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Rural Tex es un estúpido sitio web de reseñas y noticias de videojuegos y cine popular. Combatiendo el mal gusto desde 2005 (nos está costando bastante) Influenciados por nuestra cultura nerd-geek de Comic Books & Video Games. Periodismo Gonzo de tercera en este Colosal Desperdicio de Ancho de Banda

ÚLTIMAS RESEÑAS

Las últimas reseñas de videojuegos y cine. También a veces música, Apple o audio (a veces). Rural Tex™ no apoya la piratería, todo medio que aquí se revisa es adquirido legal y estrictamente original.


Más en el Archivo de Reseñas.

CALIFICAMOS ASÍ

Nuestra escala para calificar las reseñas del uno al cinco (estrellas). Con el Sir William McKay reservado sólo a la excelencia.

  • Sir William McKay: Aleph One
  • Willy McKay: ¡Non-Plus-Ultra!
  • McKay: Muy bueno, peeero...
  • Pasta: Ta' bien... ta' bien.
  • Mancao: No nos inmuta.
  • Ñame: ¡Que nos devuelvan el tiempo y dinero que perdimos en revisar esta grandísima porqueria! Epic FAIL!
WEB-ONADAS

Lectura: No Girls Allowed? I'm not your fucking shield!. Una opinión sobre el sonado caso del #gamergate desde la perspectiva analítica del Editor en Jefe. –Bartolomeo

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It Happened In Monterey*



El concepto de festivales de música realizados al aire libre durante un fin de semana data prácticamente de la mitad del siglo XX. Desde 1950 se realiza en tres días el Festival de Jazz de Newport, el cual ha servido de plataforma para muchos talentos y para actuaciones memorables realizadas por Duke Ellington, Louis Armstrong, Thelonious Monk y Muddy Waters, entre muchos. Su evento gemelo nacido en los tempranos 60, el Festival de Folk de Newport, era una reunión anual para convocar a diferentes artistas del género folk hasta el año 1965 cuando el evento se polarizó y tiempo después dejó de realizarse a raíz de la actuación electrificada de Bob Dylan en 1965. Siguiendo con el modelo creado en Newport, se efectuaban con regularidad festivales musicales de jazz y de folk en la ciudad costera de Monterey, California, a 80 millas al sur de San Francisco. Pero muchos de estos eventos carecían del alcance de público, siendo más un placer para fanáticos y espectadores más elitistas.

Monterey se vuelve pop rock
Un asistente a la edición del Festival de Jazz de esta ciudad en 1966 era el heredero de la compañía papelera Sweetheart Alan Pariser. Mientras fumaba un cigarrillo de marihuana, consideró la idea de realizar un festival en donde asistiesen miles de fans de la música pop y rock en vez de los jazzófilos estirados y serios. Por medio de gente con dinero, Pariser logró recaudar $50.000 como fondo base para efectuar un festival de música pop en el Monterey Fairgrounds en el norte de California, a realizarse en verano de 1967. En enero del siguiente año, Pariser y su socio Benny Shapiro –quien era manager, productor y agente de talentos como Peter, Paul & Mary, Miles Davis y Ravi Shankar– se acercaron a Derek Taylor, residenciado en Norteamérica luego de haber trabajado en la oficina de representación de The Beatles, NEMS, para plantearle el concepto y que los ayudarla a publicitarlo.

Taylor estaba negado al principio a hacerlo debido a que quería regresar a Inglaterra para volver a trabajar con el manager Brian Epstein. Pero luego consideró el entorno de un festival de pop en pleno año del poder floral y del movimiento hippie; así, Taylor, Pariser y David Wheeler, se acercaron a John Phillips en su carácter de líder de la agrupación The Mamas And The Papas para que aceptasen ser el número principal ya que para ese instante ellos eran el acto más grande que estaba de gira; The Beatles se habían retirado en agosto de 1966, The Doors no había terminado de reventar y The Rolling Stones estaban envueltos en problemas de drogas, por lo que no podían salir de gira.



Phillips sugirió a Lou Adler, un empresario de actos pop desde los tiempos de Elvis Presley, como coordinador y productor general del festival. Ambos, Adler y Phillips, acordaron en el ambiente que imperaba en la época que los artistas no cobrarían por sus actuaciones, el cobro sería mínimo ($ 1,00) para el público y lo recaudado sería destinado para beneficencia a través de una fundación creada para este fin. Lo acumulado abarcaba, además de los $ 50.000 de Pariser, $ 10.000 de Adler, John y Michelle Phillips aportaron $ 10.000 más así como el productor Terry Melcher –hijo de Doris Day y primer propietario de la tristemente célebre casa del 10100 de Cielo Drive donde en 1969 se sucedieron los asesinatos de Sharon Tate y compañía a manos de la secta de Charles Manson–, Johnny Rivers y Paul Simon. Al final consiguieron $ 100.000

Para los actos que iban a formar parte del cartel, se creó una llamada comisión de gobernadores integrada por: Donovan; Mick Jagger; Paul McCartney; Jim “Roger” McGuinn (The Byrds); Terry Melcher, Andrew Loog Oldham (manager de The Rolling Stones); Alan Pariser; Johnny Rivers; Smokey Robinson; Brian Wilson (The Beach Boys); Paul Simon, John Phillips y Lou Adler.

Probando. Uno, Dos, Tres...
Las reuniones de la comisión llegaron al acuerdo de que el fin de semana del 16 al 18 de julio se efectuaría el Festival de Monterey. Al comienzo hubo rechazo entre la comunidad al imaginar un montón de jóvenes hippies pelilargos consumiendo drogas, escuchando rock y haciendo toda clase de desastres y perversiones; esta oposición se hizo voz en las figuras de la alcalde Minnie Coyle y del jefe de policía Frank Marinello. Al final se llegó a un acuerdo entre los organizadores y la comunidad de que el orden sería preservado en medio de la fiesta, algo que marcó el espíritu del festival.

El plantel de artistas que conformaron el evento estaba conformado por: The Association, The Paupers, Lou Rawls, Beverly, Johnny Rivers, The Animals, Simon and Garfunkel, Canned Heat, Big Brother & The Holding Company (junto con su importación de Texas Janis Joplin), Country Joe and The Fish, Al Kooper, The Butterfield Blues Band, Quicksilver Messenger Service, Steve Miller Band, The Electric Flag, Moby Grape, Hugh Masekela, The Byrds, Laura Nyro, Jefferson Airplane, Booker T and The MG's (como banda de apoyo del genial Otis Redding), Ravi Shankar, The Blues Project, Buffalo Springfield, The Who, Grateful Dead, The Jimi Hendrix Experience, Scott McKenzie y The Mamas & The Papas.

Para grabar en audio y en video las actuaciones se contrató al director D.A. Pennebaker –famoso por haber hecho el documental Don´t Look Back sobre Bob Dylan– para hacer un reportaje para el canal de televisión ABC, pero ante la perspectiva de presentar a una multitud de jóvenes fanáticos de rock y de las drogas a una audiencia nacional, desechó el acuerdo con Pennebaker, quien al final grabaría lo más destacado y lo que podía sin enfrentar a oficinas de representación de artistas que no autorizaban su filmación para crear el documental de 79 minutos Monterey Pop, estrenado al año siguiente.

Entre los que no aparecieron por esta razón estaban: Laura Nyro, Buffalo Springfield, Al Kooper, Moby Grape, Lou Rawls, Johnny Rivers, Steve Miller Band, The Grateful Dead, The Paul Butterfield Blues Band, Quicksilver Messenger Service, The Electric Flag, The Byrds y The Blues Project. Así mismo, hubo dos cancelaciones. Una de ellas fue la de Dionne Warwick y su banda The Impressions debido a un conflicto de agendas en las fechas. La otra fue la de The Beach Boys a causa de que Brian Wilson estaba descontento con el resto de la banda ante la no aceptación por ellos del disco que este estaba haciendo, Smile; y porque sentía que ante el público seguían siendo vistos como intérpretes de surf rock en vez de una banda seria y vanguardista de rock.

Pero con todo y estos detalles, el viernes 16 de junio de 1967, dos semanas de la aparición de Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band de The Beatles y en pleno auge del verano del amor representado en el himno del festival, San Francisco (Be Sure To Wear Some Flowers In Your Hair) de Scott McKenzie, se daba inicio al primer festival de rock de la historia.

Owsley Stanley
Para marcar dicho evento, los organizadores se acercaron a un viejo amigo de Haight-Ashbury quien había masificado el LSD en el entrono de San Francisco: Owsley Stanley. Además de ser un artista integral –escritor, escultor, pintor, bailarín– Stanley era un químico aficionado que había logrado reproducir en su laboratorio casero el Dylesid, denominación comercial del LSD fabricado por los laboratorios Hoffman-La Roche, y modificarlo para hacerlo más potente. Este ácido extra fuerte llamado Monterey Purple fue distribuido entre el público, y ante las perspectivas de malos viajes, el personal del festival habilitó un puesto de primeros auxilios para atender los casos; el promedio de estos fue mínimo. La fama del Monterey Purple fue tal que incluso The Beatles lo contrabandearon en las lentes de cámaras de una supuesta unidad de filmación que iba a grabar el festival.

