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Rural Tex es un estúpido sitio web de reseñas y noticias de videojuegos y cine popular. Combatiendo el mal gusto desde 2005 (nos está costando bastante) Influenciados por nuestra cultura nerd-geek de Comic Books & Video Games. Periodismo Gonzo de tercera en este Colosal Desperdicio de Ancho de Banda

ÚLTIMAS RESEÑAS

Las últimas reseñas de videojuegos y cine. También a veces música, Apple o audio (a veces). Rural Tex™ no apoya la piratería, todo medio que aquí se revisa es adquirido legal y estrictamente original.


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CALIFICAMOS ASÍ

Nuestra escala para calificar las reseñas del uno al cinco (estrellas). Con el Sir William McKay reservado sólo a la excelencia.

  • Sir William McKay: Aleph One
  • Willy McKay: ¡Non-Plus-Ultra!
  • McKay: Muy bueno, peeero...
  • Pasta: Ta' bien... ta' bien.
  • Mancao: No nos inmuta.
  • Ñame: ¡Que nos devuelvan el tiempo y dinero que perdimos en revisar esta grandísima porqueria! Epic FAIL!
WEB-ONADAS

Lectura: No Girls Allowed? I'm not your fucking shield!. Una opinión sobre el sonado caso del #gamergate desde la perspectiva analítica del Editor en Jefe. –Bartolomeo

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Dáselo a la Noche



En el año 1984 la que para entonces era la mejor banda de rock del mundo, decide disolverse entre discordias, malos entendidos y demás males propios que generan la fama, la adulación y los excesos. La banda era The Police.

Sting, en su carácter de frontman y voz principal del grupo, toma la decisión de colaborar en otros proyectos, entre ellos los que involucran a Amnistía Internacional y su serie de conciertos The Secret Policeman's Other Ball y al proyecto de Bob Geldof para la lucha contra el hambre en África de nombre Band Aid y el single Do They Know It's Christmas?

Al mismo tiempo que trabaja en estos encargos, empieza a desarrollar lo que sería su primer trabajo como solista. Antes de integrar las filas de The Police, Sting había hecho música inspirada en el jazz rock con marcada influencia de agrupaciones como Return To Forever y Weather Report. Es bajo este marco de hecho que por puro azar, recluta a los músicos que conformarían su banda con la peculiaridad de que todos eran de raza negra.

Los que pasaron la prueba eran: Kenny Kirkland, ex tecladista de Wynton Marsalis, Dizzy Gillespie y Elivin Jones; Omar Hakim, ex baterista de Weather Report; Darryl Jones, bajista de la banda de Miles Davis; Branford Marsalis, saxofonista de la banda familiar de su hermano Wynton y su padre Ellis, además de tocar para los ya mencionados Dizzy Gillespie y Miles Davis, Art Blakey y Clark Terry; las cantantes Janice Pendarvis (quien trabajó junto a Philip Glass, Laurie Anderson, Roberta Flack Y Peter Tosh) y Dolette McDonald (corista para The Police, Talking Heads y Laurie Anderson).

Ante semejante constelación de superestrellas, Sting se arriesga a sacar en 1985 un disco diferente para el momento en donde el Glam Metal inundaba las radios del mundo, el post punk era la norma en Inglaterra y el pop en todas sus manifestaciones marcaba el ritmo en la juventud. El disco en cuestión era The Dream Of The Blue Turtles, y contra todo pronóstico se convierte en un batacazo de la mano de hits como If You Love Somebody Set Them Free, Love Is The Seventh Wave, Down So Long y finalmente, Russians.

Debido a ello, Sting, su manager Miles Copeland –hermano del ex baterista de The Police Stewart- y su casa disquera A&M Records deciden lanzar una gira mundial dedicada al disco.

Previo a ello, Sting formó parte del cartel del concierto Live Aid del 13 de julio de ese año y en donde cantó varias de las canciones del disco, al igual que dio conciertos en la ciudad de París el 29 de mayo de 1985, concretamente en el Théâtre Mogador en el que sería su primer concierto como solista. Es este concierto y los días previos al mismo llenos de ensayos, sesiones fotográficas y maternidad, lo que registra el director Michael Apted en el documental Bring On The Night y que reseñaremos aquí por partida doble. ¿Por qué doble? Porque además de tener el DVD de la película, tenemos en nuestras manos el doble CD que ya habíamos liquidado hasta el límite de lo físico en su versión cassette (¿se acuerdan de esos rectángulos que grababan hasta un tope de 120 minutos por dos lados?).

El contenido del DVD, como se mencionó en el párrafo anterior, está lleno de entrevistas a los diferentes miembros de la banda, así como a Sting, quien citó como razón de peso para permitir que las cámaras grabaran todo el que siempre que se han hecho filmes sobre rock, versan sobre dos escenarios: uno, bandas que están en la cima (caso de The Song Remains The Same de Led Zeppelin); o bandas que se separan (caso de Let It Be de The Beatles), pero no se muestra cuando una banda se está formando. Y es esto lo que el Director Apted logró con maestría en su momento al reflejar lo curioso, lo musical, las complicaciones del proceso creador, además de la maternidad (durante el primer concierto nace su segundo hijo Jake y el primero que tiene con la para entonces su novia, Trudie Styler).

La transferencia que hizo A&M Records del film del '85 es de tal calidad, que quizás no será referencial, pero está próximo a ello al llevarlo a video anamórfico en widescreen, como también remasterizar el sonido en 5.1 Surround en Dolby Digital y DTS. Como dato adicional, este DVD fue transferido a 1080/24p HD, por los que los afortunados que en el futuro tengan HDTV podrán ver hasta los poros de la cara de Sting [si se llega a editar en Blu-Ray Disc o HD-DVD, nota del Ed. en Jefe]. Los matices de la ciudad de París y sus afueras se captan en contrastes de luz y sombras que son característicos de la Europa continental en primavera. El enfoque que hace Apted de su film es tal que se adelanta en años a lo que el Real TV bastardiza hasta el asco. Además del film también se incluyen como extras el trailer original, una galería de fotos, las promociones de radio de la época y los video clips de las canciones Russians, If You Love Somebody Set Them Free, y el tema que le da nombre al proyecto. Sólo que el sonido en vivo es de tal magnitud que las célebres palabras: es como estar en el concierto, están más que justificadas y aplicadas aquí.

Música: Willy McKay (★★★★★)
Video: Willy McKay (★★★★★)
Extras: Pasta (★★★☆☆)
Sonido: Willy McKay (★★★★★)

[DVD - A&M Films: 1985. 97 min. 1-Disco. Zona 0. Color NTSC. Anamorphic Widescreen 1.85:1, Inglés Dolby Digital/DTS 5.1, Subt: n/a Material Adicional: Fullscreen y Stereo]


Pero no conformes con la película, también adquirimos el CD, el cual fue remasterizado digitalmente en 1998, a un precio que lleva a la risa al igual que nos pasó antes con el de The Cure que reseñamos en este espacio la pasada semana. A diferencia del film, el cual se concentró en el primer concierto, el CD abarca tanto este como la gira que realizó por toda Europa al final de ese año y que abarcó de nuevo París, así como Roma y Arnhem.

Así mismo, el contenido musical difiere del que aparece en cuanto a la duración de las canciones, en donde están en su totalidad, así como otras que no están en el film en su versión en vivo, cual es la dupla One World (Not Three)/Love Is The Seventh Wave.

