido en el detalle que le imprime la dirección artística al recrear con precisión el ambiente suburbano de la Norteamérica previa a los convulsionados años 60. Y junto con ello, la edición mantiene –salvo en los momentos necesarios en ir hacia atrás– una linealidad indispensable para entender el final de la relación entre Frank y April. Del mismo modo, el guión sigue de cerca el tono pesimista y desesperanzado del libro, no como una moraleja, sino como una lección de cómo llevar adelante una unión de personas. La fotografía complementa a lo que la dirección artística alcanza, al lograr transmitir en la pantalla ese aspecto tipo anuncio publicitario de la época en que la felicidad es un bien consumible y sea sólo de afiche. La música se hace otra protagonista -cuando es necesario- para reflejar el estado de ánimo de los protagonistas, silenciándose cuando el ritmo del film lo necesita.



Esta película viene a ser la primera colaboración en 11 años desde la taquillera Titanic de Leonardo DiCaprio y Kate Winslet. Si en la superproducción de James Cameron era un amor joven destinado a no tener un final feliz, en esta ocasión sucede lo mismo, salvo que el amor lo llena todo al comienzo. DiCaprio hace aquí uno de sus mejores papeles como adulto en la figura de Frank Wheeler, un hombre con aspiraciones de grandeza y sueños que se ven frustrados por la necesidad y la norma de conducta del período, todo un rol para destacarse. Pero además, Kate Winslet es todo un portento de actuación al lograr hacer de su personaje de April Wheeler alguien similar a Frank, pero con más visión y más agallas, mismas que son extirpadas en medio de una vida estupidizante y patética.

Kathy Bates y Michael Easton hacen del matrimonio Givings el equivalente cinematográfico de los Mertz del clásico show de televisión de esa era, I Love Lucy, aunque sin el componente de farsa de Vivian Vance y William Frawley, sino como el epítome de los vecinos amistosos que esconden un secreto familiar. Michael Shannon en su papel de John Givings, hijo del matrimonio, viene a ser una suerte de válvula de escape para los Wheeler al ser el que logre ventilar los desencantos y frustraciones que llevan ambos. Kathryn Hahn y David Harbour hacen los roles de Milly y Shep, el matrimonio vecino y amigo de los protagonistas que simbolizan aquello que estos no quieren llegar a ser, pero que indefectiblemente terminan allí.

Revolutionary Road viene a ser un film duro; no difícil de ver, pero si deja un mal sabor en cuanto a observar como dos vidas se pierden en medio del hastío y la frustración. En cierto modo viene a ser una lección para no aceptar la convención y no dejar de lado la ambición y la felicidad, más aun si es compartida. Altamente recomendable.

Film: Willy McKay (★★★★★)

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Spaceman Spiff

"Love & Marriage, Love & Marriage, go together like a horse in carrige..." [nota del Ed. en Jefe S. B.]

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Barba Azul

Mas discos azules nos llegan a la redacción, de hecho a patadas, es demasiada la fiebre que si seguimos como vamos podríamos reemplazar la filmoteca de DVDs en dos años (hay cientos de DVDs por reemplazar, una tarea dura).

Si hablamos de reemplazar, empiezo con este título ya que el transfer a DVD nunca me pareció un buen trabajo (aunque dije que sólo iba a empezar por comprar BDs de títulos que no tengo ¿pero quien aguanta dos pedidas?).

Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl fue una sorpresa increíble, los films de piratas siempre han sido un chasco, desde Long John Silver's Return To Treasure Island (1941) hasta Cutthroat Island (1995). Por esa razón desestimé esta película en cartelera arrepintiéndome poco después cuando la alquilé, terminando por comprarla eventualmente. Es fenomenal. Es que no esperaba que siquiera con Johnny Depp el film pudiera mantenerse a flote (lo punitivo fue intencional). Más aun viniendo de las plastificadas producciones de Jerry Bruckheimer y basado en una atracción inaugural de Disneyland. Pero uno pone la torta prediciendo películas, igual me pasó con The Matrix y recientemente con Wanted. Lo triste es que la trilogía resultó ser una de las oportunidades más desperdiciadas de la industria.

Luego de la primera película, con un sólido guión, bueno efectos, diálogos de primera, actuaciones ejemplares, fotografía y dirección que van de la mano de una producción de lujo, ponen la cagada con dos secuelas que prefiero olvidar de lo ñames que resultaron (Pirates of The Caribbean: Dead Man's Chest (DVD) y Pirates of The Caribbean: At World's End. Es que para las siguientes películas echaron por la borda toda la espontaneidad y carisma que caracterizó a la primera. La segunda quizás pasable pero la tercera... ¡Buaj! un coleto. Aquí entró el factor "hacer dinero" a costa del éxito de la primera, donde quizás no esperaban que fuera tan bien recibida. Como bien recibido es el Blu-ray de Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl ya que dudo mucho que gaste mi dinero en las otras dos que no me gustaron mucho. Tengo trilogías a patadas en mi filmoteca (Indiana Jones, The Matrix, The Bourne Saga, The Lord of the Rings, Star Wars, The Godfather, etc.), a todas pienso reemplazar en BD en algún momento, excepto ésta.

El Blu-ray nos corresponde en este caso, y de pana que éste sí que es un transfer como Dios manda. De lujo, impecable, absolutamente fílmico y natural. Es como ver una copia recién revelada y virgen del film. Los gránulos naturales, el contraste al pelo, los tonos negros más intensos que haya visto en mi plasma en meses. Los colores saltan a la vista con esplendor saturado sin comprometer los tonos de piel naturales que, son tan variopintos, que forman una paleta poli étnica para comprobar si tu TV tiene las bolas para no arrugar. Ni un ápice de compresión, edge enhancement o noise reduction. Definitivamente un BD referencial. Las tomas panorámicas retienen todo el detalle lujurioso de las islas del caribe, casi tan real que te provoca lanzarte a la playa en la pantalla o beber ron cada vez que los personajes se echan un guamazo (bueno, tampoco hace falta ver caña en alta definición para incitarme a tomar curda).

El sonido es otra vaina arrecha, la pista uncompressed PCM a 48kHz/24bit es quizás la más intensa y dinámica que he escuchado. Aún después de haber visto cerca de medio centenar de BDs con audio sin comprimir, es el primer título que me hace dar cuenta qué tan distante del viejo Dolby Digital están las pistas de audio Uncompressed de los BDs. Comparándola con el DVD -que he visto hasta el cansancio- en la escena con los cañonazos iniciales en la primera aparición del Black Pearl, siempre se escuchaba el coñazo del cañón rompiendo el silencio de la noche, pero en el BD se escucha a distancia el silbido del cañonazo que se acerca, así de detallado es el audio sin comprimir de los BD que no sabíamos de los pequeños detalles que nos perdíamos con los venerables DD y DTS. Las frecuencias bajas en el canal .1 puso al subwoofer a expiar sus pecados con rosario en mano, porque de pana parecían sus últimos minutos. Tremendo, denso y con energía para poner a todo el cuarto a temblar (¿cómo será Master & Commander: The Far Side of the World en BD si el DVD suena criminal?)