Junto con el LSD y la marihuana, la camaradería entre los músicos y el público fue total, incluso para aquellos que eran nuevos en la escena musical. En esto las bandas de San Francisco fueron las que destacaron. Big Brother & The Holding Company no habría pasado de ser una banda más sin tener en su cartel a Janis Joplin, quien fue elegida como la reina del festival luego de haber electrizado a la audiencia con su voz. Así mismo, Otis Redding se convertiría en un artista accesible para todo el público y cuya fama sería inmensa luego de su muerte seis meses después, llegando hasta la actualidad. Un duelo interesante se sucedió el día final del festival entre dos monstruos.

Hendrix vs. Townsend
The Who era conocido a nivel mundial por destrozar sus instrumentos en escena al terminar de tocar My Generation; Jimi Hendrix también lo hacía, pero salvo en Inglaterra no era conocido en Estados Unidos y su inclusión en el festival fue por insistencia de Paul McCartney. Ambos números estaban pautados para el domingo 18, pero no se conocía el orden de aparición.

Puesto que Pete Townsend sabía del estilo de Hendrix en escena, tras bastidores conversaron ambos sobre quién saldría primero. Para ello se enfrascaron uno al frente del otro en duelos de guitarra que de acuerdo con testigos valdría por sí solo el festival y más. Al no haber un ganador en semejante contienda, deciden lanzar una moneda al aire en cara o cruz. Gana Townsend y The Who sale primero y vuelve el escenario un caos total.



Acto seguido sale The Jimi Hendrix Experience, y James Marshall efectúa su célebre quema de la guitarra (él había consumido una dosis doble de Monterey Purple antes de salir a escena). Townsend estaba en el público y Cass Elliott de The Mamas And The Papas le dice que le está copiando su número, a lo que Pete le contesta que no, que está siendo como es él. Tiempo después la prensa alabó ambos actos –fue el comienzo de la fama internacional de Hendrix– y comparó los dos al mencionar que mientras Jimi había hecho el amor en el escenario en forma metafórica a su actuación, lo hecho por The Who era el equivalente a una violación.

Pero la fiesta no va más
A raíz de ciertos sectores de la ciudad (políticos y comerciales) que alegaban “abierta fornicación” entre la audiencia del festival, se canceló la edición del año 1968 y hasta el presente no se volvió a efectuar, si bien el jefe de la policía declaró que tenían más problemas en la reuniones de padres y maestros. Sólo el fin de semana del 28 de junio de este año se ha acordado hacer una nueva edición con algunos de los artistas que todavía están vivos –muchos han fallecido como bajas de la era que representaron– o que estén de gira, en el llamado Monterey Summer Of Love Festival.

Aun con la mala aura que produjo en los sectores conservadores de la ciudad el Monterey Pop Festival, hasta hoy se siguen recibiendo ganancias por concepto de libros, películas y grabaciones del mismo; estas van a un fondo sin fines de lucro en el llamado Monterey Festival Foundation.

Pero quizás los logros más importantes del mismo están en el haber descubierto al mundo talentos que no hubiesen prosperado de no participar en el evento, particularmente en los íconos representados en Janis Joplin y Jimi Hendrix. A la vez marcó la pauta para los subsiguientes; el más emblemático sería el Festival de Woodstock de agosto de 1969 con un enfoque más comercial y menos paz y amor, y para las giras en grandes escenarios de los 70 y de las décadas posteriores.

Y lo más importante está en que a partir de allí el rock dejó de ser visto como un género menor, un arte para adolescentes y jóvenes, para ser considerado como una forma de expresión, de cambio y de vanguardia artística. Esto es lo que tres días de música simbolizaron cuarenta años atrás.

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Spaceman Spiff

[*] Título de una canción compuesta por Mabel Wayne y Billy Rose e interpretada por Frank Sinatra.

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Shut The Fuck Up!

©Wulffmorgenthaler

Just because you are winning don't mean you're the lucky ones
Well it's been exactly a week since any of us posted, a shame considering that this is a daily blog. Well, not anymore because I think I'm back to the old drill. If only the other three jackasses would also do the same. What will never be the same is the old ranting about a certain person, bah! let's call things by their rightful name: that bitch! yeah, it feels better once you let out all that angst. So it felt yesterday once I cleared out the heat that I had build up inside me. Fuck! I was like a fuckin' nuclear reactor! And I needed a determination as powerful as one 'cause the bullshit built-up by me was stiff and steep... my bullshit. I should have known better.

From Ganymede to across the street
Now, one thing I've learned as a constant all my life is that I like to be in control of everything. And I mean everything. I get away with my shit. Once it goes out of control, I get pissed, disappointed, confused and sometimes depressed with frustration. In recent events it was a combination of all three. Goddammit! Why did it take so long for me to focus? Why did I let it take over me? Should I waste more brain cells figuring it out? Fuck no! I've wasted too many of them already on the subject. No more. I deal with these issues by using drastic measures, otherwise it would take too long to do so. That let me to get in touch with my inner self, finding out that, on this particular issue, I am more important. Sorry folks, let's forget about the whole deal and look forward. Look ahead. And don't look back... unless you want to wave a big Fuck You at it. From here to Ganymede? no, the distance shrank to "across the street" at best. So get the fuck out of my face.

Like I give a shit about it
My favorite attitude, and my ideal towards almost anything that bugs the crap out of me. What you say? oh! I don't give a shit. I beg your pardon? Mmm... I don't give a fuck. I'm sorry what? Well, go fuck yourself. Excuse me? Yeah right, shut the fuck up! See? simple, disengaging and relieving. Follow this advise and you'll see how life gets a little bit easier. I plan to stay home a lot these days and work on some stuff while I watch soccer games for the America Cup. I suggest you all do the same as much as possible. Changing the subject, something I really do give a shit about is the environment, and regarding that I saw the recently acclaimed documentary The Inconvenient Truth about the Global Warming problem and it enlighten me. Very well laid out by former Vice President of The United States Al Gore (and the guy that should have been the President instead of the idiot currently in office). All I can say is that it's a must see, do yourselves a favor and watch it!

Remember in this game we call life no one said it's fair
You know what's the hardest thing in the world? trusting people, you bet your ass it is... everybody is always open for betrayal. Well not everyone, we all have hard proven friends and family members we can count on for sure, but there is always some asshole ready to fuck you up in the ass as you turn around. People, remember that everyone is after their own interests, and they act accordingly, just look for the signs and try not to act stupid. If I ever trusted you with anything and you feel like spilling the beans, don't, because I'll never hesitate for a second to fuck you up real good. No exceptions. Jesus Fucking Christ! my shit list is getting larger... you better not make it in there 'cause I flush until I get rid of the last piece of crap, because shit has a tendency to float. Remember Mike Patton said "Shit Lives Forever!" just keep that in mind.

Let's see what's ahead of us. Off with the old, on with the new. Take care.

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Barton

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And all that could have been...

©Wulffmorgenthaler

There should have been an article here yesterday and of course also today. But no, the sons-a-bitches around here that are supposed to post at least once a week think they know better. What the hell is wrong with you people!? Fuck! Get into character Dudes! I can't keep this Blog up all by my self and neither can I fill out 5 days of bullshit on my own. I need the help of you to complete the goal, the main objective: daily posts of nonsense crap.

"Do as I say not as I do because the shit so deep you can't run away
I beg to differ on the contrary, I agree with every word that you say"

Maybe I should ask our fellow readers, what would you like to see covered around here for a change? I would like pictures of naked girls... the one who said "pictures are worth a thousand words" was referring exactly to this. Maybe we should open a section like the Suicide Girls web site, showing pics of bad-ass bitches with tattoos over their asses, whaddaya say!? We have the cameras, all we need is some pretty petite volunteer babes. Any takers? Our mailboxes are open for your suggestions, operators are standing by!

"Talk is cheap and lies are expensive, my wallet's fat and so is my head
Hit and run and then I'll hit you again, I'm a smart ass but I'm playing dumb"

Like I said previously, life moves pretty fast. And we all have to make decisions at some point. I guess I just made mine. Because I ain't sittin' around to watch life pass me by at a fast rate, that I'm willing to take actions that I would rather not take. Like tough decisions against my will. But I have to focus. On what? well, on me, on my life ("awesomely awesome!" he he he). I'm in a very rare good mood lately, why? because I've stopped caring too much and I simply don't give a fuck about many things. Things that in the end did not worth such attention span and huge effort from my part. Don't ask, just mind poured on HTML™, the same old crap and nothing else.

"I have no belief. But I believe,
I'm a walking contradiction and I ain't got no right."

Well, so much for the special dedications paragraph. Don't worry folks, none of you fall into that section, because you are our rural pals. Let's see what's up ahead, new Flicks on the big screen, and also some fresh plastics heading over for your -and our- enjoyment. The BlogStock '07 is beginning to show some signs of life, let's hope the cool dudes at Barquisimeto cook something up for the coming weeks, we are open to help in any way we can. I need a break, once I finish some of my pending businesses I'll leave town for a while. Let's hope the other three dorks of this Blog keep it afloat during that time... I'm not asking too much, right? Post goddammit!

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Contradictory Bart (or is it confused?)