Vale decir que de nuevo el apelativo de que es como estar en el concierto, es absolutamente cierto. Además el CD contiene como bono el video clip de Love Is The Seventh Wave, un poco como para que cada quien pueda ir armando piano-piano una antología de videos de Sting en una clara estrategia comercial. No sería malo que se lanzara una antología de video clips de Gordon Sumner para tenerlos todos.

En definitiva, este Bring On The Night en versión doble (CD y DVD) es suficiente como para lanzarse en una buena sesión de jazz rock, lleno de hits con los que uno creció, y para admirarse con los talentos que poblaron este proyecto*, y que demuestra la integridad artística que ha hecho de Sting un artista que –citando un slogan publicitario de computadoras– piensa diferente.

Si lo trae la noche está bien, y si lo trae Sting, mucho mejor.

Música: Willy McKay (★★★★★)
Sonido: Willy McKay (★★★★★)

[CD (doble) - 83 min. 1986. A&M Records]


 


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Spaceman Spiff

[*] In memoriam de Kenny Kirkland

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Unsterblicher Komponist

Cambiando la nota reciente... bueno, y que reciente, de algunos discos de Jazz y Rock que hemos adquirido, uno a veces se siente seducido por las bondades de la música clásica. Más aún la del maestro Ludvig Van Beethoven. Es que en lo particular, aunque trato de ser variado en la música clásica, no puedo ocultar mi inclinación casi parcializada hacia Herr Musicaldirektor de Austria. Su estilo marcó una revolución dentro del romanticismo de la música clásica para hacer la transición del período Barroco polifónico hacia el moderno. El maestro con su virtuosismo le imprimió fuerza y temple a sus composiciones, dándoles la energía que carecían las adormecidas composiciones de otros grandes que no mencionaré para no ofenderlos... o a sus seguidores. Pero al final Beethoven es el pionero, punto.

En ese sentido de parcialización es que encuentras sólo un par de Tchaikovsky aquí, un Mozart allá, un Mendelssohn aquí y un Vivaldi allá, pero docenas de Beethoven (hasta repetidos) en mi escasa colección de música clásica. Y es por eso que en mi última visita al stand de Super Audio CD (formato preferido por los sellos clásicos, por alguna razón), encontré tres magníficos plásticos que recogen a tres virtuosos que han dedicado la mayor parte de su carrera a seguir el legado del maestro Beethoven. Me refiero a dos pianistas virtuosos y una violinista de perfección: Freddy Kempf, Viktoria Mullova y Ronald Brautigam (ver fotos abajo).

Todos estos discos están en el extraordinario formato Super Audio CD de alta definición. Suenan increíbles. Pero empecemos por la música antes de concentrarnos en sus bondades de grabación. El más básico es el de Brautigam, porque son las sonatas de Beethoven en forte-piano, que es un piano más pequeño que el convencional pero sin llegar a ser un clavicordio por lo que no debemos confundirlo. El forte-piano es un piano pequeño, de sonido seco, cuyas teclas se encuentran recubiertas de cuero para diferenciar su sonido del piano tradicional. El clavicordio para contraste no golpea las cuerdas con un martillo, las pulsa como si fueran las cuerdas de una guitarra, el forte-piano sí las martilla. El forte-piano es un instrumento agresivo y muy dinámico, un pianito para entrarle a coñazos, de lo contrario no obtendrás todo su potencial armónico. Este en particular fue el instrumento favorito del maestro Beethoven, por lo que Brautigam utiliza uno de la época del maestro -un Walther & Sohn de 1802- para reproducir sus Sonatas.

Las Sonatas del maestro en este caso son un extracto de su selección completa (esta es apenas la primera parte de una larga colección que abarca todos sus trabajos de Sonatas para piano). Las Nº 8, 9, 10 y 11 donde se encuentra su famoso movimiento "Pathetique" y uno de mis favoritos por su pasión enérgica y directa, a diferencia de su emblemática sonata "Moonlight" cuyas melodías son más aplacibles. Y Brautigam es el ideal para coñacear al forte-piano como lo hacía el maestro mismo. ¿Será porque estaba sordo que le metía esa pela al pobre pianito? Si es así ese impedimento pudo ser la clave para su estilo fortissimo. Suena arrechisimo. Las vibraciones casi distorsionantes, pero armoniosamente musicales, del pianito se sienten en la habitación gracias a la altísima resolución del Super Audio CD y la extraordinaria grabación de los armónicos reverberantes para usarlos como información de los parlantes traseros. Es por lo anterior que sabes que este SACD es multicanal, en 5.0 sin subwoofer, pero no hace falta, el forte-piano no llega tan bajo, si acaso. Es un SACD híbrido por lo que lo puedes reproducir en tu CD Player corriente pero limitado a la resolución del CD. Una joya digna para todos.

[SACD: Híbrido. 2004 - 70 min. BIS. DSD Surround 5.0/DSD Stereo/PCM CD Layer]

Música: Willy McKay (★★★★★); Sonido: Sir William McKay (★★★★★★)

Donde sí hay un piano de los tradicionales, los que son tan grandes que sirven se ataúdes o pequeños botes en caso de una subida del río, es en este excelente SACD de tríos para piano de Beethoven. El virtuosso en este caso es el joven pero ultra reconocidísimo Freddy Kempf, acompañado por Pierre Bensaid en el Violín y Alexander Chaushian en el Cello. La conjunción es majestuosa y lo mismo para la grabación.

El empalme de estos tres es un triunvirato melódico tan intenso que no te deja momentos de reflexión salvo por breves pasajes de solos y protagonismos individuales. Las obras del maestro son el Piano Trío Opus 1 Nº 3 en sus cuatro movimientos y el Trío para Piano "Archiduque" Opus 97, igual en sus cuatro movimientos. Es de saber que el estilo de Kempf difiere del estilo intenso de Brautigam, pero no le quita méritos a su virtuosa ejecución donde saca a relucir su veloz habilidad con los dedos. Apenas pueden con él sus acompañantes en las cuerdas. El sonido es una vaina cagante, de nuevo, sólo el SACD puede captar tanta energía dinámica a la vez que no discrimina los detalles pianísimos de los instrumentos ni en los momentos de caída. También es un SACD multicanal en 5.0 que conserva el formato de usar los tres parlantes frontales para ubicar a cada músico (no exclusivamente uno por corneta, eso sería ridículo y artificialmente aislante) y las surround para las reverberaciones y retardos de los instrumentos cuando el sonido rebota de segundo orden de las superficies cercanas. Excelente concierto de piano para trío, muy dinámico y lleno de armonía. Altamente recomendable.

[SACD: Híbrido. 2004 - 72 min. BIS. DSD Surround 5.0/DSD Stereo/PCM CD Layer]

Música: Willy McKay (★★★★★); Sonido: Willy McKay (★★★★★)

Viktoria Mullova por el contrario se pone un poco democrática. No dedica todo su álbum de conciertos de Violín al maestro Ludvig, una mitad se la dedica al concierto para violín de Mendelssohn Opus 64. Pero la primera mitad, y la razón de mi parte a adquirirlo, fue por el concierto para violín de Beethoven Opus 61 donde se encuentra el movimiento "Rondo", si el famosísimo. Acompañada de la Orquesta Revolucionaria y Romántica con la conducción de John Eliot Gardiner para complementar las piezas que necesitan apoyo para la primera violinista, en especial para la pieza "Rondo".