Como extras otro Blu-ray trae la repetición copy-paste de los extras de la edición en DVD; con algunos documentales en HD y otros en standard definition que al parecer les dio flojera pasarlos a alta definición. Bueno, son los extras, uno los ve una vez y mas nunca. Altamente recomendable, disco referencial.

Film: Sir William McKay (★★★★★★)
Video: Sir William McKay (★★★★★★)
Extras: Sir William McKay (★★★★★★)
Audio: Sir William McKay (★★★★★★)


[BD: 2003. 143 min. 1-Disco. Zona A. Color ATSC (1080p). Anamorphic Widescreen 2.35:1, Inglés Uncompressed PCM 5.1 (48kHz/24bit) & Dolby Digital 5.1; Subt: Eng/Fra/Esp]



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Sir Barton

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La Otra Dimensión: La vida es una Quimera

Review: Resistance 2 (PS3) - Segundas partes no siempre suelen ser buenas, y por desgracia se aplica tanto en los video juegos como en el cine. Resistance: Fall of Man fue la punta de lanza de la consola PlayStation 3 en el 2006 dejando a todos boquiabiertos con las posibilidades del potencial de la consola. Historia, gráficos y jugabilidad que demostraron que la tercera generación de la consola de Sony venía arrecha y con todo.

Era natural esperar que la secuela de Resistance evolucionara al paso de los avances que se han logrado en la generación actual de consolas. En especial con lo que hemos experimentado durante estos dos años donde hemos visto juegos increíbles que han sobrepasado la marca que dejó Insomiac Games con la primera entrega de su saga exclusiva para el PS3. Es triste decirles que Resistance 2 decepciona aunque mantiene intactos los fundamentos claves que hicieron de esta saga una experiencia memorable. Similar a la decepción que fue Gears of War 2, que no mejoró en nada a su revolucionario antecesor siendo mas bien un expansion pack, R2 parece casi más de lo mismo desmejorando incluso en las áreas donde no hacía falta cambiarle nada y mejorando donde tampoco era necesario. Se puede mejorar sin cambiar, sólo vean a Call of Duty: World at War, retiene la esencia fundamental de la serie Call of Duty en todas las áreas (jugabilidad, diseño, tema, gráficos), pero mejorando en los detalles menores para enaltecer la experiencia. Es decir, se puede seguir siendo novedoso a la vez que familiar.

La jugabilidad de Resistance 2 pierde la tensión que encontramos en la primera entrega. Siendo tan fácil de jugar la campaña en solitario que minimiza el reto inherente en todo juego. Si no está roto, entonces no lo arregles.

Tema: Resistance 2 continua dos años después de los sucesos de Inglaterra en la ficticia 1951 donde no existió la segunda gran guerra. Si recuerdan la escena al final de los créditos del primer juego, es exactamente aquí donde retomas la trama. Dos años pasan en la que asciendes de Sargento a Teniente mientras el virus chimera cobra vida dentro de ti. Nathan Hale sigue siendo el súper humano que contiene la infección del virus quimera que amenaza con tomar al mundo en una invasión de escala épica, pero en este caso ya no está silente como portador, debe luchar para mantenerlo a raya. La trama, por mas continua que parezca del primer Resistance, se desvía de los planteamientos originales al sugerir que la raza chimera no es un virus fabricado por los rusos, sino una civilización extraterrestre más antigua que la propia humanidad. No esclarecen mas nada indicando que viene un Resistance 3 con las explicaciones, en especial por el sorpresivo e inconcluso final que te deja con las bolas frías. En esta oportunidad a Nathan Hale le está afectando el virus que antes utilizaba a su favor con habilidades regenerativas.

El escenario es en U.S.A., repartidos en New Orleans (el Mississippi), Chicago, San Francisco (y sus bosques), Idaho y el árido desierto americano con absoluta precisión geográfica tal como hicieron con las ciudades de Inglaterra en la precuela. La narrativa brilla por su ausencia, a diferencia de la primera parte donde la Teniente Parker hacía de narradora de los hechos ocurridos en Inglaterra y te pintaba un panorama muy fácil de asimilar de la trama. En este caso te corresponde hilvanar el guión recogiendo documentos a tu paso que perfilan el estado de los acontecimientos. Las explicaciones de algunos personajes en los cortes de escena (incluyendo a un chimera que parece un tumor flotante) y algunas anécdotas de un locutor de radio en Pensilvana, te ayudan a que mas o menos sepas qué carajo está pasando y cómo fue que los chimera se reprodujeron y diversificaron tan rápido para tomar norteamérica luego que casi los exterminaste en Europa.

El multiplayer es sin duda lo mejor que trajo R2, al incorporar novedosas modalidades de co-op que refrescan el género de los FPS en línea. Hasta 60 personas se miden en red sin sacrificar performance ¡increíble!

Jugabilidad: El gameplay es donde presento mis molestias en esta edición de la saga Resistance. En la primera entrega era súper tenso, hasta difícil jugarlo en la dificultad normal; ya que una barra dividida en cuatro representaba la vida de tu jugador (Hale), y las recuperabas con escasas botellitas amarillas (ver review), con checkpoints de salvado automático bien separados. En fin, marcaba tensión, cuidado y mucha precaución para avanzar y sobrevivir, coño era un reto. En esta oportunidad todo eso lo tiraron por el caño, cambiando radicalmente el gameplay al imitar el método de regeneración indefinida (sin necesidad de recargas de salud) de otros juegos de primera persona como el Call of Duty y el Battlefield: Bad Company. Con checkpoints casi que inmediatamente consecutivos que eliminan todo rastro de tensión y dificultad aún en el modo más difícil. Esto te obliga (o permite) que juegues sin cuidado, a lo Rambo, sin aplicar estrategias que venían de los niveles bien diseñados como en la primera entrega. Aquí el juego se siente asistido, demasiado lineal y muy fácil. Me tomó tres días terminarlo sin esfuerzo y en la dificultad más alta, no había emoción, sólo admirar los paisajes y las pequeñas mejoras en los gráficos. Como si fuera poco, en el primer Resistance podías tener un arsenal de armas a la vez como en Half-Life 2, aquí lo reducen a dos -como en los shooters modernos- obligándote a llevar el arma apropiada que casi siempre está en el piso en algún lado. ¿No dije que es medio asistido? Resistance pero con rueditas traseras de bicicleta.

