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Rural Tex es un estúpido portal web de noticias y reseñas sobre videojuegos y cine popular. Combatiendo el mal gusto desde 2005 (nos está costando mucho) Influenciados por nuestra cultura geek de Comic Books & Gaming, hacemos Periodismo Gonzo de tercera en este 'Colosal Desperdicio de Ancho de Banda'

ÚLTIMAS RESEÑAS

Las últimas reseñas de videojuegos y cine. También a veces música, Apple o audio. Rural Tex™ no apoya la piratería, todo medio que se revisa es adquirido legal y estrictamente original.


Más en el Archivo de Reseñas.

CALIFICAMOS ASÍ

Nuestra escala para calificar las reseñas del 1 al 5. Con el Sir William McKay reservado sólo a la excelencia.

  • Sir William McKay: Aleph One.
  • Willy McKay: ¡Non-Plus-Ultra!
  • McKay: Muy bueno, peeero…
  • Pasta: Ta' bien… ta' bien…
  • Mancao: Coleto impresentable.
  • Ñame: ¡Que nos devuelvan el tiempo y dinero que perdimos en revisar esta grandísima porqueria! CULAZO!
WEB-ONADAS

LECTURA No Girls Allowed? I'm not your fucking shield!. Una opinión sobre el sonado caso del #gamergate desde la perspectiva del Editor en Jefe. –Bart

LECTURA Behavioural realism and the activation of aggressive concepts in violent video games. Un estudio extenso realizado por la Universidad de York que –una vez más– demuestra que no existe nexo entre el comportamiento violento a ninguna edad con los videojuegos de corte violento. –Rural Tex

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¡Cállese Sapo!



Granujas, el film del año a mi juicio. The Departed constata lo que todos hemos visto durante años y que la estúpida Academia de Ciencias y Artes ha ignorado durante el mismo tiempo: Martin Scorsese es un genio, punto. El que esté de acuerdo está invitado a degustar unas espumosas discutiendo sus films desde Raging Bull y Taxi Driver hasta el presente; el que no, será respetuosamente insultado.

Verga qué película mequetrefes, confieso mi error al no haberla podido ver en cartelera. Pero tengo una excusa para justificarme, cuando la fui a ver con una entrada de cortesía durante la semana de su estreno (andaba mamando y loco), me tiraron pa’l techo porque los pases no tenían validez para los estrenos (sólo para películas podrías). Aparte de mandarlos para la mierda y exigirles que me chuparan las bolas, juré que no volvería más a esa cadena de cine (Cinex). Bueno, lo bueno se hace esperar, también porque esta película llevaba casi tres meses eludiéndome en el clubecito donde RTx™ saca sus plásticos para alimentar sus Home Theaters. Hijos de la gran chingada, esta es la película ¡coño!

Ustedes saben el gusto -fetiche- por la mafia y las armas que tenemos en RTx™. Tanto, como la que tenemos por el cine y la música. Así que, si hay hambrientos por el tema de la mafia entre los lectores de este patético Blog, no busquen más, con The Departed hay para una sobredosis y con clase. Para nosotros lo fue, sobre todo porque pone a prueba un tema muy delicado y sagrado en nuestro círculo de amigos, la lealtad y la confianza. No hay cabida para sapos en Rural Tex... al menos fuera de un ataúd.



Marty nos engalana con una historia que, aunque acusan con propiedad que es un refrito de una versión asiática, dudo que la original tenga siquiera una vela que prenderle a la versión Scorseseana. Por favor, ¿quién osa compararse con el Director de Casino y Goodfellas? Que arda en las profundidades del calcitrante infierno por su atrevimiento. Scorsese es como un Picasso, puede agarrar cualquier vaina y convertirla en una obra de arte aunque repinte sobre ella con creyones.

Así no sea de su completa autoría, The Departed muestra una historia de la Mafia Irlandesa con mas vueltas que una carrera de NASCAR. Tremenda dirección, con una sobria cinematografía como la que nos ha acostumbrado desde siempre. El ritmo sin precedentes, tanto que te mantiene al filo escena tras escena. No hay momentos flojos, más bien hay suspenso y tensión, con sorpresas a cada momento que eluden la predictibilidad de relacionarla con clichés y tramas repetitivas de otras películas. Triste por los mamapipes que han desmeritado la adaptación de Marty, porque The Departed se convirtió en uno más de sus clásicos. No me hagan empezar a hablar del reparto que estuvo de la puta madre. Con Jack Nicholson demostrando que todavía tiene con qué. Junto a los tres favoritos de quien escribe, Leonardito (Leonardo DiCaprio), Jason Bourne (Matt Damon) y el siempre excelente Marky Mark (Mark Wahlberg). El calibre del Culojillón Baldwin (Alec Baldwin), Martin Sheen y Ray Winstone (Sexy Beast, The Proposition), añaden puro cartel.