Mullova destaca y sobresale con su virtuosismo enérgico y seductor con las cuerdas. No se deja opacar por la orquesta dando a relucir todo su esplendor que se refuerza con la composición original de Beethoven. Como no conozco nada de Mendelssohn, el concierto de violín “extra” en el disco es nuevo para mi, pero bastante agradable si se toma en cuenta que la caraja le pone el mismo mundo que el anterior. Le agarraré cariño con el tiempo. El Super Audio CD suena del carajo, cada nota, melodía, etc., y el sonido del violín se percibe en la habitación como si ella estuviera ahí, sólo que cuando la orquesta la acompaña, un poco de saturación y estridencia se deja colar por la gente que hizo la grabación. Sin que ello desmerite el acabado general del sonido por supuesto, sólo que faltó cuidado para captar todo el complejo conjunto del ensamble para que se entendiera mejor durante los pasajes fuertes. El surround es 4.1, no hay canal central, pero sí subwoofer sí hay.

[SACD: Híbrido. 2003 - 68 min. Philips. DSD Surround 4.1/DSD Stereo/PCM CD Layer]

Música: Willy McKay (★★★★★); Sonido: McKay (★★★★☆)

Tremendos discos de musica clásica, lo bueno que es son SACD híbridos por lo que no es limitante no poseer un SACD Player para disfrutar de tan excelente música. Revísenlos si les da nota la onda clásica con seriedad de vez en cuando. Bienfor.




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Sir Barton

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Una oferta que no pude rehusar

Hablar de The Godfather es hablar de historia, de cultura de cine. Es el epítome de la consagración del séptimo arte como... arte. Es la finura de transmitir emociones y sentimientos tan sólo con el uso de la correcta fotografía, impecable producción y extraordinaria dramatización.

Es el film -o los films- por el cual las películas y dramas televisivos de mafia italiana (como no italiana) se miden y evalúan. Sin que ningún otro se le acerque, por muy buenos que sean, The Godfather se mantiene como "El Padrino" de todos los films dramáticos de mafia por su dirección, actuación, niveles de producción y maestría dramática en la pluma de Mario Puzo, con la adaptación del Sr. Coppola de guionista.

Esto no se va a convertir en una reseña de los films. Sería ridículo repetirlo a estas alturas donde gozan del status de clásico de culto, ya que es una leyenda y una obra maestra inmortal sin posibilidad de ser reevaluadas. No. Como dice Spiff "las obras maestras no tienen clasificación (...) los clásicos se disfrutan" Amen. Pues esto sucede con la obra magna de Francis Ford Coppola, que no sólo lo consagró como un Director de reservas y respeto, sino también al séquito de actores que conformaron el trabuco amateur de entonces y cartel de ahora: Al Pacino, Robert DeNiro, James Caan, John Casale, Robert Duval, Bruno Kirby, Dominic Chianese, Andy García, Talia Shire, Diane Keaton, las primeras figuras de Lee Strasberg, Eli Wallach y el in-mor-tal (arrodíllense infieles) Marlon Brando.

"Ahora vienes ante mí"
El objetivo de este review se concentra en el DVD-set que contiene la trilogía completa en un estuche tipo libro. Editado en el 2001 luego de una minuciosa restauración de parte del mismo Coppola para rescatarlas del olvido del mercado del video casero. Una renovación de sus votos en el mercado digital de la era del Home Theater. Y menos mal, porque en los días del Beta y VHS era simplemente un sacrilegio ver estos films en formato fullscreen de televisión. Para empezar, Coppola demuestra su nostalgia de los LaserDiscs al hacer que los discos se comporten como tal. El film comienza al introducir el disco al reproductor, nada de menús ni extras, sólo el film. Que ocupa bastante espacio -todo el disco- para permitir una generosa compresión del MPEG-2, que en consecuencia no deja rastros de compresión alguna. Así ocurre en los tres films, salvo la Parte II que requiere 2 discos por razones de su extrema longevidad. Un quinto disco se reserva el lujo de contener todos los extras con la historia detrás de esta clásica obra maestra.

"No me preguntes sobre mi negocio"
Los extras son un deleite para el fanático del cine y de la saga de la Familia Corleone. Tiene casi todos los documentales que se han hecho, recorriendo la etapa conceptual entre Coppola y Puzo, hasta la reunificación de todo el elenco para la conclusión en la Parte III. Con detalles históricos, llenos de anécdotas y tensiones con los estudios Paramount Pictures cuando Coppola no tenía la firmeza y el respeto que goza hoy. Hay de todo, como las pruebas de cámara con Robert DeNiro, Martin Sheen y el mismo James Caan para hacer de Michael; el drama y dilema de conseguir a Brando para el papel de Vito ante la oposición de los estudios; el nepotismo de la familia Coppola que está en todos los ámbitos de la producción; y docenas, sí, docenas de escenas excluidas entre las dos primeras partes que harían una película por si solas, con unas excelentes y otras un poco redundantes. Aparte de Fotos, Storyboards y Biografías.



"Se que fuiste tú... me rompiste el corazón"
La imagen reluce en su mejor condición posible, ya que fueron sujetas a un proceso de restauración de los negativos y una remasterización del transfer a video (incluyendo la banda sonora que se llevo a 5.1 status). Aunque no pasaron por un proceso tan cuidadoso e impecable como el de Lowry Digital (usado en Star Wars, Indiana Jones, Casablanca, Citizen Kane y las James Bond de Sir Sean Connery), conserva lo mejor del acabado original con un mínimo de residuos y daños al negativo matriz. El contraste es marcado con escasos detalles de las sombras, pero quizás fue la intención del director porque Coppola supervisó todo el proceso de remasterizado. El sonido por otra parte se presenta sorpresivamente bien para ser una pista surround que origina de una monoaural, convincente, clara en los diálogos, sin distorsión y con buen rango dinámico dentro de las limitaciones de los sistemas de audio de cine de la época.

"Cuando creía que estaba fuera, me vuelven a halar hacia adentro"
The Godfather es cultura de buen cine, es clase y escuela. Es un film que debe de estar en tu colección de películas para ver una y otra vez como debe ser. Con una oferta tan atractiva como esta, ¿quién se puede rehusar? Muchos extras, muy buena restauración y extraordinario transfer remasterizado -para la edad que tienen las cintas- hace de este combo DVD un must-have a juro y porque si, para acompañar la serie The Sopranos, los dramas mafiosos de Scorsese y las de crimen épicas de Michael Mann.

Films: Pt I: Sir William McKay; Pt II: Sir William McKay; Pt III: McKay

Video: (todos) McKay; Sonido: (todos) Willy McKay

[DVD - Respect. Pt I/II/III: 1972/1974/1990. 130 min/200 min/170 min. 5-Discos. Zona 1. Color NTSC. Anamorphic Widescreen 1.85:1, Inglés Dolby Digital 5.1, Subt: Eng/Fra]



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Don Bartolo

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Memento Strikes Back



¡Primicia ruraltejana para mis Demóstenes cinéfilos! Vimos The Bourne Ultimatum en función especial y les traemos el review en vísperas de su estreno en Octubre, naturalmente, se trata de nosotros, por favor. ¿Cómo resultó la conclusión de la saga de Robert Ludlum y que se basan en sus libros somera y superficialmente? Pues Tri-Willy McKay mequetrefes y creo adelantarme al veredicto por ser fan de la serie. Ultimatum entrega, satisface y deja un agrio sabor a conclusión que define una de las trilogías más concisas y homogéneas desde El Señor de los Anillos. Ultimatum se mantuvo sólidamente en constante Crescendo & Sostenuto con cada continuación, a diferencia de las trilogías de The Matrix y Pirates of the Caribbean; donde la primera comenzó brillantemente filosófica para que sus secuelas la dejaran rodar colina abajo y la segunda arrancó sorpresiva y espontáneamente divertida para que las siguientes la soltaran en caída libre.