Al menos se esmeraron en el gameplay de red, donde resaltan los modos cooperativo sobre los tradicionales competitivos. Al igual que en el primer Resistance, hay modos competitivos que en esta oportunidad se extienden de 45 a 60 jugadores sin sacrificar performance. Pero en el modo co-op las cosas van de lo novedoso a lo original. Hay campañas separadas de co-op de hasta 8 jugadores donde eliges entre tres clases, un médico, un artillero y un mercenario. Esto lo revisamos en detalle en el Preview que cubrimos en un post un mes antes de su lanzamiento. Lo interesante y triste es que el modo multiplayer fue lo único que sufrió mejoras radicales en esta edición de Resistance. Hay armas nuevas como una súper efectiva Mágnum .44 con balas explosivas, así como despedimos otras que habían en el primer Resistance que francamente no hacían ni cosquillas (la metralla de clavos, es a ti a quien estoy mirando). El AI no presenta mejoras, es igual de bueno que antes, el enemigo es muy hábil.

Hay mejoras en los gráficos pero no al nivel técnico que hemos visto alcanzar en otros títulos. Sin duda el esfuerzo se concentró en la introducción de nuevos Quimera que pudieran hacer un zoológico de bestias. Acompañando a los Quimera tradicionales, hay bestias nuevas que van desde lo acuático hasta de proporciones colosales.

Presentación: La presentación gráfica fue otra decepción, es el mismo motor gráfico del primer Resistance salvo ligeras mejoras en los polígonos y texturas. Sí, los quimera y el entorno tienen más texturas y más polígonos, pero no lo suficiente como para gritar de la emoción o colgarse de los árboles como Zeitan. En resumen no inmuta. Los mapas son enormes, mucho mas grandes en escala que en el primer juego. Con escenarios espeluznantes de lo espectacular en dimensión y proporción. Lo que sí se ve que le metieron cariño fue en diversificar las especies de quimera que van más allá de unos arácnidos, un grandulón y los soldados clásicos. Aquí hay de todo, bestias acuáticas, hasta un kraken, monstruos enormes bípedos con uno en Chicago que se asemeja al Cloverfield en tamaño y torpeza, inmenso. Otros con armas especiales con escudos que arremeten contra ti, quimeras recién convertidos que salen de capullos de manera ecléctica que intimidan en número más que en el daño que ocasionan (atrás quedaron los centros de conversión, ahora la metamorfosis es in situ en capullos). Incluso unos quimera camaleónicos que te sorprenderán al menos una vez con la guardia baja sin darte tiempo de reaccionar. Nuevos androides voladores blindados y naves ultra gigantes que surcan los cielos al menos ponen compleja la trama y gameplay que en líneas generales resulta lineal y sencillo. Ciertamente los gráficos de Resistance nos inmutaron al debut de la consola PlayStation 3, pero a dos años y docenas de títulos visualmente más avanzados tenemos que decir que se quedaron en el aparato. En especial después de ver los demos y cortes de KillZone 2 que promete subir la barra de presentación a nuevos niveles de medición.

Resistance 2 es sólo para quienes jugaron la primera parte, es apenas un expansion pack con modificaciones no deseadas al ya excelente gameplay de la primera entrega. Con un soberbio multiplayer que francamente debo decir que no me incita a dejar de jugar Call of Duty: World at War por mas innovaciones que presente. Es un capítulo mas de la saga y obligatorio para los que jugaron el primer juego. Absténganse quienes no tienen o jugaron el Resistance: Fall of Man porque no encontrarán a un shooter innovador, para eso esperen a final de mes cuando salga KillZone 2. Hasta la próxima criaturas de los gamepads, parásitos de consolas, donde regresaremos a La Otra Dimensión.

Jugabilidad: McKay (★★★★☆)
Presentación: McKay (★★★★☆)
Tema: McKay (★★★★☆)
Multiplayer: Willy McKay (★★★★★)

¿60$? Sí y sólo si jugaste el primero, pero no esperes que te impresione.

[PS3: 2008. 1-Disco (Blu-ray). Zona 1. Video HD: 720p. Sonido: Dolby Digital E 5.1, Jugadores: 1, Online: 2-8 (Co-Op)/2-60 (Competitivo); Espacio de Disco: 350MB, Dual-Shock Compatible, ESB Rating: M]



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Barton

P.D. Recibimos tres copias de Resistance 2, una para el Kaiser, otra mía y otra de Mervin, siendo una de ellas la edición de colección que trae una figura de un Chimera de 8", un libro tapa dura con el concept art (hermoso) y un Blu-ray adicional con los documentales detrás de cámara en full HD.

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Hell is from here to Eternity



Por mas fan de los comics que uno sea, es imposible seguir o tener muchos favoritos, menos aun tantas sagas y universos que requieren de atención casi exclusiva. Soy mas pro DC Comics que de cualquier otra casa, ahí está la Liga de la Justicia y los monarcas que sembraron el género en los años '30: Batman y Superman. Pero también tengo afección por la casa Marvel donde están mis favoritos the X-Men , junto con otros como Spiderman y Fantastic Four. Sin embargo casas independientes o de menor envergadura han asomado uno que otro personaje sobresaliente que terminaron por imprimir su huella dentro de la cultura. Convirtiéndose en iconos con muchos seguidores como Spawn -en el caso de Todd McFarlane por ejemplo. Pero muy pocos personajes recientes han cautivado mi atención como el personaje insigne de la casa Dark Horse Comics, el concepto original del artista Mike Mignola: HellBoy* -cuyo nombre verdadero es Anung Un Rama.**



Quizás le deba mi reciente admiración por HellBoy a la brillante adaptación de Guillermo Del Toro a la pantalla grande con el primer film, el cual vi tarde pero seguro lamentando no haberle puesto atención al comic original en el pasado. El segundo film, como saben, estuvimos pendientes de verla en cartelera que hasta le dedicamos un mes motiff en el Blog a este peculiar comic book hero. La decepción vino de parte de los distribuidores locales de mierda que la trajeron doblada al español, con sólo una sala allá en el puta que la proyectó subtitulada. Por fortuna el formato de cachifas y vigilantes no nos decepciona y BlockBuster la trajo en DVD para sacarnos la espinita. ¿Hasta cuando seguiremos bajo el yugo de las cadenas de cine local que atienden al gusto comercial -tuki- casi exclusivamente sin considerar a todo tipo de público? RockNRolla duró una semana en cartelera pero Madagascar 2 lleva diez semanas desde Diciembre (doblada al mexica, por lo que tampoco la vimos). Buej..., al menos nos queda la sala Trasnocho del Centro Cultural Paseo, si es que no la cierran como hicieron con el Ateneo.