-lyrics for "Walking Contradiction" by Green Day (this time it fits "us" like a glove)

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Mommy, Where's Daddy?*



El cine anti-utópico. La visión de la hecatombe social y el desgaste erosivo de nuestro planeta y de la especie humana -por culpa nuestra- ha sido tema recurrente en Hollywood por casi un siglo. Mejor análisis y exploración de éste subgénero del cine post-apocalíptico lo pueden leer en el ensayo de Spiff de hace unas semanas, recomendable. Pero, pareciera que encontramos fascinación en nuestro morbo inconsciente por la autodestrucción de la raza humana y su entorno social, que quizás sea lo que nos falte hacer después de destruir progresivamente nuestro planeta y sus recursos. Salvemos el planeta porque nuestras sociedades están podridas desde hace muchas vueltas al sol... y me refiero a muchas.

Children of Men se presenta como otra de esas visiones pesimistas de una sociedad en decadencia con algo más que sus recursos naturales y energéticos en juego. En este caso, la supervivencia de la especie humana misma. La posibilidad de una extinción absoluta de la especie dominante del planeta se hace inminente por una rara enfermedad que erradica por completo la capacidad de fertilizar nueva descendencia. El hombre ya no puede reproducirse. Con un estimado no mayor de un siglo para que el habitante más joven deje de existir (siempre y cuando sea por causas naturales, porque la malparidez no deja de estar al acecho). La búsqueda del sentido a la vida queda al descubierto cuando el caos se apodera de todas las grandes capitales. Excepto la de la potencia Británica, que en medio de su propio descontrol, mantiene el mínimo de cordura, dominio y civilización. ¿El sentido? ningún otro que el de nuestros hijos, los niños, lo que realmente cualquier persona entiende como la esencia de la vida. No las cosas materiales ni las suntuosidades banales, no, el milagro y bendición de ser padres es arrebatado por el destino dejando los días del porvenir con tinte grisáceo. Todo deja de tener sentido si no puedes dejar continuidad de tu sangre.

En medio de esta frustrante situación por encontrar una respuesta y menos aún una esperanza, tenemos al fantástico actor 'brit' Clive "Mr. BMW" Owen (Inside Man, Sin City, Closer) quien deriva por la vida buscando un sentido luego de haber perdido trágicamente a su único hijo. Sentido que encuentra al proteger con su vida una esperanza biológica para la humanidad, sin parentesco alguno con el mismo, para zurcir el daño emocional que le embarga con su tragedia personal. Tragedia que comparte con Julian Moore, quien decidió contrarrestar el dolor propio de haber perdido a su cría junto a Owen por la vía de la violencia anárquica desde la clandestinidad. Otro clandestino post-apocalíptico que comparte la carga y una profunda amistad con el protagonista, es el clásico actor británico Michael "Alfie Sr." Caine (The Prestige, Batman Begins, The Cider House Rules) como el eterno hippie esperanzado por el reflorecer de la raza humana. Caos, terrorismo, control semi-autoritario apadrinado por el estado -cual 1984 de Orwell- y una esperanza milagrosa que nos recuerda que no estamos solos espiritualmente es lo que encierra el marco de esta buena (aunque poco original) historia del Director azteca Alfonso Cuarón (Harry Potter, Y Tu Mamá También).

Muy buena trama, excelente dirección casi-mas-allá-de-lo-imposible con manejo de cámara brillantemente orquestado (no dejen de estar pendiente de un par de tomas larguisimas y complejísimas sin edición alguna). Y una producción impecable, que recrea una atmósfera convincente de la situación anti-utópica futurista de un posible y no lejano 2027, hacen de Children of Men un film para no dejarlo pasar. Aunque el concepto de la trama es repetido, presenta destellos de originalidad con referencias a la cultura británica en los su escenografía que le dan un toque fresco y espontáneo. El ritmo de la trama y la construcción del guión fuese perfecta de no ser por el frenazo casi inconcluso que te deja el final. Mucha acción, diálogo y argumentos sustentables la hacen un film para meditar como muchos de los clásicos future noir del cine de todos los tiempos.

El DVD se ve del carajo, colores lavados para acentuar el desánimo del ambiente. Gránulo artístico de la película y alto contraste le dan ese tono oscuro y melancólico del advenir del fin. Muy buena transferencia a DVD. El sonido es un lujo, atmósfera, dinamismo, inteligibilidad de la locución de los diálogos, en fin todo el film es un festín de sonido en su excelente pista Dolby Digital de 5.1 canales. Véanla, muy buena, recomendable, pero le faltó algo para concluir, ¿o es que el ambiente de desesperanza funcionó tanto que dejó ese deseo en la audiencia Rural?

Film: McKay; Video: Willy McKay; Sonido: Willy McKay

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Barton Orwell

[*] Canción de los Red Hot Chili Peppers.

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No somos Con-Cafe, peeeeero...



Review: Sony Ericsson K790i - ...también podemos recomendarles este celular que nos ha sorprendido por su versatilidad (y no es el iPhone). No soy de los que cambia de teléfono con cada fase lunar como acostumbra la mayoría por pura moda esnobista. Espero hasta que se mueran por causas naturales. Tampoco soy de los que carga muchos aparatos encima, como el Dr. Basura que lleva en el koala más aparatos que el mismo cinturón de Batman. Pero tengo que usar el celular a diario como todos y más aún para las actividades laborales. No tengo una Palm ni me interesa una vaina tan grande como esa, pero siempre es bueno llevar consigo los contactos y datos importantes. Tengo una cámara digital y, aunque me gustaría tenerla a la mano cuando se presenta una buena ocasión, su tamaño es poco práctico para quien acostumbra a andar sin corotos encima. Y si de música hablamos, me encanta cargar mi iPod como todo buen melómano, pero no siempre es práctico o seguro llevarlo a todas partes (lo sé, tengo dos). Por lo tanto, un celular que haga de todo un poco -y que lo haga bien- podría ser la respuesta a lo que busco. Después de probar un teléfono que parecía cumplir con ese perfil -pero que salió raspado en casi todo- decidí revisar muy bien mi próximo ridicular para no llevarme más decepciones.

W810i: Chúpame mis bolas rosadas y peludas
El plan inicial era conseguir el Sony Ericsson® W810i que, en papel, reúne todo lo que quería y que mi viejo celular no cumplía por ningún lado (no decidí cambiar mi viejo teléfono por capricho, el muy hijueputa se dañó y la gente me escuchaba en clave Morse). Para dejar claro, no me gusta ningún celular que tenga cuerpos móviles abatibles, como la mayoría de los Nokia, Samsung y Motorola. Prefiero por gusto y practicidad los que vienen de una sola pieza, sin tapas móviles ni partes deslizables. Eso deja pocas opciones a elegir, porque están los baratos que cuestan menos que una tarjeta de recargo, los full equipo Willy McKay que todo el mundo quiere y los Smartphones, que por su tamaño casi-laptop están descartados por imprácticos (al menos para mi).

Busqué el puto W810i por dos meses hasta que se me acartonaron los huevos de la arrechera. En todas partes estaba agotado, y cuando lo conseguía casi siempre era en un negocio particular que te lo quería clavar a casi el doble de su costo normal. Pues a todos ellos, así como al mismo W810i, un gran "¡chúpenme las bolas!" porque lo bueno se hace esperar. Gracias al dato que me pasó el fiel ruraltejano Huguito de Con-Café, pude hacerme del nuevo Sony Ericsson® K790i calientito y recién salido del horno (o la aduana), al precio justo que le corresponde. El teléfono no sólo reúne todas las características que tiene el fulano y elusivo W810i, sino que las supera con cojones.

Teléfono de Tipo Serio™
Pana, el que no quede contento con este teléfono es más necio que yo, y hay que ver que soy difícil de complacer. El hijueputa lo hace todo, pero lo hace bien. Hay muy buenos teléfonos en el mercado y de otras marcas que también compiten similarmente contra éste (Nokia N73 y Motorola L6) pero en mi opinión, gusto y practicidad, no encontré mejor alternativa precio/valor que el Sony Ericsson K790i. Muchas cosas entraron en consideración a la hora de decidirme, la ergonomía del equipo, el tamaño y la intuitividad operativa de todas sus funciones. No quiero ni tengo tiempo para revisar manuales extensos (eso lo hago con mis equipos de Audio, porque ahí hay pasión, con los ridiculares no). También es importante la respuesta del equipo cuando lo manejas a diario. El Motorola E398 que tenía era más lento que cola'e Banco en quincena y su manual rivalizaba con el directorio de Caveguias.

Este telefonito es una caja de sorpresas. Cumple al pelo todo lo que especifica y más bajo su superficie. Su aspecto es de ejecutivo (Tipo Serio™), a diferencia del aspecto de juguete de piñata del W810i (sí, lo voy a humillar después que me rompió los huevos buscándolo). Sobrio color negro con accesorios cromados que reflejan un acabado industrial que rompe con el esquema tradicional de los celulares redondos y coloridos. Su frontal tiene una lujosa y despampanante pantalla LCD de 262K colores a 320x240 pixeles, un teclado con botones grandes y un joystick universal multifunción. Por la parte posterior una cubierta que esconde el lente, un flash de xenón y el logo al relieve de Sony Ericsson.

Las características más resaltantes, aparte de ser un teléfono celular GSM Tri-Band (Duh!), están su Cámara Digital CyberShot™ Sony de 3.2 Megapixeles con auténtico Flash Xenon y autofoco, Walkman® full equipo que reproduce MP3 y AAC, Navegador Web (Wap 2.0), Aplicaciones Java, Agenda, Video Player, BlueTooth, 75MB internos y MemoryStick™ Micro (M2) expandible hasta 2GB.