Con una continuidad impecable como si los tres films se hubieran producido simultáneamente -como de hecho sucede en las otras trilogías apuradas- la Saga divide a Jason Bourne en tres etapas básicas de su integridad humana: Identity fue la neo génesis de su conciencia al buscar razón dentro del confuso estado amnésico que sufre; Supremacy consolida su posición neutral dentro de su búsqueda por encontrar la verdad al dejar claro que no volverá a ser el de antes y Ultimatum cierra el libro, no sólo voltea la página. Esta entrega final es quizás la más ambiciosa al tratar de explicar su origen y rellenar los vacíos mentales dejados por las pasadas cintas.



Ultimatum repite a Paul Greengrass detrás del lente para mantener la homogeneidad en la producción y honrar la memoria del desaparecido Ludlum. Greengrass continua con la metodología de dirigir al espectador en tercera persona. Pero que lo involucra activamente dentro de la acción con el uso de su técnica de cámara en mano dinámica (aplaudida y criticada por igual). Técnica que puede ser desesperante en algunas escenas de combate mano a mano, que intensifican las proximidades entre la acción y el espectador con mucha tensión. Con esta dramática dirección, Ultimatum se empalma con Supremacy al retomar las acciones casi en el segundo siguiente en que termina ésta última.

La cinta es bastante rápida al haber pocos momentos de explicaciones, expedientes y revelaciones que quedaron más que expuestos en las precuelas. Aquí lo que hay es plomo, carrera y coñazos. Coñazos que recibe todo el mundo, incluso el anti-héroe-villano de Bourne. Aquí el fugitivo ex-agente/mercenario de la CIA continúa demostrando su temple, su humanidad, sus mecanizados movimientos y su calculada mente ágil como lo hemos visto desde siempre. Sólo que a diferencia de antes se muestra con cansancio y convicción de terminar de una buena vez con el problema que lo hizo ser como es, aunque la verdad sobre su pasado le resulte difícil de asimilar.



Matt Damon (The Bourne Identity/Supremacy, The Departed, Syriana, Saving Private Ryan) vuelve a inmutarnos como Bourne, directo, sin emociones, con mucha humanidad y dando señales de estabilidad desde que se encontró con amnesia en la primera cinta. Con Joan Allen (Pleasantville, Face/Off) en el rol de la consternada sub-directora de la CIA, que se preocupa más por las apariencias arrojadas por el caso desde que entró en el peo en la entrega pasada, brillante como siempre esta señora. Pero los "nuevos" de David Strathairn (Good Night & Good Luck, L.A. Confidential, The Memphis Belle), Albert Finney (Erin Brockovich, Big Fish) y Scott Glenn (Training Day, Vertical Limit, The Silence of the Lambs, The Right Stuff, Apocalypse Now) entran en escena como los villanos de turno de las altas esferas de Langley, Virginia (CIA), para asumir las riendas del desorden y tomar responsabilidades como los autores intelectuales del proyecto de los mercenarios clandestinos. No hay debilidad alguna por parte de las actuaciones, todas de primera.

Hay decepciones -personales- que en nada afecta al guión, la dirección, las actuaciones, ni tampoco el ritmo del film, pero que me hicieron sentir defraudado de alguna manera. Como la participación dramática de nuestro Edgar Ramírez que sólo dice una línea en todo el film, pero que compensa con su carácter presencial al servir de Némesis a Bourne como su homólogo adversario. Aparte, la casi ignorancia de Chris Cooper (Conklin) y Brian Cox (Abbott) como los corruptos directivos de la CIA dentro del rollo de Threadstone, sabiendo que su participación en el proyecto y en la vida de Jason Bourne fue clave desde el comienzo. Como de hecho hicieron con Franka Potente al recordar a Marie en la atormentada memoria de Bourne. Pero sí le dieron atención a Julia Styles (Nicky) que, aunque forma parte de la trilogía desde el principio, poco aporta a la trama y el núcleo de la historia. Fuera de esto el film es sólido, dinámico, conciso y definitivo. Arrojando respuestas a la vez que deja preguntas. Confirmando que se puede hacer cine de calidad, presupuesto modesto y sin efectos digitales; donde un sólido guión, un excelente reparto y una producción cuidadosa es todo lo que se necesita para un entretenimiento inteligente. Absolutamente recomendable como uno de los mejores y esperados films del año.

Film: Willy McKay (★★★★★)

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Sir Barton

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Spy vs. Spy



Otro film que quería ver era esta nueva adaptación sobre los hechos verídicos de quizás el escándalo de espionaje más grande de los Estados Unidos. Para los que no conocen el caso, durante 20 años Robert Hanssen estuvo vendiéndole secretos de la CIA y seguridad militar norteamericana a los Soviéticos de la pre y post guerra fría (incluso luego de la caída de la Unión Socialista Soviética en 1991).

Hanssen fue un brillante y elusivo agente de la CIA que aprovechó los momentos de flaqueza de ambos gobiernos para lucrarse con mas de 1.4 millones de verdes y diamantes. Actuando de doble agente, hacía y deshacía a su antojo con la información crucial de las estrategias y tecnología militar de la nación, ya que él mismo estuvo a cargo de estructurar sus defensas y seguridad. Letrado en computación y en las artes del espionaje, parecía no haber forma de atraparlo ya que él siempre estaba un paso adelante de quienes levantaron una ceja respecto a su comportamiento.



Comportamiento que por demás ocultaba a un maniático sexual debajo del velo de un católico practicante ejemplar, con impecable record dentro de la congregación más abjecta y conservadora del Opus Dei. Sigiloso, furtivo y discreto. Parecía indetectable. Hasta la llegada de un novato agente (Eric O'Neill), que fue puesto a su servicio para espiarlo bajo la supervisión de una unidad especial encargado de investigarlo, no fue que las actividades de Robert Hanssen llegaron a su fin.

Ya había visto el documental en History Channel y me pareció fascinante, por lo que una película donde se recrea al pelo todos los acontecimientos verídicos del caso me resultó muy atractiva. Más aún si en el papel de Hanssen tenemos al excelente primer actor americano Chris Cooper (The Bourne Identity, Syriana, Seabiscut, Jarhead), a quien ya hemos visto en roles similares aunque de corte ficticio. Por parte del agente O'Neill estuvo el no menos talentoso Ryan Phillippe (Flags of our Fathers, Gosford Park), que en este caso, y a diferencia de Flags of our Fathers, estuvo bien seleccionado para el casting como el ingenuo y confundido agente (ambos actores presentan un semblante fisonómico muy cercano a los autores reales). En el soporte tuvimos a un Dennis Haysbert repitiendo rol de agente gubernamental, pero con la ayuda de la mami Laura Linney (The Exorcism of Emily Rose, Kinsey, Absolute Power) que ya ha demostrado tener los minerales para cualquier reto dramático, aparte que es un jamón sin importar los años que pasan.



El film es lento, pero de buen ritmo. Nada de acción con elementos tipo Bourne/Bond que, aunque no proyecta la complejidad de un guión de espionaje como la excelente Spy Games, conserva su realismo documental sin perder la tensión ni el suspenso. Que sólo obtienes visualmente en un par de escenas que recrean sucesos tal como ocurrieron a pesar de las situaciones forzadas. Pero que en esencia debes construir -el suspenso- analizando el intrigante y psicológico diálogo entre los actores que hace el film en su totalidad. Es una cinta fuerte en diálogos, así que aparte de no quitarle atención no esperen un surround de referencia lleno de efectos distractores.