Ya todos conocen a HellBoy y su división secreta Bureau for Paranormal Research and Defense, donde combaten lo oculto, demonialmente paranormal y supra-natural. Venido de una dimensión infernal, quedó bajo la tutela del profesor Trevor Bruttenholm (John Hurt) quien lo crió para el bien por más innatos que sean sus instintos y su apariencia demonial. Es eso lo que hace a HellBoy un personaje interesante y carismático, su personalidad humana y su comportamiento infantil. Que con su equipo de anti-héroes logran hacer un combo nunca antes visto desde los X-Men. Absolutamente original con ligeras influencias de otros es la serie HellBoy, y nadie mejor de Guillermo Del Toro para materializarla en la pantalla grande. Llegué incluso a pensar que Del Toro no pudo repetir, menos superar, el éxito de su primer film debido a que no tuvo mucha promoción ni atención el pasado año. A juzgar por el trato que le dieron en cartelera, casi aposté a ello. Qué equivocado estaba, no sólo HellBoy II: The Golden Army supera a la primera, sino que es una producción extraordinaria que uno se pregunta por qué no figuró el año pasado como adaptación comic. ¿La respuesta? aquí y aquí. Marvel Comics y DC Comics, los dos gigantes del medio comic, acapararon el 99.9% de todo con sus monstruosas y excelentes Iron Man y The Dark Knight respectivamente.



No obstante, HellBoy II: The Golden Army prevalece como un tremendo film de culto geek para los que sabemos apreciar una buena producción y adaptación comic de la mano de uno de los mejores Directores de data reciente. El film continúa casi donde el otro terminó, con el equipo del B.P.R.D. luchando contra lo paranormal con el gobierno tapando todo con leyendas urbanas. En este caso es el Ejército Dorado quien pone la amenaza latente en lugar de Rasputin de la primera película. Monstruos, efectos y escenografías de lujo esperan por ti en esta fantasiosa adaptación de comic book. Hay que aplaudir a Ron Perlman que no sólo necesita poco maquillaje para hacer a HellBoy (el hijueputa se parece hasta sin maquillaje), sino que recrea todo el carisma, personalidad y gestos infantiles que hace del personaje completamente suyo. Igual a Doug Jones (Laberinto de Fauno) como Abe Sapien (el anfibio), a la tierna Selma Blair como Liz Sherman (la novia pirokinética de HB) y al profesor Johann Krauss (en voz de Seth MacFarlane). La escenografía y efectos de primera línea, recomiendo quedarse en los extras y detrás de cámara del DVD para que sigan a Guillermo Del Toro en un tour por los sets y la producción de este film, en verdad es meticuloso y esmerado. Sin duda el Hobbit está en buenas manos con Del Toro.

El DVD se ve bien, no referencial pero apenas para pasar aceptablemente, lástima, porque tantos elementos visuales necesitan de un transfer de altura, casi HD como el del film que criticamos ayer. Un poco suave aunque en resolución aunque perfecto en contraste y saturación de color. Sin embargo el sonido en su pista Dolby Digital retumba y recrea atmósferas convincentes que reclaman toda la atención por encima de las imágenes. Altamente recomendable y de una la pongo en mi lista para los próximos Blu-rays.

Film: Willy McKay; Video: McKay; Sonido: Willy McKay

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Sir Barton

[*] HellBoy fue originalmente "pichada" a DC Comics por Mignola pero la directiva lo rechazó por el tema del Infierno. Mignola encontró hogar en Dark Horse Comics donde ha tenido un éxito rotundo. HellBoy es UNICO comic book hero moderno que ha tenido éxito desde Spawn. De resto todos son clásicos que son contemporáneos con las infancias de nuestros padres e incluso abuelos. Mignola ha admitido haberse inspirado en los cuentos de Edgar Allan Poe y H. P. Lovecraft para conceptualizar el universo paranormal del comic HellBoy.

[**] La Bestia del Apocalipsis.

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Con trampita se tripea mas...



Hablar del Dr. Jorgito Clooney es hablar de uno de los artistas más completos en Hollywood -polifacéticamente hablando- desde Clint Eastwood. Muchos actores se han dado la tarea de iniciarse como Directores que pocas veces o casi nunca repiten al éxito obtenido frente a las cámaras. Como dijimos, Clint Eastwood siendo de los pocos que se han probado -quizás- más como Director que como actor constituye un ejemplo poco común dentro de la industria del cine. George Clooney (Good Night and Good Luck, Syriana, Micheal Clayton, Burn After Reading) siendo el ejemplo más reciente donde un artista domina un balanceado éxito atendiendo la actuación y la dirección por igual, demostrando un potencial que hay que seguir con detenimiento. Sólo le falta cantar para ser el Sinatra contemporáneo. Sin embargo, no todos los esfuerzos como Director resultan exitosos sin un argumento sólido que acompañe el despliegue técnico de las habilidades como Director. Tal es el caso de Leatherheads, el más reciente film de Clooney que, sin ser una mala película, fracasa en su intento por mostrarse como una comedia romántica (como odio ese término casposo), por mas arrecha que sea la dirección.



Leatherheads no pretende ser un film que determina las artes escénicas como su prima donna Good Night and Good Luck que le dio todos los laureles y lo puso en la mirada crítica que hoy goza como Director. Pero tampoco refleja que aquel excelente film fue un "one hit wonder". Leatherheads es quizás un ensayo de Clooney para diversificarse sin que lo encasillen como Director de dramas al presentar una comedia romántica aunque el resultado final fue más trivial que indeleble. De nuevo, sus dotes artísticos detrás de la técnica como fotógrafo relucen demostrando que no es ningún amateur, o hace años que dejó de serlo. Leatherheads posee una de las fotografías más impresionantes con el acabado ambiental de los años de la depresión más exactos que he visto en mucho tiempo. En sí, supera a la atmósfera simplista pero bien hecha del mismo período en la excelente y sorpresiva The Greatest Game Ever Played (de otro actor que debuta como Director: Bill Paxton). Pero el guión flojo y las actuaciones de sit-com mancharon lo que pudo ser una buena película con efectos memorables como el film de Paxton.

Como sinopsis, Leatherheads plantea una situación ficticia en los anales del florecimiento del Football Americano en los tiempos de la gran depresión de 1929. Tiempos en que el deporte era mal visto, con repudiada reputación en el campo profesional, donde sólo se le consideraba como deporte de Universidades prestigiosas. Para finales de la década de los '20 sólo el Golf y el Béisbol gozaban de prestigio profesional y soporte financiero para atraer masas. El Football profesional estaba en crisis de extinguirse debido a que la depresión obligó a muchos de sus jugadores y dueños de equipos a trabajar para sustentarse. Clooney aprovecha un escándalo social que involucra a un ex-jugador Universitario exitoso, un oportunista financiero y una reportera sin ética para promover y rescatar a un deporte en vísperas de retiro (y su propio retiro). Encontrándose en medio de una transición donde el Football Profesional no sería visto como actividad del proletariado, adquiriendo el prestigio que goza en las Universidades importantes, implementando una serie de reglas que acabaría con las informalidades que daba la chispa al deporte de la vieja escuela: La Trampa. A decir verdad, como guión y película, The Greatest Game Ever Played la supera sin quedarse muy atrás en dirección para darle mérito justo a Paxton.