El DVD es un simple 'Pasta' por todos lados. No inmuta mucho en la imagen ni tampoco en el sonido. Parece casi un film monoaural por su intensificada actividad en el canal central, aunque en los momentos de acción reviven las 5 cornetas restantes que conforman el Dolby Digital 5.1 surround. Lo mismo con la imagen, aunque limpia, sin defectos de compresión e imperfecciones, le falta dimensión para resaltar como una imagen tridimensional. En particular con la precisión del color que, a momentos, me pareció que no le prestaron atención durante el transfer a DVD, por los tonos de piel semi magenta-rojizo en algunas tomas. Altísimamente recomendable.

Film: Sir William McKay; Video: Pasta; Sonido: Pasta

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McBarton

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HD-DVD vs. Blu-ray Disc pt. 1



Introducción: Los Rojos contra los Azules
No mequetrefes, no vamos a hablar de política, recuerden que esta es su sección Hablemos de Audio, donde exponemos las menudencias del mundo del Audio y del Home Theater. Conmemorando los 10 años del lanzamiento del DVD -24 de Marzo de 1997- aprovecho la oportunidad para tocar el tema del los formatos de videodisco en alta definición que debutan y compiten por suplantar al DVD ¿lo creen posible? yo no. Les diré mis razones justificadas en esta edición de tres partes.

¿Recuerdan cuando el DVD fue introducido al mercado? Fue un éxito sin cuestionamiento y sin precedentes. Pero meses antes de su lanzamiento oficial, habían dos formatos compitiendo por ganar la propuesta del nuevo videodisco. Que por fortuna terminaron combinándose para evitar la incómoda guerra de formatos como ocurrió en el plano del videocasete con el Beta y el VHS. Las muchas similitudes entre ambas propuestas (el modelo de Sony/Philips vs. el modelo de Toshiba/Pioneer), fue la clave para combinarse en un formato único que resultó ser el DVD que disfrutamos actualmente. ¿El resultado? ya es historia, mejor no lo pudo predecir el slogan de la campaña cuando debutó hace 10 años: "El DVD hará para tus películas, lo mismo que el CD hizo para tu música". Fue análogo al éxito del CD; lo que el CD hizo frente al vinil, lo repitió el DVD frente al videocasete.

Entrado el nuevo siglo y con él la fiebre por la alta definición. Se propone hacer un nuevo formato para la música que reemplace al CD con mejoras radicales en calidad de sonido y la opción del surround. Desafortunadamente esta vez no hubo acuerdos y salieron -2000- dos formatos físicamente idénticos pero incompatibles entre sí, que se disputan por ganarse un lugar como el nuevo estándar de la música (ver DVD-A vs. SACD para ampliar mejor sobre este tema). ¿Que no los conocen? claro granujas, porque pelaron bola. ¿Por qué fracasaron? lean el artículo referente a este tema donde lo analizamos mejor. Ahora viene la propuesta por un formato de alta definición de videodisco para reemplazar al DVD y se repite la historia. De nuevo, dos propuestas físicamente iguales (la misma forma y figura de un CD/DVD) pero distintas e incongruentes en su tecnología funcional, parten por su cuenta abriendo una nueva guerra de formatos: el HD-DVD y el Blu-Ray Disc.



¿Qué es lo que no hemos aprendido de las batallas de formatos homólogos que volvemos a caer en el mismo error? Entre el Beta y el VHS sólo salieron perdedores: todos, consumidores y fabricantes por igual. Terminó ganando el formato inferior (el VHS) porque al final quien decide no es el purista; si no cala en la preferencia de la mayoría, se hunde al fondo del mar. Allá abajo con el Titanic están en DCC, el DAT y el MiniDisc (todos quisieron ser formatos mainstream pero también fracasaron, salvo el MiniDisc que sobrevive entre entusiastas y DJs). El DVD-A y el SACD sobreviven sólo por la aceptación de los audiófilos, no porque hayan sucedido al CD como el nuevo estándar del mercado como planeaba. Ni siquiera por el hecho que existen decks que reproducen ambos formatos ha ayudado a aumentar su popularidad y aceptación. Pero su objetivo era matar al CD y ser el nuevo formato de audio, por lo tanto también fracasaron a pesar de su mediocre éxito entre los puristas del Audio. Mientras, el CD continúa reinando sin rivales o amenazas aparentes.