El DVD es referencial, posee muchas imágenes oscuras que dan la impresión de una depresiva Washington que pierde sus valores en medio de las sucias acciones del espionaje. Los colores son captadas con minucioso detalle. En especial los detalles de las sombras, los corredores semi-monocromáticos de la CIA, la melancolía de las iglesias cavernosas en medio del invierno, manteniendo los tonos de piel precisos entre los colores lavados del entorno. Resolución, uniformidad, colores y contraste, un disco de referencia. El sonido es semi-monoaural debido a la fuerte concentración de diálogos y la ocasional ayuda de los demás parlantes para recrear atmósfera, pero en general es un film de canal central mayormente, nada para brincar de la emoción. Altamente recomendable si te gustan los drama/documentales de pensar.

Film: McKay; Video: Willy McKay; Sonido: Mancao



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Sir Barton

Spy vs. Spy comic strip es propiedad de MAD Magazine y ©Copyright Antonio Prohías.

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Cine Continuado




"Yo me como dos mondongos y tú, cochino frito"
La cordura, la moral, el limite entre el deseo y las normas establecidas dentro del decoro. Seamos francos, existe una glandula que aún la ciencia no ha descubierto, pero que todos saben que está ahí. La glándula que te enciende el morbo del ataque de queso. Que segrega una sustancia similar a la adrenalina, pero que nubla todo raciocinio y te lleva a cometer toda clase de actos lascivos cuando el queso pincha la emoción. El queso manda, el queso gobierna. La cultura del sexo, el morbo... sólo piensan en esas cosas.

El film, Notes on a Scandal es un buen ejemplo de ello. No es una tragicomedia de lo moral vs. lo indecente. Realmente muestra la otra cara que la mayoría no ve cuando explota un escándalo sexual. Que en este caso es el de una maestra que se encuentra en la crisis de la edad media; que fue una punketa de los días de Johnny Rotten y que le picó el culo por un tiernito de secundaria que le cayó mas duro que Katrina a Nueva Orleans. ¿Cuál es el peo? dirán ustedes, que se planchen el flux mutuamente y no miren a los lados. Si tan sólo fuera así de sencillo. Puesto que una de las maestras en víspera del retiro, una vieja cachapera come-casabe, se le activó el mismo queso, pero en este caso por la maestra... ¡Dios mío, fin de mundo, que inmoral! Esperen un momento mientras cierro la ventana de la página de PRIVATE y sigo escribiendo ¿si?

Bueno, como les decía, tremendo film, bien llevado, sin exponer escenas explícitas, sólo con la dramatización brillante de dos actrices de grueso calibre y alto octanaje. Cate Blanchett (Aviator, Lord of the Rings, Bandits, Elizabeth) como la maestra ex-anarquista que vivió la época de Patti Smith y The Clash en el alma, pero que divaga entre la moral socialmente impuesta, su poco convencional familia y las recargadas juveniles que le da su tiernito cuando la maraquea; y por el otro lado la sobrada Judi Dench (Casino Royale) como la frustrada y amargada solitaria que le gusta la cachapa pero cuando está en el jojoto. Tremendo soporte de Bill Nighy (Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest/At World's End) como el esposo de Blanchet y que da un punto intermedio entre ambos lados del peo con intereses pesonales y tentaciones sexuales.

Sea de cualquier índole, a todos les interesa ver quién será el próximo en meterse en un peo de esos. Sea porque se coló un video de alguna puta como Paris/Rosanna, o que Monica le trompeteó el saxofón a Clinton, o que agarraron a George Michael metiéndose en un cubículo de baño cuando éste estaba ocupado por un "Tipo" (y no era porque se estaba cagando) o porque Michael Jackson le agarró el culo a un nuevo muchacho que ni cédula tiene. Es la cultura del morbo, del escándalo, de apuntar con el dedo al "pillao" mientras se dan golpes de pecho camino al Aladdín o al Dallas... elíjan su favorito cuerda de mal pensados. Todo el mundo lo piensa o lo hace -unos más pasados que otros- pero al final nadie es. Aquí nadie anda de modosito ocultando nada, we love porn! we love sex! we love to fuck! el peo es cuando más de una -o uno- se la quiere dar de santic@ y resulta que es rolo de ravaler@. Podría darles un ejemplo de una que me topé no hace mucho, que si sigue jodiendo como "anónimo" en el Blog de los Guaros le quito la máscara y la rayo con evidencias. Sí, tú, PUTA, no te hagas. El DVD está ahí-ahí, la imagen es muy suave, el contraste pobre aunque el color está... bien, pero el film es altamente recomendable.

Después se tripean una con Jena, Krystal y Tera... juntas (cachapa y queso).

Film: Willy McKay; Video: Pasta; Sonido: Pasta




I Want Candy!
A mi me gusta Sofía Coppola (Dir: The Virgin Suicides, Lost In Translation), su arte es diferente, su estilo independiente y su alcance vanguardista. Pero mosca, a todo el mundo no le puede gustar este tipo de cine artístico no-comercial porque prefieren algo más cliché y cónsono con los tiempos de comida rápida y entretenimiento instantáneo. No. Tampoco crean que Marie Antoinette es un film de profundidad trascendental con exactitud histórica y actuaciones de ultranza. Si han visto los films de Sofía, sabrán en el peo que se metieron. Sofía no necesita hacer dinero con cine comercial, siempre ha tenido pega gracias a papi Francis, por lo que puede darse el lujo de hacer cine artesanal de culto vanguardista sin dictámenes de los estudios.

Antoinette es una visión Kitsch de los días de Maria Antonieta, la esposa del último Rey de Francia de la sucesión de la monarquía absolutista de Luis XV previo a la Revolución Francesa. Si son duchos en la historia, sabrán cual fue el destino de tan noble princesa austro-franchota y malcriada junto a su Gay, digo Rey Luis XVI... (empieza por Guillo y termina con tina, pero no les dije nada, lean). Lo anterior no tiene nada que ver con el desenlace del film, de hecho ni siquiera lo dramatizan. Como les dije, Antoinette representa una visión a la MTV de la vida real de Maria Antonieta, desde los días previos a su boda con el princi-gay de Luis XVI hasta los momentos del encendedido de la Revolución Francesa y la toma de la Bastilla (1789).

La escenografía es increible, desde le Palacio de Versalles mismo con un despliegue de vestuario que deja claro a dónde iban los reales de la corona con absoluta majestuosidad (lo punitivo fue intencional). Pero el fume radica en la dirección semi-diario en tercera persona de Sofía Coppola; que le da a Kristen Dunst (Spiderman Trilogy, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, The Virgin Suicides, Interview with the Vampire) la forma y figura de una Paris Hilton rococó con dramatizaciones de un programa de niñas adolescentes tipo Nickelodeon. ¿Dónde más van a ver un film que recrea la era victoriana post-renacentista de La Ilustración con musicalización New Wave de los '70 y '80? ¿Siouxsie & The Banshees, Bow Wow Wow y New Order con bailes barrocos? Touché, sólo Sófía. La belleza de este film radica en su minucioso y bien seleccionado soundtrack, que, aunque no compagina con la época, paradógicamente va como anillo al dedo a las escenas que transmiten la atmósfera visual de la Directora Coppola.