El guión no funciona, la dirección sí. Las actuaciones por otra parte tampoco dan ni frío ni calor, con Clooney haciendo de las veces de un Danny Ocean para ser un jugador de football de segunda en años avanzados con un gusto por la bebida y los bares de coñazas. La que nunca me termina de gustar porque la veo mas falsa Zeitan con Diccionario, Renée Zellweger, actúa exactamente igual que en todas sus insulsas películas (el Diario de la Puta Jones con el acento inglés mas chimbo que Zeitan oyendo Vico C). Al menos hay soporte con grandes calibres como Jonathan Pryce (Ronin, Pirates of the Caribbean, Brazil) que complementa la actuación de Clooney y del chamo de la serie The Office (gringa) John Krasinski, que aquí demostró que tiene madera para actuar. El DVD sin embargo es una referencia en imagen, tanto que me sorprende lo bien que siguen saliendo estos discos que no se rinden por su gran calidad de definición, como que no son tan de cachifas y vigilantes ¿verdad? ¿El sonido? ahí-ahí.

Pasable pero no memorable, para alquilar o ver en cable.

Film: Pasta; Video: Sir William McKay; Sonido: Pasta

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Sir Barton

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"Me love you long time"

Revisando nuestro nuevos Blu-rays con el Cerdo en su Home Theater (para variar del mío), discutíamos sobre cuál era nuestro film favorito de guerra, específicamente en la categoría de Vietnam. Sí infelices, nos encanta TANTO este género que tenemos que seleccionar una película favorita de una campaña en particular. Es que son tantos los que nos gustan que no podemos decidirnos por uno solamente.

En cuando al período de la impopular guerra de Vietnam, son tantos films que se han hecho que resulta difícil. Coincidimos que el mejor en este caso es Platoon de Oliver Stone por ser la mas precisa y cruda en el contexto real de como fue la campaña asiática. Estando otros que enternecen nuestros corazones, como para mi Apocalypse Now (DVD y Review) que, siendo más lenta y con menos acción, es la que psicológicamente captura mejor la realidad personal que fue esta guerra. En especial que -en mi opinión- el film de Francis Ford Coppola recrea con mayor precisión la atmósfera periódica trasladándote en el tiempo con absoluta suspensión de la realidad. Sin embargo, muchos fueron los films que mencionamos que se han destacado en nuestro criterio y que fueron considerados en nuestra elección del mejor film de Vietnam: Apocalypse Now (de Francis Ford Coppola), Casualties of War (de Brian De Palma), The Deer Hunter (de Michael Cimino), Born in the Fourth of July (de Oliver Stone), When We Were Soldiers (esta es la única que no he visto pero ya el Cerdo me puso al tanto que le ronca, la tengo pendiente), etc. No es casualidad que los mejores films de guerra tienen a un gran Director tras la cámara ¿se dieron cuenta?

Aunque Platoon fue la favorita definitiva "bar none", consideramos que la postulación visionaria del genio indiscutible de Stanley Kubrick ocupa un lugar especial por su singular óptica (momentos "Jack Torrance" anyone?). Es que cualquier género que Kubrick adopte bajo su particular forma de hacer -excelente- cine deja huella en todos los espectadores. Si así fue su forma de abordar el tema de Vietnam, no imagino cómo hubiese sido su versión de la Segunda Gran Guerra como de hecho llegó a planificar y que sólo quedó en pre-producción*. Full Metal Jacket fue el resultado de su interés en este tema y que de no ser por el arrase crítico de Platoon un año antes, quizás hubiera ocupado los mismos honores. Pero ya saben como es el público, quemas un género en la mente colectiva y difícilmente logras recautivarlos con una repetición casi que inmediatamente. Es como The Chronicles of Narnia, podrán ser muy buenas (a mi no me gustan), pero después de haber quedado visual y dramáticamente violados por The Lord of the Rings Trilogy de Peter Jackson resulta difícil sentir estímulo por otra saga "yo también" de mitología literaria.



Full Metal Jacket hace como The Deer Hunter. Presenta el tema de Vietnam en dos actos, uno en Norteamérica y el otro en Vietnam. A diferencia de films como Platoon y Apocalypse Now que sumergen al espectador en Vietnam desde el abrir de los créditos. FMJ explora la psicología y superficialidad aparente de la guerra de Vietnam sin entrar en moralismos extremos como en Casualties of War o la crudeza confesa como en Platoon. Aunque no igual, FMJ se parece a Born in the Fourth of July por la mirada cultural y psicológica de los personajes a lo largo de su trayectoria por la campaña bélica. No obstante, FMJ pareciera más corta de lo que debiera quizás porque es somera y efímera en tratar de cubrir casi todos los aspectos resaltantes en dos horas de duración (¿ahora saben por qué Coppola hizo la versión Redux de Apocalypse Now?). Sin embargo Kubrick puede pintar una obra de sentido épico en un lienzo del tamaño de la palma de tu mano. Es por esto que FMJ se queda en ti como uno de los mejores films de guerra de Vietnam de todos los tiempos. ¿Cómo olvidar a R. Lee Ermey** como el insoportable Sargento Hartman? Marca de culto que estigmatizó y estereotipó al sargento de entrenamiento como el gritón que humilla, insulta y degrada la humanidad de cualquiera. Lo hemos visto copiar al cansancio hasta hoy en films como Jarhead, que es la copia al carbón de Full Metal Jacket pero con la primera campaña del Golfo Pérsico.

El Blu-ray es un manjar para tu Home Theater, pero MOSCA, existen dos ediciones del BD de FMJ, el primero sufrió de las consecuencias de un mastering mediocre y apurado que conserva la carátula del DVD, atroz. El segundo es la recién remasterizada y restaurada edición especial que tiene una carátula que no se parece al afiche original del film. Pero su imagen y sonido recibieron el trato justo para una película de esta talla. Para mi fue una revelación. Kubrick, quien fuera pionero en adoptar el formato Widescreen en sus inicios en los '60, misteriosamente prefirió usar Full Screen (4:3) en sus films de parte de los '70 y los '80. FMJ fue uno de sus tantos films en formato cuadrado de pantalla por lo que fue una sorpresa ver a FMJ en Widescreen 16:9 -¡por primera vez!- después de años de haberla visto en el aspecto original que el Director quiso (¡hasta en el cine se proyectó así!).

Honestamente les confieso que se disfruta mejor así por más que Kubrick se retuerza en su tumba. En el LCD Panasonic del Home Theater del Cerdo resultó un festín para los ojos. Combinado con un transfer inmaculado que no contiene un rastro de sucio, ni acentuación artificial, ni reducción de ruido, nada. Sólo un poco de ruido en las escenas oscuras pero que representan el gránulo natural de la velocidad del film usado para esas escenas. La resolución es perfecta, puedes verle las rayas en el cañón al M14 sin close-ups; el contraste tan perfecto que resalta detalles en las sombras demostrando la maestría fotográfica del Director Kubrick (hoy día corrigen sus fallas de fotografía con computadoras cuando hacen color timing). Los colores al pelo, con la saturación natural que se refleja en los tonos de piel que siempre están de acuerdo al clima en que se encuentran.