Al parecer y por los vientos que soplan se vuelve a repetir la historia, pero en este caso en el campo del video. No suficiente con saber la confusión y el temor que deja una batalla de formatos en el consumidor -menos aún las nefastas consecuencias de un posible fracaso asegurado- de nuevo se aventuran dos campos enfrentados por suceder a un estándar que quizás no necesite ser reemplazado. El Blu-Ray Disc y el HD-DVD toman trincheras en una nueva batalla por convencerte que es hora de decirle adiós al DVD para abrazar -otra vez- a un nuevo videodisco sólo que en alta definición. ¿Tan buenos son que merece la pena volver a comprar otro aparato además de recomprar casi toda mi colección de películas? Con la pantalla correcta, sí.

Al igual que los formatos de alta definición de audio, estos formatos de alta definición de video cumplen con una mejora en la experiencia final. Pero de igual manera, presentan complejidades, costos elevados y criterio experto para apreciar la diferencia que al final no importa a la mayoría. Vamos a exponerlo de esta manera para cerrar esta introducción: Analizando atrás en el tiempo, verán que otros factores incidieron más en el éxito del CD y del DVD -en su aceptación masiva como nuevo estándar- que la mejora radical que ofrecieron en sonido e imagen respectivamente. ¿Cuáles? lean las dos notas abajo con los ejemplos para cada caso. En la próxima parte abordaremos ambos formatos minuciosamente, veremos qué son y a qué saben. ¿Qué opinan? Bienfor.

A continuación... Parte 2

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Sir Barton


Antes del CD, era normal comprar música en discos grandes, no los podías llevar contigo para escucharlos en el carro, en el radio de playa, ni en el portátil, y su transporte era delicado. Había que voltearlos para tener larga duración, limpiarlos con constancia, lidiar con los efectos sonoros de la estática, las rayas, el polvo y el desgaste -tanto del disco como de las agujas- aún con decks costosos como un Garrard o un Linn (Dios se apiade de ti si usabas un 3-en-1). Además las vibraciones, cambio periódico de agujas y limitada resolución formaban parte de lo cotidiano. El CD acabó con todo eso para no entrar en redundancias, se volteó el paradigma tan radicalmente que su éxito se volvió inevitable. El DVD-A y el SACD no traen nada nuevo, funcionan exactamente igual que un CD (incluyendo su forma física), pero, a pesar que ofrecen una mejora en calidad de sonido, no es tan dramática como la del CD ante el vinil y las complejidades que traen opacan esa tentadora oferta.

Antes del DVD, tus videos venían en casetes bultosos. ¿Portátil? sólo en tus sueños. Se necesitaban dos cintas para películas épicas. Era costumbre rebobinar y buscar escenas a ciegas. El desgaste era inevitable en la degradación progresiva de la calidad de imagen (cinta y cabezal). Calidad de imagen que no era gran cosa para empezar. Limpiar cabezales –o reemplazarlos- era normal. Las películas venían formateadas para la TV, ¿widescreen? ¡ja ja ja! buen chiste. Por fortuna había un escape, el LaserDisc, pero su costo era prohibitivo para que se volviera un estándar popular, aparte que no grababa, por lo que el consumidor popular estaba condenado a la cinta. El DVD acabó con todo eso para no entrar en redundancias, se volteó el paradigma tan radicalmente que su éxito se volvió inevitable. ¿Ven el patrón? ¿Creen que este escenario se repita análogamente con el Blu-Ray y el HD-DVD ante el DVD? ¿O por el contrario la historia vuelva a repetirse como ocurrió con el SACD y el DVD-A frente al CD?

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Retroceder Nunca, Rendirse Jamás



Pocas veces uno presencia en el cine un festín visual de proporciones artísticas épicas como lo hizo 300 en su fin de semana de premiere. El Team Rural completo se presentó a verla para constatar las críticas mixtas y dar nuestra opinión. Aunque el traget de este film y su objetivo sensacionalista está claramente apuntado en los cortes, se reserva la sorpresa de mostrar expresionismo gráfico en sus máximas para no quedar como una simple glorificación gratuita de violencia, efectos especiales y acción sin sentido.