Buena, aunque a veces se torna floja, predecible y poco entretenida por el libertinaje cinematográfico; sobre todo con las arecheras de impotencia que cojes al ver como el princi-gay Luis XVI (Jason Schwartzman -I Love Huckabees-) se queda dormido en la cama nupcial con el jamoncito de Dunst al lado... por tres años (históricamente correcto); ¡mire! ahí es cuando le digo "agárrese princesita que la voy a reventar a pipe toda la noche y me traje el cetro del Rey como vibrador así que Face Down, Ass Up Bi-a-tch!" ¿No les dije en la crítica de arriba que aquí nadie anda con diplomacias pajúas? It's a No Bullshit & Let's Fuck policy people! El DVD está transferido con culillo y caligueva. Se puede ver si te gusta el cine alternativo, independiente y de corte art-cult-pot.

Film: Pasta; Video: Pasta; Sonido: Pasta


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Una propuesta decente
Pana este film es cartel, tiempo sin ver un Western tan fresco y distinto desde Unforgiven y eso es bastante tiempo. The Proposition es una prueba a la lealtad versus los principos. Una magnífica y poco predecible historia, si acaso, sobre el lado humano de un forajido en los tiempos de las conquistas de territorios salvajes e indómitos.

En este caso durante la Australia de la colonización británica del s. XIX en los desiertos plagados de aborígenes. Un militar a cargo de la seguridad policial de una pequeña colonia inglesa, que sufre y lucha por mantenerse en condiciones habitablemente civilizadas, en quizás el último rincón salvaje y ambientalmente hostíl del mundo. Junto al capitan, interpretado por Ray Winstone (The Departed, Sexy Beast), está su esposa Emily Watson (Red Dragon, Gosford Park, Angela's Ashes, The Boxer) que se encuentra más desubicada que periodista de Globovisión en plena marea roja. En esta situación se atraviesan tres forajidos que comandan una pandilla de maleantes que se mantienen al márgen de la ley. El líder es el excelente actor y retoño del viejo John Huston, Danny Houston (Children of Men, Marie Antoinette, The Constant Gardener), que no tiene clemencia, pudor ni moral para cometer sus crímenes; contrastando con sus dos hermanos que difieren de sus métodos y que termina pagando el más inocente o el más pendejo. Ahí que viene la proposición del militar, ante el forajido con remordimiento interno de conciencia, que presentan el drama moral y la lucha espiritual del film.

El estelar actor autraliano Guy Pearce (Memento, L.A. Confidential, The Time Machine), es quien mantiene la dualidad entre su naturaleza salvaje, su lealtad familiar y su moralidad como ser humano. Encontrados en el medio del lío, están un caza recompenzasas en la demacrada apariencia cenil de John Hurt (V for Vendetta, Contact, The Elephant Man, Alien) y un elocuente patiquincito como el Alcalde del poblado improvisado, encarnado en el rara-vez-visto-en-papeles-refinados, David Wenham (300, The Lord of the Rings). Un buen guión de Nick Cave, a quien acostumbramos a oír como compositor musical de films en lugar de dramaturgo cinematográfico, que siga así.

El DVD es de referencia. Paisajes australianos, polvo de desierto, pieles quemadas y arrugadas por el inclemente sol, dientes sarrozos y amarillentos, todo con absoluta impecabilidad en el transfer a video. Colores tan saturados y casí amarillentos por el horizonte del continente oceánico que se ven con mucha naturalidad. Especialmente la fotografía e iluminación que tuvo cuidado hasta en las noches estrelladas del desierto. El sonido no se deja opacar por la imagen, dinámico, fuerte, explosivo y atmosférico al mismo tiempo. Con diálogos claritos y transparentes.

Buen film, buen DVD, buena renta, buena recomendación.

Film: Willy McKay; Video: Willy McKay; Sonido: Willy McKay

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Sir Barton

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La Cura Estaba En Los 80

1979. El mismo año en que Sex Pistols da su último concierto en San Francisco para desintegrarse en el acto, otra banda inglesa oriunda de Crawley, Sussex y llamada originalmente en 1973 por el nombre de The Obelisk, empezaría su carrera hacia el éxito mundial y a un proceso creador que influiría profundamente a aquellos que siguieron sus pasos. En la década de los 80, la vanguardia la marcaba –además de otras bandas– The Cure.

Su primer disco, el histórico Three Imaginary Boys (luego rebautizado para Norteamérica como Boys Don´t Cry), estaba lleno de toda la energía que el punk en su forma básica había agotado para ese instante y que había derivado en el llamado post punk que The Cure junto con The Smiths, por citar dos grupos de la época, capitalizaban en el espíritu musical del momento. En el caso de The Cure evolucionaría hacia el uso de sintetizadores y teclados a partir del igualmente memorable Seventeen Seconds donde tres clásicos harían su aparición: A Forest, Play For Today y Primary. Durante toda la primera mitad de la década The Cure daría la hora, y el cénit sería marcado con la aparición de The Head In The Door en 1985; disco en el que aparece la que –a juicio de quien escribe– la MEJOR canción de la carrera de la banda: In Between Days.

Para 1986 The Cure y su disquera Fiction Records consideran necesario sacar un compilado de grandes éxitos, y es así que sale en el arcaico LP Standing On A Beach – título tomado del primer tema grabado por ellos; el clásico punk Killing An Arab– que abarca el período comprendido entre 1978 y 1985 y que en su versión LP duraba 45 minutos con 44 segundos y contenía 13 canciones. La versión cassette era doble porque incluía, además de las canciones del disco, 12 más que fueron los lados B de los singles. Y la versión CD contenía 4 canciones más que el LP, y cuyo nombre es Staring At The Sea-The Singles, con una duración de 62 minutos. Esta versión es la que vamos a reseñar.

Si bien hemos sido fans de The Cure –en especial las canciones de la era que abarca este disco– es menester reconocer que en su momento no llegamos a comprar ni la versión LP, ni cassette y mucho menos el CD. Por alguna extraña razón, The Cure era un placer que no teníamos la suerte de disfrutar. Hasta hace un par de semanas cuando en correrías por discotiendas para matar el aburrimiento, nos topamos con el CD en cuestión en versión Polydor/PolyGram y fabricado en Deustchland; es decir, Alemania. Y a un precio que lleva a la risa, con el añadido de que era el último que quedaba en la tienda. Lo mejor de todo: llevábamos dinero encima para llevárnoslo, con lo que por fin The Cure está en nuestras manos.

Muchos consideran que a partir de 1987 The Cure se volvió más comercial. En esto estamos de acuerdo en parte, al menos con canciones como Why Can´t I Be You?; Hot, Hot, Hot; Friday I´m In Love; y otras no tan buenas como Gone! y Strange Attraction. También la etapa posterior trajo joyas como If Only Tonight We Could Sleep, Fascination Street, Lullaby, Love Song y Pictures Of You. Pero pareciera que las maravillas de Robert Smith y compañía estaban en el principio de la década. Para los que ya tienen el disco desde años les puede parecer curioso que reseñemos uno viejo, pero para el autor de estas líneas es una novedad en nuestra colección, así que lo reseñaremos como si fuese un nuevo lanzamiento.