El iPhone puede esperar
Todo ese paquete de funciones por menos de un palo, incluyendo un MemoryStick™ Micro de 1GB, hacen de este teléfono una opción muy difícil de superar por la relación precio/valor. Sí, por ahí viene el iPhone y nos tiene a todos con un queso encendido. Pero seamos francos, una vez que esa maravilla arribe a este monte, nos van a querer cojer el culo sin vaselina (Yiyo no te emociones que es un decir hablando en sentido figurado). Y aunque podamos comprar el iPhone al costo con dólar bolivariano, seguro estará rondando los dos palos. Por muy Pro Apple que yo sea, pagar tanto por un teléfono no es precisamente mi taza de té. Por eso prefiero aguardar a que la fiebre pase, la tecnología mejore y los precios bajen. Así pasó con el iPod ¿por qué tiene que ser distinto en este caso? El Sony Ericsson K790i es muy fácil e intuitivo de usar. Su manual apenas pasa por un folleto de CD de 45 páginas que ni siquiera tuve que consultar debido a lo intuitivo y fácil de su operatividad. Su sistema operativo es amigable, fácil de aprender y repleto de ayudas a lo largo de su intrincado menú de funciones. El navegador Web es bastante rápido en comparación con el Motorola, y la densa resolución de su pantalla en modo panorámico ayuda a la lectura sin dificultad. Las opciones de la Agenda son extensas y flexibles. Permitiendo organizar tus contactos telefónicos, direcciones Web, e-milios, direcciones, tareas, notas y calendario con reloj-alarma. Que sincronizan perfectamente con el Mac OS X y sus aplicaciones homólogas (Address Book, iChat y iSync).

Incluso se pueden bajar, a un costo, aplicaciones Java que abren documentos MS Word® y Adobe® PDF ¡excelente! Sólo probé el cupón gratuito que incluye la oferta para bajar juegos Java, entre ellos uno de Spiderman 3 que recuerda los días del SuperNintendo ¡muy bueno! No puedo opinar sobre su desempeño con los e-milios porque no he logrado configurarlo para mi cuenta de GMail. La recepción es excelente, superior al Motorola. Su batería dura bastante (350h stand-by/7h conversación), trae su respectivo cargador pero también carga la pila conectado al computador por el cable USB. Y su administrador de llamadas es un paseo de lo simple e informativo que resulta.

Ahora el lomito, su cámara CyberShot es extraordinaria para un teléfono celular. Es el primer celular SonyEricsson en llevar la marca CyberShot que lo autentifica como una cámara de fotos de verdad (recién anunciaron el segundo, el K850i con un CyberShot de 5MP). Aunque no es rival para una verdadera cámara digital, se presenta como una opción decente cuando no se tiene nada a la mano. La calidad de las fotos es muy buena, en especial gracias a su autofoco y múltiples modos de disparo automatizados para el tipo de iluminación. Incluye el cable USB para transferirlas a tu Mac/PC y un software que lamentablemente viene sólo para Windows. Pero para mi sorpresa, trae una aplicación dentro del teléfono llamada Photo DJ para hacer retoques de contraste, brillo, exposición, niveles y saturación de color sin necesidad de usar tu computadora. Como si fuera un mini-Photoshop ¡pasta! y lo más arrecho es que resulta útil. Pero lo mejor de todo es su Flash integrado que funciona como una cámara de verdad, no la mamadera de gallo de otros celulares con cámaras ñame. La cubierta del lente es un poco molesta, añadiendo grosor al teléfono que arruina su perfil y la línea de diseño.

El Walkman® es un jamón. Los audífonos que trae -con manos libres y activación por voz- son sorpresivamente de calidad, suenan Willy McKay aunque les serviría bien un pelo más de power. La navegación de las canciones es similar al iPod, con carpetas por género, artista y álbum. La calidad de sonido es excelente y lo mejor de todo es que reproduce el formato AAC del iTunes además del tradicional MP3, ¡coño eso no lo hacía el otro teléfono, aparte que era demasiado lento! Pero para mi decepción no se integra con el iTunes para transferir las canciones, debes hacerlo manualmente por medio de su cable USB y el MemoryStick que se monta como un Pen Drive, un fastidio (menos mal que lo hace rápido por su interfaz USB 2.0) Para mi sorpresa, puedo usar los MP3/AAC como ringtones directamente del MemoryStick™, cosa que no podía hacer en el Motorola sin antes pasarlo a su ínfima memoria interna de 5MB que apenas servía para una canción... si acaso cabía. Pero no puedo personalizar los repiques del SMS con ringtones como hacía con el Motorola, triste. En modo de teléfono mantiene un banner al tope de la pantalla con el tema sonando en scrolling y baja el volumen cuando entra una llamada volviéndolo a subir al colgar ¡De Pelos!

"Yo amo al cerro porque nací en el cerro..."
En fin, excelente teléfono que por fin incluye una cámara decente, un reproductor de MP3 (con AAC) de calidad, un organizador completo de utilidad práctica y un navegador Web rápido dentro de un tamaño compacto que no intimida e incomoda como los Smartphones y Blackberrys. Y todo por un costo que no necesariamente tiene que rivalizar con el precio de un laptop como va a ocurrir con el debut del iPhone. Pero seamos sinceros en admitir que todos estamos seducidos y quesúos por esa nueva maravilla que nos trae Apple y que nos va a malcriar una vez más como ocurrió con el iPod. Pero será después, mientras tanto no tengo apuro y puedo esperar gracias al excelente Sony Ericsson K790i. Altísimamente recomendable (a menos que ya tengas el iPhone, je je je).





Pros: Extraordinario teléfono celular. Insuperable paquete de funciones por su tamaño/precio/valor. Extraordinaria cámara para un celular (flash y autofoco). Mas que decente reproductor de Música. Reproduce AAC (MP4). Muy buenos audífonos. Excelente y veloz navegador Web. Intuitivamente fácil de usar. Pantalla de altísima resolución y claridad ante cualquier luz y ángulo de visión. Expandible a 2GB con MemoryStick™ Micro. Usa la música como Ringtones. Impecable performance del software Java. Radio FM. Rápido. Batería ultra rendidora. ¡Coño no cuesta casi nada!
Cons: No permite personalizar los repiques de los SMS usando tus ringtones. Cubierta de lente añade grosor que arruina su perfil. Le falta un pelo de volumen al Walkman.
Veredicto: Willy McKay.

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Sir Bartholomeo

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República Metallica # 22: Disco de la década 2.0


Hay a quienes les gusta la música, y luego existen los verdaderos amantes de la música, para quienes ésta deja de ser una agradable compañía de fondo y pasa a convertirse en mucho más que un hobby, en un estilo de vida, una pasión. Y si además son audiófilos, entonces para ellos la buena música –del estilo que sea– puede llegar a ser una verdadera obsesión. Tiempo, dinero y atención son desviados de su curso natural para dedicarse casi exclusivamente a discos, videos, toques, conciertos, aparatos, cables, revistas, instrumentos y cualquier otra cosa que se relacione con la música. Padres preocupados, estudios/trabajos descuidados y parejas abandonadas son algunas de las consecuencias de la melomanía agravada con audiofilia, mientras que el sujeto que la padece quizás no se dé ni cuenta de lo que sucede a su alrededor.

Pero es que cuando el enfermo está a punto de ver la luz al final del túnel y alcanzar un instante de lucidez, entonces de manera misteriosa cae en sus manos alguna obrita allí que casualmente rezuma pura genialidad musical. Sargeant Pepper Lonely Heart’s Club Band, The Dark Side of the Moon, Back in Black, Nevermind o Master of Puppets son sólo algunos de los discos que es sabido que han llevado a la locura a más de uno.

Son eso que llaman “clásicos”, el elemento más nocivo del mundo para los obsesionados musicales. Son los discos que lo hacen a uno dar gracias por estar vivo. Son los discos que te hacen sentir como justificados todos los reales que te has gastado en música, todo el trabajo que has pasado para conseguirlos, todas las novias que te han dejado por no pararles bola y todos los peos que has tenido con tus viejos por “ese escándalo”. Son los que te hacen darte palmadas en la espalda y felicitarte por tener tan buen gusto.



Esa es exactamente la sensación que tuve al escuchar Fear of a Blank Planet por primera vez. Casi un mes –y 100 dólares después– de su lanzamiento, por fin llegó a mis manos la edición especial ultra limitada del último disco de Porcupine Tree, que incluye un DVD con el audio en DTS 5.1 y un libro de cuarenta páginas con fotos exclusivas, todo el paquete diseñado por el fotógrafo y artista Lasse Hoile. Se dice que de esta edición sólo sacaron unas tres mil unidades en Estados Unidos y otras cinco mil en Europa, por lo cual me costó muchísimo conseguirla, a pesar de haberla presolicitado con semanas de antelación en Amazon y CD Universe. Al final tuve que pagar lo que me quiso cobrar un vivo que se guardó varias copias para sí en espera de subiera su valor de mercado... Pero, oh hermanos, ¡ha valido la pena! Desde ya lo declaro el contendiente más fuerte a disco del año, y se ha metido durísimo en la pelea por el segundo lugar en la categoría disco de la década (todavía no ha salido quien sueñe siquiera con poder desplazar al 10,000 Days de Tool del tope de esa lista).