Basada en la novela gráfica semi-histórica y semi-comic del genial Frank Miller (Sin City), 300 representa la historia hecha leyenda de la glorificada Batalla de las Termópilas entre los Persas y los Espartanos en la Grecia del 480 a.C. Aunque no soy un Elías Pino Iturrieta (profesor de historia de la UCAB a quien le debo gran admiración), les comento brevemente que este hecho histórico está más que documentado por más tinte de leyenda que le haya añadido el paso de dos milenios. Aunque estén advertidos que el film se concentra más en la adaptación del comic -que se inspira superficialmente en la historia real- que en la factibilidad histórica del mismo. Cuidado, en ningún momento se dice lo contrario.



Fueron tres días de inspiradora resistencia por parte de tres centenares de espartanos (junto al apoyo de unos 700 ilotas Atenienses), contra los millares del imperial ejército Persa durante su cruzada conquistadora. Honor, lealtad y gloria fue el legado que dejó el enfrentamiento del irreductible Leonidas, Rey de Esparta y sus leales 300 hoplitas, contra la casi indetenible fuerza del Imperio Persa del tirano Xerxes. Su ejemplo de valor, determinación, lealtad, dar todo por el honor -a pesar de las adveniencias y desventaja numérica- fue lo que inspiró a futuros guerreros como Alejandro Magno (356 al 323 a.C.), quien también ocupa un lugar honorífico en la historia griega por su precoz despliegue como soldado y estratega (quien terminó por conquistar y doblegar al Imperio Persa).

En esta ocasión al Director Zack Snyder le toca proyectar el sentimiento gráfico y emocional de otra novela/comic de Miller donde antes sobresalió Robert Rodríguez con la joya de culto Sin City, también del mismo autor. Lo que van a ver es cine gráfico de proporciones artísticas de vanguardia. Sólo les digo que es un crimen pestañear durante la película porque cada cuadro del film es un fotograma del coño de la madre. Elegantly grotesque comic noir mis queridos mequetrefes. La cinematografía, el juego de cámaras, la edición y el elegante uso de la cámara lenta para resaltar el momento justo -sin la sobre exposición a la Matrix- hacen en conjunto una maravilla visual al comic de Miller de 1998. El stock film severamente granulado, los colores lavadísimos y desaturados, el fuerte alto contraste y el color timing artificial, marcan nuevas pautas en el cine impresionista de hoy. Como bien lo recalcó Spiff en un comentario, el encuadre fotográfico de las batallas emulan a los grabados pictóricos de las ánforas griegas.



Una advertencia para los ignorantes del cine que se hacen llamar "críticos" y que han desmeritado este film con los argumentos equivocados. 300 no, repito, no está basado en el hecho histórico como tal, sino en el comic de Miller que a su vez se inspira en él, por lo que las acusaciones por su imprecisión histórica quedan sin lugar. Señores "críticos", si quieren precisión histórica vayan al History Channel y mastúrbense, mamapipes noveleros. Para ustedes lectores ruraltejanos que saben apreciar el buen cine como arte y entretenimiento, estoy seguro que encontrarán en 300 una elegante y bien llevada obra fílmica. Aunque es un poco grotesca y violenta, a estas alturas Braveheart y Saving Private Ryan los deben haber curado como un budare que les parecerá trivial. Sí, la trama es directa, la historia es simple y las actuaciones son de novela Pulp, pero nadie promocionó a 300 como un derroche dramático a lo Nicholson/Streep ¿verdad? Ah, pendientes del soundtrack durante la película, enérgico, sádico y diabólico, puro romance como las escenas de batalla.

Altamente recomendable para la cartelera de esta semana.

Veredicto (y hablo por los cuatro): Sir William McKay (★★★★★★)

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Bartopoulis Texilios

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Yo quisiera que los politicos fueran...



La vida es pura política. Uno es diplomático en casi todo lo que hace, y más aún en nuestro desenvolvimiento como animal social. Desde que mediamos en el colegio, hasta con el culo que uno quiere levantarse, todo es política y diplomacia. Pero ¿qué pasa cuando la política se usa como arma y como instrumento de trabajo?