El sonido, para ser un film tan viejo, es sorpresivamente fabuloso. El Cerdo no tiene para escuchar al pista PCM sin comprimir en su procesador surround, así que nos conformamos por escuchar la dinámica, densa y atmosférica pista Dolby Digital 5.1 (a 640kbps, el Dolby Digital en el BD usa el doble de la tasa que en el DVD). Que resultó satisfactoria y complementaria a la increíble imagen referencial que estábamos viendo. Pequeños detalles y defectos en la pista de audio como diálogos disparejos por las limitaciones de ADR de entonces le quitaron una puntuación perfecta, pero se entiende. Full Metal Jacket es especial y ocupa un lugar sin clasificación por su particular óptica del género que se distanció del montón. Con este BD referencial podemos decir que se hizo justicia y honor a la obra clásica del genial maestro del cine: Stanley Kubrick. Altamente recomendable.

Film: Sir William McKay (★★★★★★)
Video: Sir William McKay (★★★★★★)
Extras: Mancao (★★☆☆☆)
Audio: McKay (★★★★☆)


[BD: 1987. 117 min. 1-Disco. Zona A. Color ATSC (1080p). Anamorphic Widescreen 1.85:1, Uncompressed PCM 5.1 & Dolby Digital 5.1; Subt: Eng/Fra/Esp/Ita/Chi/Kor]



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Sir Barton "SIR, YES SIR!"

[*] Mamapipes, para que sepan que Kubrick, después de ver como Platoon se le adelantó por un año a Full Metal Jacket, no quiso repetir la experiencia cuando salió The Schindler's List, para entonces estaba en pre-producción de un film sobre el holocausto que terminó por cancelar al admitir que "el film de Spielberg resultó mucho mejor que el que tenía planificado" (esto está evidenciado en un documental de Jon Ronson titulado "Las Cajas de Kubrick" que hicieran para la BBC de Londres y la Universidad de las Artes de Londres hace un de año).

[**] ¿Sabía Ud. que R. Lee Ermey fue aun auténtico oficial de los Marines con rango de Sargento Instructor de Artillería? ¿y que Ermey fue el Supervisor Militar para el film Apocalypse Now de Coppola, lo que desató su interés por la actuación? A pesar de continuar con una exitosa carrera como actor, Ermey aún disfruta de su afición por los artilugios militares en su programa de History Channel "Mail Call", donde contesta correos de aficionados a las armas además de darles un tour por lo nuevo e interesante del campo militar, su historia, tácticas y armamento actual. Ermey ha trabajado en otros films de alto calibre como Mississippi Burning, Dead Man Walking, Se7en, Leaving Las Vegas y hacer voces en animaciones como Toy Story, Bob Esponja, Invasor Zim y Los Simpsos (en los cuales ha reencarnado su rol del Sargento Mandón). Nada mal para haberse retirado prematuramente del Ejército por baja médica luego de quedar herido en combate durante su servicio por Vietnam (fuente: Biografía de Ermey en su página personal e IMDB).

Fe de errata: Al pana Moro le agradecemos la acotación que A Thin Red Line de Terrence Malick no trata de Vietnam sino de la Segunda Gran Guerra, lo que me confundió al relacionarla con los demás films fue el recuerdo de las aldeas de asiaticos que destruyen los americanos en la isla del pacífico (Guadalcanal), muy parecido a la de los vietnamitas. Casi siempre relacionamos a la Segunda Guerra Mundial con Europa que se nos olvida que ésta también tuvo escenarios y enemigos asiáticos por la campaña del pacífico contra Japón (como de hecho jugamos en el más reciente Call of Duty: World at War). Gracias al fiel ruraltejano por la acotación y chúpame las bolas que sí sabemos de cine mequetrefe, esa película -ATRL- no la he visto en 10 años y sólo la vi una vez.

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República Metallica #42: Lo mejor de 2008 (II)



Bien, bróderes, sin mucho preámbulo pasemos a la segunda parte de nuestra lista de lo mejor de 2008 en música. Como les comentamos en la Parte I, a continuación veremos nuestra selección en audiovisuales, conciertos, noticias y, como siempre, algunos discos coleados de ñapita, así como un preview de lo que se nos viene encima en 2009.

DVD/BD

  • Bloodbath - The Wacken Carnage (DVD): Definitivamente estos carajos se “soltaron el moño” en 2008 y nos dieron hasta por el cielo de la boca. El hasta hace poco único concierto de la banda en 2005 es recogido en este DVD de lujo, que se ve y se oye absolutamente brutal. Lo increíble es que no se trata de sonidos e imágenes ultra-producidas y perfectas, sino la justa medida entre calidad y crudeza, tal como un DVD de death metal debe sonar. Las guitarras cortan el aire y la voz de Akerfeldt mete miedo, pero lo mejor es la batería, parece que te va a reventar el pecho.

  • Foo Fighters - Live At Wembley Stadium (BD): Este lanzamiento nos llegó en Blu-ray Disc y, definitivamente, confirmó lo que ya en Rural Tex veníamos diciendo desde hace tiempo: es hora de que el venerable DVD se retire. Éste es el formato del futuro. La calidad de la imagen en alta definición lo deja a uno sin aliento, y el audio es sencillamente magistral. Nunca antes la experiencia real de un concierto había parecido tan cercana. Sumado al hecho de que se trata de una de las mejores bandas de los últimos tiempos.

  • Rush - Snakes & Arrows Live (BD): Este disco también nos llegó en Blu-ray, precedido de excelentes críticas por parte de los medios especializados. Y ciertamente estuvo a la altura. Una de las bandas más importantes de la música (y al mismo tiempo una de las más subestimadas) se tira un conciertazo digno de la estatura cuasi mítica de sus miembros (Neil Peart anyone?), y una vez más el formato permite una reproducción acojonante. Contiene mucho material del último disco homónimo, así como unos cuantos clásicos inesperados y el infaltable solo de batería. De lujo.

  • Get Thrashed: The Story of Thrash Metal (DVD): Últimamente la documentación seria del heavy metal ha adquirido un auge interesante. Sin embargo, nadie había hecho lo propio con el thrash, uno de los subgéneros más importantes y seminales de la música extrema contemporánea. En este excelente documental, aunque hay poca música, abundan las entrevistas y testimonios de los principales protagonistas de la movida. Lo más interesante son los cuentos de cómo al principio estos panas (muchos de los cuales son hoy súper estrellas) eran parte de una única y selecta comunidad.

  • Lamb of God - Walk with Me in Hell (DVD): Una de las favoritas de este espacio, Lamb of God es quizás la banda más importante de la ola contemporánea de metal americano. Y en este video, sin llegar a los niveles de excelencia del Killadelphia, siguen demostrando que la clave del éxito es tocar cabilla pura y dura, sin descanso ni resentimiento. Además, como se trata de una mezcla de documental y extractos de conciertos, muestran que su ética metalera trasciende la música y se extiende a la vida cotidiana de sus miembros.