Las primeras cuatro canciones; a saber, Killing An Arab; 10:15 Saturday Night, Boys Don´t Cry y Jumping Someone Else´s Train, son piezas emblemáticas y obligatorias de colocar en cualquier fiesta punk. A título personal son canciones que formaron parte del crecimiento junto con el Corn Flakes, The Beatles, el Toddy y la Coca-Cola. Los tres clásicos antes mencionados: A Forest, Play For Today y Primary están aquí en su total y absoluto esplendor, así como los experimentos y rarezas sonoras que conforman Charlotte Sometimes, The Hanging Garden, Let´s Go To Bed, The Walk, The Love Cats y The Caterpillar, canciones estas que gravitan entre el dark, el gótico, la sátira y el techno pop. Y como siempre lo mejor queda para el final de la mano de Close To Me, A Night Like This y la ya mencionada favorita e inmortal canción In Between Days. Aun no podemos comprender qué llevó a Robert Smith a bastardizarla en el infame MTV Unplugged de Korn mezclada con Make Me Bad. Y seguimos sosteniendo que el Sr. Smith se drogó con la base blanca que siempre usa.

Pero dejando de lado el comentario anterior, el Staring At The Sea-The Singles es un disco obligatorio para todo aquel que quiera entender el período que siguió a la desaparición del punk y del cual surgieron infinidad de bandas que luego se desintegraron, o bien evolucionaron a cosas peores. Algo que The Cure ha logrado superar hasta convertirse en un grupo musical de culto y de marcada influencia en multitud de artistas.

Música: Sir William McKay (★★★★★★); Sonido: Willy McKay (★★★★★)



[CD - 62 min. 1986. Polygram]

“Yesterday I got so old, I thought that I could die...”
The Cure - In Between Days





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Spaceman Spiff

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The Return of Ricky Del Norte



No, no se trata de Corky, ni tampoco de Stimpy, ¡Sí! Adivinaron, se trata de nuestro querido amigo Ricky Del Norte que nos sigue visitando. Aunque con menos constancia que antes, podemos estar tranquilos, seguros y contentos que nuestro querido amigui nos sigue visitando. Aunque nos sentimos culpables porque no hemos vuelto más por su Blog donde deja sus impresiones que tanto le cuesta debido a su condición especial, estamos emocionados que nos sigue teniendo en su corazoncito. Tan lindo. ¿Amiguito, cómo estás? ¿sigues en el tratamiento verdad? ¿ya no te someten a electroshock y enemas diarios verdad? sabemos que no te gustan pero es por tu bien, no queremos que recaigas. Que curioso que tu IP no haya cambiado (144.92.232.103), se mantiene inmóvil, como creíamos que sucedería con tu IQ, pero por fortuna no fue así. El último reporte de tu estado indicó que tu coeficiente intelectual aumentó en 10 puntos, increíble, ¡ahora tienes 11 puntos de IQ! Felicitaciones, pero no te emociones mucho que puedes recaer y hasta darte una aneurisma. ¿Cómo están las cosas por tu nueva tierra de Madison, WI? ¿bien? me alegro, nostros como sabes, sufriendo aquí en el inferior Sur como le llamas tú, pero intentamos sobre llevarlo Ricky no te preocupes, con saber que estás en tu superior vida del norte es suficiente para regocijar nuestras infelices almas de alegría y esperanza.

Bueno Ricky, te dejo para que sigas tu terapia, recuerda bien que las cositas marrones que dejas en la poceta no se comen; que cuando te da por meterle la mano en la pantaleta a la muchachita que vive contigo y te dice "¡Papá, soy tu hija!" es que debes parar; el cloro y el agua se parecen pero sólo el segundo se bebe ¿ok? acuérdate que uno huele y el otro no; no te acerques a los fosforos; la medias se ponen primero y los zapatos después; no gritar cuando apaguen las luces en el cine; no vuelvas a decirle al señor de al lado en un baño público "¿te lo limpio como hace mi esposa conmigo?" porque ya sabes lo que pasó la última vez, es más, que tu esposa entre contigo a los baños para cuidarte y también limpiarte para que no vayan creer que hay un bebé que "se hizo" cuando pases cerca de la gente. Recuerda bien que salir en público es difícil en tu condición, pero la gente entiende al verte el rostro, ¡ah! revisa bien que llevas pantalones antes de salir al frente de tu casa porque los vecinos están cansados de llamar a la policía cada vez que te paras en la acera vestido sólo de la cintura para arriba, tampoco agarres lo que no es tuyo y lo de vidrio no se toca y menos los cuchillos ni las tijeras ¿oiste? Y espero que las sesiones para que aprendas a mantener la boca cerrada hayan servido, mira que lo del babero se acabó, así te guste mucho el de los Teletubbies ya es hora de dejarlo, hazlo por tu esposa que se cansó de llevarlo encima cada vez que sale a pasearte. Bueno, saludos desde el inferior Sur y rezamos todos los días por tu pronta recuperación.

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Sir Barton

P.S. Ricky, we still love you! take care, write soon!

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Si con esto Spiff y Kaiser no abdican...
Saludos humanoides, como nos hemos encargado de mantener esto a flote en lo posible, a pesar que las vicisitudes laborales nos han mantenido al margen del ritmo acostumbrado, no está de más darle una vueltecita al Blog. Ya que el Sir Bartolomeo se encargó de mi sección de Jazz en mi ausencia, no veo porque no hacer lo mismo con sus avances y artículos sobre nuestra adorada marca de la manzana. Siendo el otro que usa Apple en este Blog, amen de iPods a granel (los otros dos sapos aún están en la era del Discman dentro del paganismo atroz de usar Windows), me doy la justificación para informarles de lo último que salió en materia del perolito de moda musical desde los confines de Apple Inc. el día de ayer. Veamos humanoides...

Siempre hay espacio para uno más
Atención señores que toda, sí, toda la línea iPod fue revitalizada. Aunque más hacia el nano, además la introducción de un "iPhone sin saldo" como el iPod "Tauch" o Touch como se dice en Inglés. El fulano iPod tradicional se llama ahora "Classic" y sale a partir de 80 GB donde antes limitaba, llegando ahora hasta 160GB. También traen mejoras y aditivos en la interfaz, que según está disponible en su versión más chonchuda. ¿Qué les parece? Deja mi iPod video de 30 GB como un vulgar pen drive de buhonero en comparación.

Tiene una cubierta de metal donde antes había plástico, no más color blanco, sólo gris y negro. El nano se asemeja al Classic en cuanto a que copia la pantalla grande, añade video y cambia los colores. Las capacidades se mantienen iguales, entre 4 y 8 GB.

No creo en nada humanoides
Pero el aspecto cambia (nano), ensanchándolo hasta quitarle su adelgazada forma anterior, que para mi es más práctico ya que nunca salgo sin mi iPod nano RED Product. Aparte que repite el delicado acabado de espejo pulido en su reverso que lo hace sumamente apto para rayas, cosa que no sucede con el nano saliente. Bueno, lo admito, se ven horribles, por eso no hay foto aquí.

Los Shuffles se mantienen iguales salvo que cambian los colores por una paleta mas pastel. Me hubiese gustado una paleta mas alcohólica como caramelos de licor, algo así como color Cerveza, color Tequila, color Whisky, color Campari, color Absinthe, ¿me siguen? Bueno, que se va a hacer... (coño, quiero esos 160 GB del iPod nuevo). Sigamos, pues lo que más llama la atención sin duda es el iPod Touch que debuta con sus altas y bajas. De entrada es un iPhone sin saldo. Un iPhone pero sin el Phone. De resto es la misma cosa, inclusive el Wi-Fi. Así que nos ahorramos las explicaciones de sus características porque sería redundar. Lo que sí creo que va a molestar a algunos es que no usa disco duro y apenas tiene 16 GB en su configuración más grande. Poco para los que tenemos más de 6000 canciones en el iTunes y queremos un iPod con mas espacio. Sobre todo si venimos de uno con 30 GB o más. Bueno, no creo que detenga a nadie a hacer la cola por el nuevo iPhon... digo, el iPod.