El de Porcupine Tree es un caso sumamente interesante. Lo que comenzó como proyecto de su líder, cantante y guitarrista, Steven Wilson, para experimentar con música ambiental y psicodélica inspirada en los grandes del rock sinfónico y progresivo de los setenta, se ha convertido hoy en uno de los proyectos musicales más originales y vanguardistas en existencia. Un día Wilson empezó a juntarse con metaleros, como por ejemplo su alto pana Mikael Akerfeldt de Opeth, y como que le empezó a agarrar el gusto a la cabilla, porque su sonido comenzó a hacerse más duro, más incisivo, sin perder en ningún momento la sofisticación y finura original del grupo. El resultado es prácticamente indescriptible.

Algunos los llaman los Pink Floyd actuales, pero son mucho más que eso. Son un rock progresivo, moderno, muy agresivo y crudo pero con un sonido impecable y cristalino. Ojo, nada que ver con la autoindulgencia instrumento-masturbatoria de Dream Theater*. PT pueden llegar a sonar a ratos como lo mejor de U2 o Coldplay, luego traerse al presente los sonidos de Floyd y Camel, y más tarde tirarte unos riffs que suenan a puro Metallica. Todo ello de manera armoniosa, con transiciones imperceptibles y perfectamente naturales.



Y así suena Fear of a Blank Planet. El álbum es una evolución de lo que ya venían haciendo con In Absentia y Deadwing, es decir, introduciendo más elementos de hard rock y metal en su sonido, pero con una interesante vuelta de tuerca, pues mientras algunos se temían que se convirtieran en Opeth, en este disco PT retoman y remodelan muchos de sus elementos más psicodélicos y progresivos de mediados de los noventa. El disco, que es una obra conceptual en torno al tema de la alienación de los niños contemporáneos producto del exceso de información –videojuegos, MTV, Internet– frente a la indiferencia de los padres, se puede resumir en el tema “Anesthetize”, que es casi una sinfonía, una canción de más de 17 minutos en tres partes que sintetiza a la perfección lo que es Porcupine Tree en el siglo XXI.

El track comienza de manera ambiental, con un tono melancólico y temeroso, pero que oculta una fuerza apenas contenida. Luego da paso a un sonido rockero de raíz clásica pero con el toque particular de la banda, con un riff de guitarra aparentemente simple pero montado sobre una métrica compleja y una sección rítmica a contratiempo. De repente, cuando menos te lo esperas, una barrera de sonido explota en tu cara, y miras al equipo de sonido pensando que el carrusel se jodió y se fue de un brinco al “Ghost of Perdition” del Ghost Reveries de Opeth, porque de repente estás escuchando el riff de guitarra y el doble bombo más pesado que jamás has escuchado en tu vida. Simplemente A-C-O-J-O-N-A-N-T-E. Un instante después todo vuelve a la normalidad y te encuentras otra vez en terreno conocido, pero no por mucho tiempo, porque el carrusel salta otra vez pero ahora hasta la sección final de “Wish you Were Here”, del disco homónimo de Pink Floyd, puro rock de los setenta saliendo de tus altavoces, para luego terminar una vez más en clave de melancolía y desesperanza sónica.

El resto de la banda es, como siempre, magistral, sobre todo el baterista, Gavin Harrison, quien es sencillamente increíble –chequeen el DVD en vivo Arriving Somewhere para que vean. Un solo track me fue suficiente para convencer al clan Rural en pleno, lo que no es tarea nada fácil–. La producción y calidad de audio es soberbia, sobre todo si se trata de la versión 5.1 (aunque ésta ya no se consigue, en septiembre lanzarán un DVD-A que seguramente traerá la pista DTS adicional para quienes sólo tienen reproductor de DVD-V). El arte, el booklet, todo el paquete es brutal, sobre todo por la uniformidad que posee y la perfecta representación del concepto, que se complementa además con el excelente video del tema título, dirigido por Holie. Si no han captado el mensaje: ¡muevan ese culo y vayan a comprarlo ya! Un clásico definitivo.



Música: Sir William McKay (★★★★★★)
Sonido: Sir William McKay (★★★★★★)

[CD/DVD Limited Edition. 50 min. 2007 - Atlantic Records]


 

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Porcupine Kaiser


[*] Ojo, el comentario de Dream Theater no es una crítica, ellos son otro de mis grupos favoritos, pero no se puede negar que los panas se emocionan con sus instrumentos.

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How can you know it when you don't even try?

Son pocos los DVD de música que compro comparado con la cantidad de películas que me llegan. No es porque sea más cinéfilo que melómano, sino que son pocos, a mi criterio, los DVDs musicales que ameriten comprar para ver repetidas veces. ColdPlay, como otros artistas de la talla de U2, Depeche Mode y R.E.M. es uno de esos pocos artistas de los cuales no sólo tengo sus discografías completas, sino que también tengo diversos DVDs de sus conciertos.

En esta oportunidad me tocó tarde conseguir el DVD ColdPlay: Live 2003 porque me enfrasqué en buscar la versión especial inglesa en CD/DVD (que abundaba en todas partes hace un año en estuche compacto de SACD con el mismo concierto en CD) y que no compré en su momento por estúpido. Cómo me cansé de buscarla, ahora que sí me dispuse a comprarlo, no lo conseguí ni por error. En su lugar me tuve que conformar con la edición normal en estuche de DVD que sólo trae el concierto. Bueno, no es que no sea una buena edición, pero me hubiese gustado tener el concierto en CD para pasarlo al iTunes, ponerlo en el Batimovil o reventarlo en el equipo cuando no quiero ver video. Suficiente con decir que esta edición es idéntica a aquella menos el CD.

"What if there was no light.
Nothing wrong, nothing right.
What if there was no time?
And no reason or rhyme?"

A Rush of Blood to the Head es el disco en que se concentra este concierto por el año del mismo. Por lo tanto no hay ni una canción del X&Y (espero salga pronto un DVD con un concierto más reciente). También incluye una variada selección de temas del Parachutes -su álbum debut- que son bien recibidas con excelentes temas, aunque éste no haya sido acogido por la audiencia como sus dos trabajos posteriores. A pesar de todo contiene los dos éxitos de ese disco Trouble y Yellow y que son bien conocidos por todos. Aunque se asegura que se grabó en varias locaciones, el escenario principal es en Madrid y de donde sacan casi todas las selecciones para armar el show de 90 minutos. Contiene 17 temas en total que cubren la duración del evento. Con una dirección de cámara dinámica e iluminación colorida. Al mismo tiempo trae un documental de 40 minutos que recoge los pormenores tras bastidores del tour, así como un diario cronológico con fotografías durante la gira de ese mismo año. A pesar de todo no es un simple concierto ya que tiene de todo un poco para complacer a los seguidores como también a los coleccionistas.

"What if I got it wrong?
And no poem or song...
Could put right what I got wrong,
Or make you feel I belong"

El DVD se ve bastante bien, aunque con una dominante suavidad general y alto contenido de gránulo que quedó del transfer de film a video; porque se grabó con film de alta sensibilidad de luz para la escena nocturna del espectáculo. Por lo tanto es de saber que ese tipo de película da un acabado artístico de poca densidad de detalles que no siempre resulta con una imagen de impacto. No obstante se ve bastante bien, no tiene artifactos de compresión evidentes a pesar que el movimiento de cámara es bastante movido. Los colores son intensos y a veces muy saturados, producto de las luces del escenario que alteran los colores reales donde se proyectan. Por fortuna está presentado en Anamorphic Widescreen a full 16x9 (1.85:1), que viene como un alivio dentro de la común denominación de conciertos que usan el tradicional formato cuadrado y que espero desaparezca por completo del medio.

"Every step that you take
Could be your biggest mistake
It could bend or it could break
But that's the risk that you take"

El sonido es el protagonista aquí y no decepciona. Con los dos formatos de sonido surround para flexibilizar y complacer a todos los gustos y necesidades. Siendo la Dolby Digital 5.1 bastante estéril y abrillantada, con estridencia en los brillos que aturde hasta producir fatiga. También se presenta sin coherencia espacial al parecer que cada corneta está aislada de la mezcla. Por suerte sucede lo opuesto en la versión DTS, atmosférica, dinámica, musical, cálida y armoniosa para poder sacarle la mierda al volumen a niveles reales de conciertos. Sin producir fatiga auditiva, estridencia ni distorsión alguna, aunque le falta algo de fuerza en las frecuencias bajas. Esto sin duda fue una decisión de diferentes productores de sonido cuando se mezclan ambas pistas en estudios distintos. Menos mal que uno la hizo bien. Porque la DTS suena del carajo. Altamente recomendable.

Música: Willy McKay (★★★★★)
Video: Pasta (★★★☆☆)
Extras: N/A (☆☆☆☆☆)
Sonido: McKay (★★★★☆)

[DVD: 2004. 90 min. 1-Disco. Zona 0. Color NTSC. Anamorphic Widescreen 1.85:1, Dolby Digital & DTS 5.1 Subt: n/a]

"What if you should decide
That you don't want me there in your life.
That you don't want me there by your side."