  • Concierto del año: Carcass
    Como ya mencionáramos en nuestra respectiva reseña, es prácticamente imposible hacerle entender al que no estuvo allí lo especial que fue este toque. Una banda que nunca pensamos que tendríamos la oportunidad de ver, vino, vio y castigó. Pero es que fue tan pero tan arrecho el concierto, que aún truncado por nuestra siempre amada y respetada PM, comodamente se llevó los por cachos al conciertazo de Megadeth, con todo y la estatura de esos dioses del thrash.

    Noticia del año: la venida de Iron fucking Maiden
    En nuestro review de lo mejor de 2007 mencionábamos la no venida de Maiden como la decepción del año. Hoy, a poco más de un año de ese post, nos complace decir que la providencia –y los comegatos que fueron a amenazarles con incendiarles el edificio– iluminaron el entendimiento de los panas de Evenpro y este año sí se decidieron a traerlos a Venezuela. Las entradas se venden como pan caliente desde el primer día, así que no nos cabe duda de que el 5 de marzo será declarado día de fiesta metalera nacional.

    Los Coleaos
    Varias conversas con los panas, motivadas por la primera parte de este artículo, me llevaron a hacer una revisión exhaustiva de otros lanzamientos importantes de 2008 que, si bien no entraron en la lista de los 10 mejores discos del año, no obstante fueron importantes producciones a considerar. Como por ejemplo:

  • Satyricon - The Age of Nero (CD): Este disco me tiene loco. No me gusta el black metal, pero esto es otro nivel. Impelable. Próximamente review completo.

  • Esoteric - The Maniacal Vale (CD): ¡Esta vaina es horrible… Pero cautivante! Funeral doom atormentado, pesimista y asfixiante. Un yunque en el pecho.

  • Moss - Sub Templum (CD): Peor que Esoteric, porque es más horrible, más lento, más primitivo y además pareciera grabado ciertamente debajo de un templo antiguo.

  • Tankard - Thirst (CD): Thrash alemán clásico, tan fresco hoy como hace 20 años.

  • Coffins - Buried Death (CD): Death metal primitivo, puro Repulsión reencarnado. Ah, y son japoneses.

  • Unleashed - Hammer Battalion/Dismember - Dismember/Grave - Dominion VIII (CD): Esta trifecta demuestra que el death metal sueco sigue más vivo que nunca, de la mano de tres de los cuatro grandes del genero.

  • Amon Amarth - Twilight of the Thunder God (CD): Esta horda vikinga del death metal sigue empeñada en conquistar el mundo, y lo está logrando.

  • Testament - The Formation of Damnation (CD): Sin llegar a la altura de sus clásicos, éste disco es lo mejor de Testament en más de 15 años.

  • The Haunted - Versus (CD): Los herederos del trono del death metal melódico sueco no tienen miedo de probar los límites de su género. Interesante.

  • Guns n' Roses - Chinese Democracy (CD): Aunque es más Illusion que Appetite, el disquito se deja colar sin que uno se dé cuenta.




  • Y lo que viene...
    A estas alturas, algunas de las cosas “por venir” ya han salido, pero a nosotros todavía no nos han llegado, como es el caso de lo nuevo de Kreator, que sin embargo anda rodando por los caminos verdes pirateros desde noviembre, y realmente es un palo. También hay que estar atentos al esperadísimo nuevo álbum de Morbid Angel. Algunas de las otras bandas de quienes esperamos discos de estudio este año (y que nos tienen salivando ya) son: Mastodon, Porcupine Tree, Isis, Slayer, Lamb of God y Napalm Death. El futuro del metal luce ciertamente promisorio en 2009, pero con que sea apenas la mitad de lo bueno que fue 2008, ya habremos salido caballo blanco.

    Nos vemos la próxima semana bañados en sangre.

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    ¡¡¡Uuuuuurrrrrrrrrrgggggggghhhhhhhh!!!

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    La Otra Dimensión: The Return of the King

    Review: Call of Duty: World at War (PS3/X360) - Call of Duty fue el juego que definió el género de los shooters en primera persona y podría continuar siéndolo sólo si se dan dos factores: a) KillZone 2 no lo serrucha cuando salga y b) Infinity Ward hace las cosas bien con el eventual CoD 5 a finales de año. Mientras, podemos decir con propiedad que con Call of Duty: World at War mantiene la hegemonía como el líder indiscutible de los FPS con otra gema para la historia.

    Continuando con la misma filosofía perfectamente balanceada de juego, CoD: WaW repite y mejora donde quedó el rey de los shooters del año pasado, su antecesor Call of Duty 4: Modern Warfare. ¿Para qué reparar lo que no está dañado verdad? Pero el que no arriesga no gana, y a ganar se propuso Treyarch (la otra casa que tiene los derechos de la franquicia), que se arriesgó en volver a lo básico y clásico que caracterizó a la saga desde sus inicios: La Segunda Guerra Mundial. Muchos arrugaron la cara porque se repitiera el motiff (o el tema) que se viene desgastando con tantos juegos "yo también" que se basan en la segunda gran guerra (Brothers in Arms, Medal of Honor, Zzzz...). En especial después la frescura que le inyectó Infinity Ward con CoD 4:MW al modernizar de serie. Pero no obstante, loro viejo sí aprende a hablar porque aplaudimos a CoD: WaW siendo "otro shooter mas de La Segunda Guerra Mundial" que rejuvenece al género dormido. Sin ser más de lo mismo, ¿qué tanto jugo se le puede sacar al tema sin repetirse? Eso nos preguntamos, por lo cual el Elemento Porcino, el Kaiser y sho nos hicimos de sus respectivas versiones del juego para darle una vuelta.

    La tutela del Camarada Reznov es inspiradora que te llena de motivos para seguir en la carrera por derrocar el Tercer Reich. Te levanta y hasta te instruye las finas artes del sniping, si tan sólo mi padre fuera como él.

    Tema: Similar al CoD 4:MW, Call of Duty: World at War (No es Call of Duty 5 como muchos lo mal llaman) pica la trama en dos secciones que se intercalan a medida que avanzas en la campaña en solitario. Haciendo de soldados distintos en dos campañas históricamente paralelas y dentro del mismo contexto aliado hacia el final de la segunda guerra: la caída de eje del mal en el año 1945. Prácticamente barriendo al enemigo en su momento de decadencia. Por un lado eres el norteamericano Pvt. Miller que, bajo el comando del Sgt. Roebuck (interpretado por nada menos que Kiefer Sutherland*), surca por las islas del pacífico para hacer retroceder el ejército Nipón en su último intento por extender la guerra. Por el otro lado eres el Camarada Dimitri Petrenko, que bajo la tutela inspiradora y motivante del Sgt. Reznov (interpretado por Gary Oldman, puro cartel mamapipes), se hacen paso por las últimas barreras de Berlín para consolidar la caída del Tercer Reich... The Downfall. Ambas campañas basadas en batallas y hechos históricos con la participación ficticia y omnisciente de nuestros héroes virtuales. Muy variada, dinámica y entretenida es cada una de estas campañas haciendo otra sólida historia que no sirve de excusa para simplemente "ir por todos lados planchando fluxes". Se nota que usan buenos guionistas, coño, si contratan actores clase-A de Hollywood para las voces, hay pega de sobra para los que escriben los guiones, es lógico y hasta justo.