Hasta la vista humanoides... ja ja ja...


Dr. Basura

P.D. Kaiser, éste mes no es libre de Apple, sapo. Sucumbiras, "tu cael en nuetlas manos"

One More Thing™: Por cierto, no que aquí tenga trascendencia alguna, pero se habilitó el iTunes Music Store de compra directa por Wi-Fi desde el iPod mismo (sólo el Touch), no se si se incluye al iPhone, pero no dudo que si. Usando los establecimientos de Café Starbucks de USA, uno puede comprar la canción que está sonando, o cualquier otra, mediante el iTMS mobile que se encuentra instalado en el iPod mismo. Aqui, si tuvieramos iTunes Music Store para empezar, sería interesante, pero en lugar de Starbucks mejor Restaurantes Chinos o Bares. Imagínense, pides el reggaeton del momento mientras degustas una espumosa. [Nota del Dr. Basura PhD]

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Ha Empezado El Año Cero



De seguro que ya están cansados de que les digamos que musicalmente no haya artistas que valgan la pena el gasto de adquirir un disco nuevo, más aun en estos tiempos en que no se puede hacer como antes en que uno llegaba a una tienda de discos y compraba una grabación por elementos tan ajenos como una carátula de pelos o por haber escuchado sólo una canción. Y muchas han sido las veces en que o bien se había adquirido una joya sin saberlo, o por el contrario, el mentado disco resultaba ser bueno en sólo la canción porque lo demás era directo al bajante de basura.

Pues bien, solamente hay dos artistas de estos tiempos en los que uno va a ciegas a las discotiendas físicas o virtuales –al menos en palabras de este servidor– y compra sus discos sin haber escuchado siquiera una canción en la convicción de que su trabajo es de altura y que si hacen gaitas, por citar un caso, hasta les quedaría bien. Los dos artistas que mencionamos son TOOL y el que sirve de base para este artículo y que lanzó nuevo disco el pasado 21 de abril y que ya tenemos en nuestras manos (para envidia del Editor en Jefe de este negocio quien está internado en el Betty Ford con Liza Minelli como tutora). Sí, amigos. Esta reseña es sobre Year Zero, HALO 24, lo nuevo de Nine Inch Nails.



Al igual que con los 10,000 Days, el milagro de que Year Zero esté en nuestras manos corre por cuenta de las bondades de Amazon.com y de nuestro colaborador Herr Kaiser (si bien lo escuchó y no le gustó el sonido del drum machine, algo lógico para un baterista innato) quien lleva buen record crediticio con la tienda virtual, algo como para agradecer a perpetuidad porque en estas tierras de playas, monte y culebras no se consigue el disco. Suponemos que si alguna taguara de discos se le ocurre traerlo cobrará lo que se le antoje; no en balde, Allum´s Maracaibo Import roba Bs. 90.000 por el 10,000 Days.

Y este Year Zero marca una vuelta a terreno conocido. Luego de hacer canciones de duración standard y sin conexión con un concepto particular en el memorable With Teeth, HALO 19, y a tan solo dos años del disco anterior, nuestro amigo Trent vuelve a dejarnos con los oídos pasmados y el asombro en la mente.

En esta ocasión el concepto alrededor del disco es sobre una Norteamérica como un estado totalitario en clave 1984 de George Orwell, en donde el uso de armas es educativo represivo, un poco como si la NRA estuviese al mando del poder; así como una sociedad donde la derecha religiosa es la dueña del status quo. Inclusive ya no hay 13 barras ni 50 estrellas en la bandera, sino una sola estrella y tres barras sin nada más.

En este entorno se ubica el SEÑOR Trent Reznor con un personaje que al igual que en sus obras maestras The Downward Spiral y The Fragile busca liberarse de la opresión y con ello alterar el orden de facto del país para llevarlo al caos y la destrucción, un poco a la manera del personaje central de la primera de las obras mencionadas, casi como si se le llevase a un futuro cercano y distópico.



Y es de mencionar que el contenido musical que puebla Year Zero es escalofriantemente bueno. Si contamos el par de piezas de corte rítmico; a saber, Survivalism (primer corte promocional), pasando por Capital G (similar en rítmica a Closer), The Beginning Of The End, la doble pieza Meet Your Master y The Greater Good –si bien todo el disco está concatenado–, y todas las demás hacen del disco un placer de 62 min/53 seg. para disfrutar y abstraerse. Incluso el amigo Trent vuelve a hacer uso de instrumentales como lo hizo antes en The Fragile con las piezas Hyperpower! y Another Version Of The Truth. A manera de tip: en el tema The Good Soldier hay un guiño a Closer, y en la monumental My Violent Heart se recuerda con otra sintaxis a la frase leitmotif de The Downward Spiral (que adoptamos como lema de este Blog desde el primer día, está debajo del título).

En esta ocasión Trent no hace uso de Flood para las labores de producción, sino que las comparte con Atticus Ross, con lo que da la impresión que en la piezas pesadas la cabilla es contundente y en las de ritmo lento es casi de la textura de una pluma. Incluso se permite tener segundas voces en varias canciones; a saber, Saul Williams en Survivalism y Me, I´m Not, así como secciones de vientos (es la primera vez que hace uso de estos instrumentos), con lo que no se extraña la ausencia de colaboradores de toda la vida como Danny Lohner, Charlie Clouser, Jerome Dillon y Robin Finck; a fin de cuentas los discos de Nine Inch Nails son obra, gracia y creación absoluta de Trent Reznor.

Year Zero viene a ser una vuelta a terreno conocido por parte del SEÑOR Reznor en su constante narrativa musical sobre alineación, opresión, ultraviolencia que hace que su lírica sea de lujo y que la musicalidad sea de la más importante en los últimos 20 años. Si bien 10,000 Days es el disco de la década; dentro de este año Year Zero lo es. De sublime escucha. El Año Cero Ha Empezado...

Música: Sir William McKay (★★★★★★)
Sonido: Willy McKay (★★★★★)



[CD - 63 min. 2007. Interscope/Universal]





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Spaceman Zero Spiff

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(Por un par de semanas para recuperar el ritmo, vuelva pronto)

No light. Darkness. Obscurity. Superunknown. Metallica. Johnny Cash. Collapsed Stars. Dale Earnhardt. Anarchist Symbolism. Pearl Jam "Ten" #5. Mayhem. ...Metal. Sociétés Anonymes. ...Panthers. Chineese North and Water. Paranormal Mirror. Gothic. Evil. Oakland Raiders. Italian Fascist Militias. Abbasid Caliphs. The Rolling Stones (Paint it...). Kuro. Beltzak. October 29, 1929. AC/DC. 8th Ball. ...Widow. Ebony. Charcoal. Darth Vader. Aztec War. England Taxi Cabs. Slayer (Spirit In...). Sophistication and Power. Chicago White Sox. Kiss. MIB. ...Sabbath. The Dark Knight. Led Zeppelin (...Country Woman). Negative. Crude Fuel Oil... = Black.


"Loneliness it shadows me, quicker than darkness
Crawls to the surface of my skin, visibly surrounded by it.

Surrounded by empty souls, artificial courage used
And because so, once was mine, I walk this maze alone.

Chaos and hate shadow me, hate it fills me up
Only one thing makes me feel, missing better half of me.

Black is all I feel, so this is how it feels to be free."

Am I Inside -Alice In Chains


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