-líricas de "What If"/ColdPlay (this time it fits you like a glove)




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Sir Barton

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"The problem with dream girls is that they have a tendency to become real"

Como parte de los más recientes DVDs que llegaron para el Rural Tex Film Vault™ están este par de plásticos que revisé en oportunidades pasadas. Una película y un animado. En este caso el film Lord of War que revisamos el Kaiser y yo en el cine en año pasado, dejó tan buena impresión en mi que ameritó añadirla a la filmoteca. Es un peliculón, no por mi afición a las armas, sino por lo bien llevado de la supuesta historia verídica del personaje de Nicolas Cage como un traficante masivo de armas.

El review lo encontrarán en el articulo de entonces cuando la vimos en cartelera, aquí hablaremos del DVD. ¿Como está? Pues está miamorrr. Un excelente trabajo al llevarlo al plástico. La imagen está transferida con cuidado y buen detalle en preservar el mismo acabado que vi en el film. La presentación está en Anamorphic Widescreen en full 1.85:1 que rellena completamente la proporción 16x9 de los Plasma/LCD/DLP de hoy. El acabado preserva el gránulo de film presente en toda la película, pero a veces presenta un ligero marcado en acentuación artificial del brillo y halos con contorno falso al rededor de los objetos que contrastan con fondos de iluminación fuerte o de color opuesto. Los colores están precisos y lo demuestra la exactitud de los tonos de piel aunque esto varia según el entorno donde se encuentre. Por lo anterior se verá mucho color timing en las diferentes escenas para recrear el ambiente apropiado (lo árido de los paisajes africanos, lo frío de la Nueva York de los '80 con colores lavados y lo surreal de algunas escenas que reflejan el estado de ánimo casi inmutable de Yuri Orlov, el personaje de Gage). Pero sin duda encontrarán una paleta rica en colores en los diversos escenarios naturales y reales donde se filmó esta película. En resumen, los colores bien balanceados, la resolución limitada al tipo de película utilizada por el Director Andrew Niccol y el contraste artístico que varía con las distintas escenenografías hacen de Lord of War un excelente transfer de imagen a DVD.

El sonido es puro lujo sin precedentes. Cuenta con los dos sabores de surround, Dolby Digital y DTS (6.1 Extended). Ambas muy parecidas, pero siendo la DTS-ES la que se lleva el honor en esta oportunidad. Se siente más atmosférica y realista en todos los escenarios. La intensidad y rango dinámico es excelente, en especial sabiendo que los plomos y las explosiones resaltan como los protagonistas mismos durante casi todo el film. Pero es la tridimensionalidad de la mezcla del audio la que merece elogiar, más que los breves momentos de plomazos. En todo momento se siente como si uno estuviera ahí. Los diálogos y la narración de Cage full inteligible aún en los momentos de caos sonoros donde todos los parlantes echan candela, incluso en las situaciones de acción fugaz.

Viene en un Digipack doble con un disco para el film y otro lleno de extras para esta edición especial de colección. Con interesantes documentales sobre el estado mundial del intercambio ilegal de armamento que surte a las guerras y guerrillas, así como los acostumbrados documentales detrás de cámara y cortos relacionados con la producción. Altamente recomendable para tu colección.

[DVD: 2005. 121 min. 2-Discos. Zona 1. Color NTSC. Anamorphic Widescreen 1.78:1, Inglés Dolby Digital-EX 5.1 & DTS-ES 5.1, Subt: Eng/Fra/Esp]

Film: McKay; Video: Willy McKay; Sonido: Willy McKay

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La otra es esta animación, que me gustó por lo humilde y sencilla que fue, para haber logrado resaltar en materia de una buena historia como en el excelente logro técnico. Columbia Animation Studios no será Pixar Animation Studios, pero le está roncando los motores y pronto podría estar soplándole la nuca si se ponen las pilas y continúan mejorando. Su más reciente film con relativo éxito es la cinta Open Season, donde recrean la fábula de un oso y un alce que se meten en peos desde el pueblo hasta en el mismo bosque con el trillado tema de la amistad intercalado.

En un estuche sencillo cubierto por un sobre de cartón, Open Season trae un agradable paquete lleno de extras, animaciones adicionales, story boards y secuencias de construcción del rendering 3D así como detalles de su realización (atención Heyrick). También trae comentarios de las voces y un preview bien completo de la próxima producción animada de Columbia Animation: Surf's Up. También tiene juegos interactivos de la película en contenido DVD-ROM que debes acceder en tu computadora. La imagen fue transferida en Hi-Def y parece que así fuera de lo impresionante de los detalles de los escenarios y las texturas 3D de todos los personajes cuyo pelambre varía de acuerdo a su especie. Un lujo sin contar que los colores resaltan y saturan sin distorsionar. No hay artifactos de compresión MPEG-2, halos ni modulación artificial de la nitidez, por lo que adivino que la tasa de bits debe ser tan alta como la de Toy Story Special Edition (mi nuevo DVD Player no tiene medidor de tasa de bits como la de mi viejo Pioneer, triste). El sonido es simple, bueno, plano, con énfasis en los diálogos y algo de música de fondo. Una pista Dolby Digital sin nada que mencionar de especial, pero suficiente para acompañar este cuento dinámico. Recomendable.

Film: McKay; Video: Willy McKay; Sonido: McKay

[DVD: 2006. 86 min. 1-Disco. Zona 1. Color NTSC. Anamorphic Widescreen 1.85:1, Inglés Dolby Digital 5.1 Subt: Eng/Fra/Esp]



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Sir Barton

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No le plancho el flux ni curdo
Las cosas no mejoraron como esperábamos para el desenlace del drama del WWDC 2007. Sí, contó con la presencia de ningún otro que su real mercurialeza en persona, Steve Josefino Jobs. Pero creo que hizo falta algo más que altas dosis radioactivas del RDF™ para mesmerizar toda a una audiencia de desarrolladores, y más aún tratándose de nosotros los simples mortales. ¿Qué pasó? pues precisamente eso mismo, nada nuevo. Un coño. ¿Y cómo esperaban algo arrollador en materia de nuevos productos si apenas en las últimas semanas vimos como se actualiza casi toda la gamma del hardware de Apple? Sólo la semana pasada vimos a la MacBook Pro tan rejuvenecida que la denunciamos al Major League Baseball para una investigación de abuso de esteroides. Pocos días atrás le tocó a la MacBook que poco ofreció ante su versión anterior. Y si de inesperadas actualizaciones hablamos, hace dos meses la Mac Pro se anunció con ocho cerebros para los que no se conforman con dos... o cuatro, porque hoy día tener un sólo procesador en tu máquina es taaaan del siglo pasado...


Finder's keepers, loser's weepers: El Finder por fin recibe el trato visual e intuitivo que debió tener desde los días del Mac OS 8 (cuando esperábamos al Rhapsody). Eliminado -por fin- el detestable acabado metálico de la ventana de navegación de los archivos. Usando el mismo acabado limpio que viene dándose desde los iApps, añadiendo nuevas funciones de estructura de navegación. Como la del Quick View, que te permite ver documentos y hasta videos sin necesidad de abrirlos con las aplicaciones correspondientes. La apariencia del Dock cambia ligeramente dejando ver a los iconos sobre un plano tridimensional. La barra de menú se vuelve más traslúcida que nunca. También una visión adicional a las columnas/iconos/lista que muestra las cubiertas de los documentos al igual que lo hacen las carátulas de los discos en el iTunes, ¡Willy McKay!


This is small potatoes, lunch money at best
Si te decimos que traigas a tu hermana, es porque no nos inmutas. Tenemos que entretenernos con algo mequetrefes. Así que con la posible eliminación del Mac mini y todos los modelos actualizados menos el iMac (no se sorprendan si las actualizan antes de final de mes), entonces qué podíamos esperar para el keynote del WWDC 2007? ¿El iPhone? ¡Errrr! Noticia vieja, la gente quiere ver pornos nuevas, las viejas no dan cosquillas. Pues así se sintió este pasado WWDC 2007 con el mismo cassette del año pasado que no mostró gran cosa nueva en lo ya conocido del Mac OS X 10.5 Leopard. Esperábamos esas características secretas que no podían revelarse entonces por aquello de que el Vista aún no salía al mercado y temían que Microshaft® se pudiera copiar a última hora. ¿Pero qué se iban a copiar? ¿Los Stacks y el Quick Look del nuevo Finder? Gran huevonada, hubiese sido preferible ocultar a Time Machine, Spaces y al CORE Animation que bien parecen ser mejores blancos de envidia por parte de Microshit®. Pero no, pequeñas patatas fue lo que reservaron en Cupertino para "asombrar" a los desarrolladores y consumidores previo a su lanzamiento este Octubre.



Time After Time Mac OS Stomps Windows: El cambio funcional también se ve a simple VISTA (ejem). Con la función de Stacks que apila iconos similares de aplicaciones y documentos con el fin de eliminar tanto desorden en el escritorio y de tantos "temporales" que dejamos regados por ahí.