Sucede lo que vemos a diario desde que existe el mundo moderno: conflictos, injusticias y hasta sangre. Eso es lo que vemos en la película All The King's Men, cuya adaptación y dirección estuvo a cargo del Director Steven Zaillian, basándose en la novela Pulitzer del '46 del escritor Robert Penn Warren. No es un drama ni tampoco intenta generar suspenso. Menos aún representa la utopía de un final feliz, ni tampoco deja un mensaje para reflexionar. Al ser una ficción novelística, se asemeja demasiado con la realidad de la política que se practica en todas partes. Con la rara diferencia que el luchador social de Willy Stark, interpretado brillantemente por Sean Penn (Mystic River, 21 Grams, Dead Man Walking), es un auténtico representante de las masas, que busca retribuirles lo que los burócratas y corruptos de las oligarquías le han robado por años. Logrando la gobernación a punta de decir la verdad y cumplir promesas a los pobres. Lo malo es la gente que le rodea, por ende el título del film. Una suerte de séquito que lo ayuda a corromperse una vez que obtiene el poder como Gobernador del estado de Louisiana, donde olvida sus principios en favor de una lucha contra sus enemigos ganados. En fin, lo típico de la política.

Las actuaciones son demás de arrechísimas. Con un reparto de lujo, como si Sean Penn no bastara por sí sólo para verla. Jude Law (Alfie, I Heart Huckabees, Road To Perdition, Closer, Gattaca) como el periodista que abandona la prensa para seguirlo; Anthony Hopkins (The Silence of The Lambs, Meet Joe Black, Dracula); Kate Winslet (Finding Neverland, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Titanic); Mark Ruffalo (Zodiac, Collateral) y James Gandolfini (The Sopranos, 8MM, The Last Castle). ¿Tremendo cast no? Pero igual es la película, aunque un pelo lenta y desubicada durante la primera hora, pero logra capturarte en la segunda mitad hasta su desenlace.

El DVD se ve McKay, no puedo decir más. Colores lavados para ambientar la época de los años '50 con naturalidad, complementado con alto contraste y detalles es las sombras. El sonido es plano y simple, sólo entrando en calor con el score soundtrack de James Horner (A Beautiful Mind). De resto no hay mucho impacto más que diálogos y diálogos, algo que esta película tiene que jode y en rajado acento sureño americano; tan arrecho que tendrías que haberte criado en esa zona sureña (como yo) para entenderlo con naturalidad, aquí no valen los cursos del CVA y The British Council.

Film: McKay; Video: McKay; Sonido: Mancao

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Bart

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If I go crazy, will you still call me Superman?



El Glamour de Hollywood, la corteza brillante que da la cara al público, la apariencia, las tradiciones conservadoras, los paradigmas, el sueño, la utopía. Todo eso fue lo que caracterizó al Hollywood dorado de los '50, que producía películas basado en un ideal y como un producto más para generar dinero (aunque hoy día se mantiene esa tendencia, el cine independiente ha recuperado al cine como arte).

"In a town full of fiction, everyone has a version of the truth"
Fueron los días en que las estrellas eran vistas como semi-dioses, intocables deidades inalcanzables que lucían perfectos ante los ojos del público, la más mínima señal que los comparaba con los simples mortales los hacía ver humanos y ocurría la decepción colectiva. Eran los tiempos en que se ocultaban "particularidades" de los actores que no estuvieran apegados a los estándares impuestos por los estudios. En aquellos días, para que fueran acorde con el modelo perfecto, los estudios no sólo le cambiaban el nombre a su inversión (como eran considerados los actores), sino que se les decía como hablar, caminar, vestir, qué auto comprar y hasta con quien emparejarse.

Para entonces, un Rock Hudson homosexual era inconcebible, un Dean Martin alcohólico inaceptable, una Judy Garland drogadicta siquiera impensable. Pero ocurría tras bastidores, ¿por qué? porque eran (son) seres humanos iguales a todos, sólo que las manos manipuladoras de los estudios actuaban como organizaciones mafiosas para "reparar" todo y mantener el glamour y el brillo de las estrellas. Pero todo se sabe con el tiempo.