    El Sargento Roebuck es la definición de Tipo Serio, no come cuento de formarte un peo y sacarte coraje para que te pongas pila y cumplas la misión. Mentores como él ganan batallas, forman héroes y hacen historia.

    Jugabilidad: Sin sorpresas porque es el mismo motor de juego del CoD 4:MW. Por lo que si te resulta natural el gameplay del clásico CoD 4, te será análogo como agarrar una bicicleta o ponerte esos viejos 501s que tanta pela han llevado. Con ligeras mejoras donde el CoD 4 se quedó corto, en especial en el multiplayer donde se corrigen algunos elementos. Como Perks adicionales (las preferencias y personalizaciones de tu soldado), la incorporación brillante y sin costuras de vehículos como tanques dentro de los Team Deathmatches, puntos por repeler ataques combo (como los perros en este caso) y la mejor de todas, la adición del modo co-op en el multiplayer on-line. El gameplay es idéntico al CoD 4: sólo cargas dos armas, unos perks (en el caso multiplayer), utilizas o recoges armamentos del suelo, unas cuantas granadas, minas y artefactos, listo. En el multiplayer se repite pero con las mejoras mencionadas arriba, un perk adicional para los vehículos y cambios en los combos de ataque cuando llevas seguidilla en los combates en red. Por ejemplo, en lugar de ataque aéreo se suplanta por morteros y artillería, en lugar del helicóptero (un anacronismo para la época) se usan perros, los cuales puedes matar con puntos a tu favor a diferencia del helicóptero del CoD 4 que tumbabas de gratis. El co-op es muy singular y del carajo, tiene tantos modos que pareciera que compraste un juego 4-en-1 y sólo me refiero al co-op. Hay co-op para recorrer las misiones de la campaña en solitario en los siguientes modos: arcade, competitivo y colaborador, con una última opción reservada para quienes culminaron la campaña en solitario: Nazi Zombies. Brillante nivel para jugar con varios panas en red, donde el objetivo es sobrevivir a un ataque de zombies nazis en un bunker con limitados recursos, el trabajo en equipo es crucial y el gameplay... superb! Por supuesto no obviaron el modo multiplayer split-screen o pantalla dividida para quienes quieren jugar uno a uno (hasta 4) en la misma consola.

    La estocada final al Imperio Nazi se le debe a los rusos, y con el ejército rojo protagonizas una hazaña histórica en compañía del Camarada Reznov hasta el corazón de Berlín para terminar con el mal en Europa.

    Presentación: La presentación es masca-clavos. De nuevo usando el motor de CoD 4 que no tenemos que repetirles los elogios que lanzamos en su respectivo review, sólo que aquí lo pulieron para darle una atmósfera sombría a los últimos días de la segunda gran guerra. Absolutamente de primera, los gráficos siguen siendo casi fotográficos con el uso más artístico de los vertex shaders que haya visto (hasta que vi el Demo de KillZone 2, ¡Ay ay ay Maracay!). Pocas mejoras al motor original del CoD 4 están aquí y allá como un mejor uso del humo, perspectiva de las sombras, rendering de las distancias y del agua, dejen que les toque jugar en una playa del pacífico. También mejoras en la animación facial, recuerdo la impresión del Cerdo cuando abre la primera escena de la campaña en solitario y un oficial japonés aparece en primer plano y en close-up; en la pantalla HD del Cerdo fue una revelación que el motor gráfico venía envenenado. Como veneno hermoso que no estaba pulido en el viejo CoD 4 es el fuego, tan bien quedó en esta edición que añadieron un arma que hará cosquillas en tu vena piromaniaca: un lanzallamas para que te vuelvas majaretas quemando a los ancestros de Tukulo Sakayama y Misobako Yanosuda. Las explosiones igual de miamorrr que siempre. Seguimos sin ver ambientes destructibles y dinámicos como hemos visto en motores gráficos de data reciente como el Frostbite usado en el Battlefield: Bad Company (brillante y referencial de paso), quizás veamos esta presentación añadida en el inevitable Call of Duty 5 que seguro estará cementado en nuestros PS3 para final de año, al menos en las consolas del Cerdo y yo.

    El fuego es más protagónico que ilustrativo dentro de la campaña por el pacífico y la Europa Oriental. Con el rendering más realista del fuego que he visto en años, candela pura, el lanzallamas es un jamón.

    Call of Duty: World at War no revoluciona ni evoluciona donde su edición anterior dejó cicatrices indelebles en la historia de los shooters (acabando con los viejos monarcas como Counter Strike y Unreal). Pero ciertamente es una mirada fresca y rejuvenecedora al género que nos tenía las pelotas acatarradas, el tema de la segunda gran guerra. Si te cansaron tantas ediciones de Call of Duty en esa categoría histórica, no desestimes a esta edición sólo porque tus dedos se habituaron a la acción moderna que introdujo Call of Duty 4. Hasta el Cerdo, renuente en principio, le dio una probada justa que lo convenció de archivar el CoD 4 hasta que la nostalgia le pique el culo. Igual yo. Por lo tanto, les recomiendo con fuerza que revisen esta edición de Call of Duty con un giro distinto a la segunda guerra mundial, pero con el gameplay y los gráficos del CoD 4. Que continua el legado reinante de la franquicia con bases sólidas y pronósticos indefinidos. Eso si no es que el KillZone 2 comete golpe de estado y derroca al Rey contemporáneo de los FPS... Estén pendientes que en Marzo sale el review de KillZone 2 y sabremos si hay diamantes en Diamantoli. Nos vemos en el Campo del Honor™ mequetrefes.

    Jugab: Sir William McKay (★★★★★★)
    Tema: Sir William McKay (★★★★★★)
    Present: Sir William McKay (★★★★★★)
    Multi: Sir William McKay (★★★★★★)

    ¿60$?: ¡De Bolas!

    [PS3: 2008. 1-Disco (Blu-ray). Zona 1. Video HD: 720p/1080p. Sonido: Dolby Digital E 5.1, Jugadores: 1-4, Online: 2-18; Espacio de Disco: 60MB, Dual-Shock Compatible; ESB Rating: M]



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    Private Barton

    [*] Sutherland recibió el premio de mejor actuación vocal en la entrega de los Video Game Awards 2008 este pasado mes de Noviembre donde dijo que fue un reto actuar para un video juego como si fuera un film. En su papel dentro del Call of Duty: World at War recitó cerca de 1600 líneas de diálogo. El que diga que los video juegos no son serios es un sapo. Más reviews de juegos criminales están por venir sabandijas, estén pendientes que es puro lomito.

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