Si no vas a traer a tu hermana, trae una botella la próxima vez
A diferencia de Apple, nosotros no vamos a repetir lo mismo del año pasado sobre las características más resaltantes e importantes de la nueva actualización masiva del Mac OS X. Retiene las mismas funciones importantes, al menos para nosotros, del punto de vista que debe ser un verdadero Sistema Operativo y que debieron ser los puntos de enfoque de Apple en su promoción. No las pendejadas y mariqueras animadas que atraen y emocionan a todos, sino las que hacen al OS de verdad e importan más a la larga cuando se hace vieja la costumbre que dejan los muñequitos y animaciones. Me refiero al performance (Multi-Core), el rendimiento (64bit), la arquitectura funcional (UNIX) y sobre todo la seguridad que al final es lo que constituye la base de un verdadero Sistema Operativo poderoso y seguro. Si no, pregúntenla a cada usuario común de Windows las peripecias que tiene que hacer para mantener a flote ese pote con tantos anti-virus, anti-spam, anti-spyware y anti-gripal (bueno, quizás no el último). Va a estar cojonudo, apenas puedo esperar a Octubre.


Sir Barton
Safari 3.0 y Windows: Por si fuera poco otra de las actualizaciones fuertes que trae el Leopard es su navegador estelar Safari. Que cuenta con las mismas prestaciones que su versión anterior, sólo que añade nuevas prestaciones a su ya reconocida paleta de servicios. Entre las novedades cuenta con un visor de documentos PDF que contiene una barra de controles para manipularlos. También trae un convertidor de páginas Web a widgets para hacer accesos directos de éstas en el Dashboard. Por otra parte advierte ser mucho más rápido que los navegadores rivales más populares de la plataforma, como el Firefox y el Opera. Pero no tomen la palabra de Apple, el Beta público está disponible en http://www.apple.com/safari/ para bajarlo e instalarlo en tu Mac y lo puedas experimentar de primera mano. Pero eso no es todo, Safari se convierte en la tercera aplicación en portearse para el lado oscuro (Windows) después del Quicktime y el iTunes. De esta manera Apple espera competir en el mercado de usuarios de los navegadores al darle la oportunidad a los usuarios de "la otra plataforma" en experimentar un navegador de verdad. Apple lo demuestra agresivamente no sólo exponiendo las ventajas y virtudes del Safari ante el obsoleto Internet Explorer, sino que también pone a disposición la versión Beta del navegador para probarla en vivo. Pero no sin apuntar con gráficos demostraciones que el Safari es mas seguro, rápido, simple y flexible que el navegador de Microshit® que tiene dogmatizada al 78% de los usuarios de Internet del mundo. Con esto espero que los usuarios del Windows sepan apreciar lo importante que es navegar en Internet de verdad, porque el pobre Firefox no ha podido hacer mella en el mercado de usuarios del IE por más superioridad que éste tenga sobre aquel. Bajen Safari, bajen Firefox, bajen el que más les guste menos el Internet Explorer. Recuerden que este Blog no se visualiza correctamente en el IE y no es por capricho nuestro ni por ser parcializados hacia el Macintosh. La culpa es del sino del pobre diseño de su obsoleto código. Qué fácil es entender que la mayoría de los males que achacan a los PCs, entiéndase por virus, spyware y adware, sin contar con los problemas de seguridad en la red, vienen por medio del Internet Explorer. ¿Solución? ¡Usa cualquier otro!

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Tukkulo Sakayama en 3D

No todas las animaciones que me gustan están en la categoría de "Todo Público" como las comedias familiares de Pixar y sus imitadores. Existen muchas otras que satisfacen un gusto por un género más complejo, con tramas más profundas y personajes muy distintos a los memorables y adorables animalitos y juguetes. En este caso, existen muchos films animados con este estilo orientado hacia el adulto. Unos rayando en lo extremo, casi pornográfico y con violencia gore, como Heavy Metal (1981), que es todo un clásico de culto y no hace falta que lo comentemos porque lo deben haber visto hasta en cansancio.

Otras por su parte, no son tan intensas ni tan violentas, pero sí fumadas como las excelentes Animatrix que complementan los huecos dejados por los Hermanos Wachowski en su mundo de The Matrix (también brillantemente ejecutados). Pero el lugar de donde vienen los mejores films animados para adultos sin duda es la tierra del sol naciente. Los Nipones tienen un linaje impecable cuando se trata de animaciones (tradicionales y ahora en 3D), que cubren un espectro imaginario donde no llegan las fábulas y comedias americanas. Akira (1988), Ghost In The Shell (1995), Ghost In The Shell II: Innocence (2004) y los films del genio Hayao Miyazaki están en el salón de honor del Anime; aunque los de este último entran en la categoría de "Todo Público", no debemos olvidar su aporte importante al género (Castle in the Sky [1986], Kiki's Delivery Service [1989], Princess Mononoke [1997], Spirited Away [2004] y Howl's Moving Castle [2004]). Así como también existe un subgénero de clásicos del Animé para la televisión, con igual grado de importancia que los films y que datan desde Mazinger Z de 1972 hasta Ergo Proxy en 2006.

En esta oportunidad me llegó junto a los plásticos animados que revisamos la semana pasada, esta joya de la animación japonesa y una de las primeras -de ese país- en aventurarse seriamente en el campo 3D digital. Final Fantasy VII: Advent Children es la primera encarnación en un largometraje sobre la afamada serie de video juegos que debutó en 1988 en el Nintendo, y que consagró a la fama la consola PlayStation a finales de los noventa. Final Fantasy o Fainaru Fantajī en nipón, es una serie ideada por la compañía Square Enix que comenzó como un juego de roles RPG (Role Playing Game) para la NES (Nintendo Entertainment System) y que terminó despegando hacia el éxito gracias al PlayStation donde la compañía SCE se ha enfocado en los últimos años (y no lo descuídan porque vienen más juegos para el PS3).



La serie consiste en historias no relacionadas que centran su juego de rol en la fantasía, con la luchas entre bandos que representan historia, literatura, religión y mitología. Con batallas recurrentes y ambientaciones de ciencia ficción retro como los que vemos en The Matrix, Brazil y Blade Runner (mezcla de tecnología de vanguardia con estilo antiguo y medieval). No confundan la secuencia de la numeración como una serie de secuelas que se continúan. FF no tiene relación entre todas sus historias. Muchas son independientes a pesar que se repiten motiffs, elementos, ambientes, escenarios y hasta la reaparición de personajes y bestias. Por lo tanto no crean que hay seis películas anteriores a esta. Final Fantasy VII: Advent Children es, de hecho, la primera versión oficial de la franquicia llevada a film, aunque antes se hayan hecho otros OVA como FFVII: Last Order en animación tradicional, FF: Spirits Within en su versión fílmica americana -en 3D- y una mini-serie animada para la TV: Final Fantasy Unlimited. Todas historias distintas.

En este caso FF: Advent Children es la primera versión para cine -en 3D- de parte de los japoneses, y de la propia productora y autora de la serie Square Enix. Es una continuación a la historia del clásico juego del PSOne "Final Fantasy VII" con la eterna rivalidad entre Cloud y el bad-ass Sephiroth. El resultado es increíble. No conformes con el hito tecnológico alcanzado por la versión americana en 2001 (FF: Spirits Within), los nipones quisieron llevarlo a un grado más de realismo y perfección y lo lograron. La animación es perfecta, aunque usaron motion capture, pero perfecta sin duda alguna. Con texturas tan reales y tridimensionales que sobresalen de tu pantalla. Donde terminaron los esfuerzos de la versión americana, que sólo se concentró en los resultados de su impecable animación descuidando el guión, es donde apenas comenzaron los esfuerzos en la versión japonesa: el sólido guión. Guión digno de los mejores films de Hollywood, con personajes desarrollados, trama densa y profundidad intelectual para meditar. Definitivamente una joya que amerita ver una y otra vez no sólo por sus gráficos espectaculares, sino por lo complejo de su trama que se compara con la clásica Ghost In The Shell.

La transferencia a DVD en la imagen es Sir William McKay, aunque ligeramente suave en resolución que quizás forma parte de su acabado etéreo y fantasioso. Quizás un toque artístico a drede por el director co-creador Tetsuya Nomura. El sonido es referencial, punto, no se diga más. Dolby Digital 5.1 en japonés que caga. El estuche en este caso es la edición limitada para coleccionistas que trae la misma edición doble DVD en cajita tradicional como viene la versión normal. Pero viene dentro de una caja negra que incluye postales a full color con cada personaje, el guión, folletos ilustrativos y la novela. Un lujo para tu colección de animaciones. Altamente recomendable.

Film: Willy McKay; Video: Sir William McKay; Sonido: Willy McKay

[DVD: 2006. 101 min. 2-Discos. Zona 1. Color NTSC. Anamorphic Widescreen 1.85:1, Japones Dolby Digital 5.1 (doblaje al inglés y francés en DD 5.1), Subt: Eng/Fra/Esp/Por/Kor/Tha/Man/Can/Jap]



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Misobako Yanosuda

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30 años atrás el cine no volvió a ser el mismo



Hace mucho tiempo atrás, en una galaxia muy muy lejana...

Si hacemos un recuento de hechos, durante el transcurso de la década de los 70 el cine gravitaba entre el género de catástrofes tipo The Towering Inferno, The Poseidon Adventure y Earthquake, y en títulos de perspectivas más pesimistas con énfasis en la figura del antihéroe a la manera de The French Connection, los dos números de The Godfather, Mean Streets, A Clockwork Orange, Chinatown, Taxi Driver y The Exorcist, por citar unos cuantos, amén de producirse en la industria cinematográfica norteamericana el llamado cine de autor a la usanza del que se hacía en Europa. Era la época de las máquinas de risa de Woody Allen, del estilo callejero de Martin Scorsese, de los blockbusters de Steven Spielberg y de la experimentación con el terror y el film noir hecha por Brian De Palma. También fue la época de George Lucas.

Luego de haber hecho dos piezas de diferente tenor; a saber, THX 1138 y American Graffiti, Lucas decide mezclar a Kurosawa con Flash Gordon, cowboys, space opera, Beowulf, J. R. R. Tolkien y Joseph Campbell de entre muchas influencias literarias y cinematográficas que pueblan su saga, para hacer una obra sobre el bien y el mal –el tema principal de toda la historia de la humanidad- que mezcla el espíritu del cine de autor con el espectáculo a la manera de las matinés fílmicas de los sábados por la tarde en décadas previas. Y esto fue lo que a partir del 25 de mayo de 1977 marcaría un antes y un después en la forma como se hace cine. Ese día se estrenó Star Wars.

El Lado Visible de la Fuerza

En la primera foto: De izq. a der. Harrison Ford (Solo), David Prowse (Darth Vader), Peter Mayhew (Chewbacca), Carrie Fisher (Leia) y Mark Hamill (Luke). Segunda foto: Escena en el Bar de Mos Eisley.

Puede que redundemos en el hecho de que además de marcar a varias generaciones de cinéfilos de todas las edades en el mundo –a manera particular fue la segunda experiencia de entender qué era lo que estaba viendo a la tierna edad de 5 años; la primera fue Close Encounters Of The Third Kind de Steven Spielberg–, Star Wars significó el regreso del género de los efectos especiales, abandonado en la década de los 60 debido al fin del star system, la venta de los estudios de cine a grandes corporaciones, la tendencia de los directores a hacer películas más enraizadas en la realidad como consecuencia del panorama social imperante en Norteamérica y la baja rentabilidad generada por el formato (la más taquillera hasta ese momento era 2001: A Space Odyssey de Stanley Kubrick, con más de $ 10 millones). Sin contar que desde la década de los 60 la ciencia ficción se situó del lado de las distopías para describir futuros apocalípticos (Soylent Green, Logan's Run, THX 1138, etc). Por primera vez en mucho tiempo se les permitió a las audiencias soñar y expandir la imaginación sin sentir que se minimizaba su sentido de madurez, sino elevándolo al punto de hacerlo aceptable.

Además de esto, Star Wars –renombrada en 1997 como Star Wars Episode IV: A New Hope– sirvió para oxigenar el medio cinematográfico poblado de pesimismo y desesperanza en cuanto a lo argumental y lo visual, sin contar el hecho de que muchas películas pecaban de ser pretenciosamente intelectuales y cerebrales. Permitió que el sonido, un elemento tomado a menos en el pasado, sirviera como puente para asociar imágenes y estados de ánimo; Star Wars fue uno de los primeros filmes en hacer uso del Dolby Stereo™ que se convertiría en un standard habitual en todas las películas.

Propulsó las carreras de sus protagonistas, Mark Hamill, Carrie Fisher, en especial la de Harrison Ford, y en el camino convirtió a George Lucas en uno de los hombres más influyentes en la historia del cine a la par de George Meliés, Orson Welles, Cecile B. DeMille o John Ford, tanto por su obra como por las empresas creadas a raíz del éxito de sus filmes; a saber, THX, Industrial Light & Magic y Skywalker Sound, por mencionar las más importantes en la producción de películas. Y en un plano más comercial, sirvió para inaugurar el campo del mercadeo de cine en todos los ámbitos posibles; entre estos: juguetes, videojuegos y libros, algo inconcebible antes: merchandising.

El Lado Oscuro de la Fuerza

Escenas de Luke Skywalker en el depósito de basura de la Estrella de la Muerte y luego vestido para destruirla.

A la par de estos logros, lo que se inició en 1977 con Star Wars también trajo consigo elementos no tan memorables. Como consecuencia de su estreno, muchos estudios de cine se enfrascaron hasta el sol de hoy en hallar la próxima Star Wars; es decir, una película que sea tan taquillera o más que la que nos ocupa. Y en el camino se han producido desastres artísticos de consecuencias catastróficas. Bodrios como Starship Troopers, Battlefield Earth, Event Horizon, Red Planet y Aeon Flux, si bien no son todos filmes de ciencia ficción de acción, sí están imbuidas del espíritu de ser la próxima 'Sci-Fi wonder'. Y los resultados han sido poco más que bazofias sin atenuantes.

Una extensión del concepto anterior está en la creación de franquicias cinematográficas. Al igual que con los Episodios V y VI además de los tres de la precuela, todas y cada una de las fábricas de sueños se han dedicado a hacer secuelas, segundas, terceras y hasta sextas partes (el caso de Rocky) de filmes que en muchos casos funcionaron al principio, pero que se desinflan al agotar el material o crear absurdos argumentales en aras de vender más entradas y 'merchandising' relacionado con los filmes que tienen a mal crear. Si quieren pruebas, analicen la tercera parte de Spider-Man, la segunda y tercera parte de Pirates Of The Caribbean, por citar dos casos recientes. Hasta Spielberg ha caído en esta trampa al permitir en un caso y dirigir en el otro secuelas de su obra maestra Jurassic Park.

Esto, sin contar con el hecho que Star Wars sirvió para hacer patente la división fílmica en el año, donde los llamados filmes de verano con tramas ligeras y aptos para todo público se estrenan a mitad del año, y los de tono serio que concursan por los Oscars™ para finales de otoño, como si fuese poco más que impensable que una película seria no pueda apelar a las masas y viceversa. Afortunadamente en esto último se ha encargado de desmitificarlo Peter Jackson al estrenar en diciembre las correspondientes películas de la Trilogía de The Lord Of The Rings, ganando Premios de la Academia al por mayor en los meses posteriores a sus estrenos.

Además, Star Wars ha significado un descenso en la productividad y creatividad de George Lucas. Luego de haber dirigido el Episodio IV y haber encargado los guiones y la dirección de los Episodios V y VI, Lucas se estancó en cuanto a la creación fílmica, salvo en la colaboración con Spielberg en la maravilla de Raiders Of The Lost Ark –otra franquicia más–. Al terminar estas tres primeras películas, cualquiera podría haber hecho otra clase de filmes para variar los temas y demostrar versatilidad, por ejemplo: dramas, comedias o policiales. Más debido a que Lucas no le gusta mucho el proceso de selección de actores para sus películas y la dirección le parece cansona por momentos. Cuando en 1999 se estrenó la primera de las películas de la precuela, Star Wars Ep. I: The Phantom Menace (con uno de los seres más detestables del cine: Jar Jar Binks), el paso de más de 20 años sin dirigir material nuevo hizo mella en su proceso creador; esto sin contar con que ese mismo año se estrenaría la primera de las películas de The Matrix que simbolizó un soplo de frescura en lo argumental, en efectos especiales y en la dirección de actores en el Sci-Fi Cyberpunk... un par de años después tocaría a la Trilogía de Tolkien. En resumen, Lucas ya no estaba casado con su saga intergaláctica.

El Lado de un Fan

Primera: George Lucas y equipo con Mayhew en traje de Chewie. Segunda: Lucas inspirado en el desierto de Tunisia. Tercera: Kenny Baker ajustándose dentro del androide más famoso del cine: R2-D2.

Apartando lo malo que se mencionó, también Star Wars significó algo para todos aquellos que vieron en su momento la película y para los que vinieron después. Sirvió para lograr romper por unos instantes la tan comentada brecha generacional. Por primera vez en siglos, padres e hijos compartían un gusto y una devoción rayando en lo obsesivo en ocasiones. En algunas partes del mundo se ha inventado hasta una religión basada en el concepto de La Fuerza.

Para los que crecimos con los filmes, significó una muy buena cantidad de juguetes relacionados con las películas (que eran fabricados por la compañía Kenner Toys) en cumpleaños, Navidades, intercambios de regalos, y en fechas recientes en cajitas felices. ¡Cómo olvidar el R2-D2 que llevaba 3 pilas y era manejado por un control remoto que también llevaba una pila! O el Millennium Falcon, la Estrella de la Muerte, las figuras de los protagonistas. Y por supuesto, los light sabers. Sin contar en años recientes con las películas en cualquier formato: VHS, LaserDisc, DVD, etc.

Así mismo, Star Wars introdujo en nuestro lenguaje palabras arquetípicas. La Fuerza, Luke Skywalker, Han Solo, Obi-Wan Kenobi, Darth Vader, C-3PO, R2-D2, Chewbacca, Jabba The Hut, Jedi, Storm Troopers, hyperspace, Estrella de la Muerte, Mos Eisley, Tatooine, Alderaan, el Imperio, y muchas más que fomentaron la imaginación y la creatividad en millones de personas en el mundo.

Esto es lo que significó que el 25 de mayo de 1977 el cine volviese a fantasear, a crear historias, personajes y mundos diferentes al cotidiano para luego convertirse en parte de nuestro panorama y de nuestra formación como seres humanos. A manera personal –y disculpen el acto–, mi episodio favorito de los seis que conforman la saga es precisamente el ahora conocido como Episodio IV, y que en 1977 marcó una pauta en la creación artística –en mi persona– y por el cual celebramos la pasada semana sus treinta años… y que se llamaba Star Wars.



The Force will be with you. Always!

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Spaceman Jedi Luke Spiff

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