"Everyone has secrets, everyone has motives..."
Este es el escenario que proyecta Hollywoodland muy similar al estilo de L.A. Confidential de Curtis Hanson. Y como no, si ambas dan en el clavo con una representación fiel de la era dorada del cine de esa década. Sólo que en esta oportunidad, le doy más crédito a Hollywoodland por ser más meticulosa y realista, donde Confidential es más un drama novelístico y ficticio. Hollywoodland recrea al 100% de precisión histórica, los días, los hechos y los sucesos que envolvieron la fugaz carrera del actor George Reeves y las personalidades con quien se desenvolvió tanto en lo personal como profesional. Para quienes están familiarizados con el nombre de Reeves, sabrán que fue el actor que representó la primera imagen famosa en televisión de Superman (The Adventures of Superman - 1952-1958) y que su frustrada vida detrás de cámara requirió más poderes que los del mismo hombre de acero para aguantarla. Su lucha para destacar como actor de cine, su relación clandestina con Toni Mannix, la esposa del mafioso/presidente de los estudios MGM Eddie Mannix (Bob Hoskins) y su lamentable final que aún encierra dudas, está representado en Hollywoodland con clase y sobriedad cinematográfica.

"Living in Hollywood can make you famous, Dying in Hollywood can make you a legend"
Lo único ficticio de la trama es la inclusión de un detective privado de baja categoría y con deseos de reconocimiento, Louis Simo (Adrien Brody- King Kong, The Pianist), quien se obsesiona con el caso de Reeves hasta que se le nubla la realidad que lo rodea, tanto familiar como los del caso mismo. De resto todo es exacto a lo ocurrido en la vida de Reeves y los Mannix. Las actuaciones son excelentes, empezando por la de Brody que era de esperarse considerando su calidad reconocida. Como también la del experimentado Bob Hoskins (Vanity Fair, Enemy at the Gates, Brazil). Pero la sorpresa la dio Ben Lopez (Ben Affleck - Goodwill Hunting) como Reeves, muy pero muy buena actuación, sobre todo porque este actorcito no valía media mierda para mi (Gigli anyone?). Tal vez fue el roce con tanto talento lo que lo ayudó a destacarse en el rol de Reeves, pero se le da el crédito de emularlo hasta en el acento que lo caracterizó dentro y fuera de pantalla. Diane Lane (The Perfect Storm, Unfaithful) se luce de igual manera, quizás obteniendo el papel que le reconozca su ignorado talento.

La dirección es del carajo por el reconocido Director de series de TV Allen Coulter (The Sopranos, Sex & The City, Millenium), con un toque de film noir y fotografía glamorosa para mantener el semblante de la Hollywood dorada. Colores intensos en las escenas de Hollywood y lavados, casi desteñidos, en las escenas de la cotidianidad para contrastar entre la vida real y la vida de ensueño de los estudios. Muy buena transferencia a DVD, muy buena trama, recreación histórica y actuación del reparto. Muy buena película, altamente recomendable, la pongo por encima de la excelente L.A. Confidential.

Film: Willy McKay; Video: Willy McKay; Sonido: McKay

A Superman lo mató Hollywood, no fue la Kryptonita ni Doomsday.

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Sir Barton

I'll keep you by my side with my superhuman mind, Kryptonite

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El Horror Y La Fantasía Van De La Mano



¿Cuáles son las palabras que se emplean cuando se está en presencia de una obra maestra? En muchos casos son insuficientes, o como bien decimos aquí: Las obras maestras no se clasifican; se disfrutan. Y esto es aplicable a la película más reciente del mexicano Guillermo Del Toro, El Laberinto Del Fauno.

Además de crear, escribir, producir y dirigir este film, Del Toro vuelve otra vez a un elemento constante en su producción; la mezcla de horror con elementos de fantasía enmarcados en entornos cotidianos. Esta temática la ha desarrollado desde su ópera prima Cronos, pasando por obras como El Espinazo Del Diablo, y en productos más comerciales como Mimic, Blade 2, y Hellboy; con lo que se convierte en uno de los pocos cineastas que puede hacer un cine más ligero sin traicionar su espíritu independiente y viceversa.

El panorama en donde el autor sitúa sus personajes es la España de 1944 a 5 años de la victoria del Generalísimo Francisco Franco, y en donde hay focos rebeldes que buscan alterar el estado de facto ya establecido. Aquí entran el Capitán Vidal, defensor de la nación y un individuo a quien poco le importa balancear el bien con la barbarie en aras de servir a la patria. Y con él se unen Carmen, nueva esposa de este y viuda de una anterior unión que dio como descendiente a Ofelia, niña aficionada a los cuentos de hadas con una imaginación sorprendente que le sirve como válvula de escape ante un padrastro que no quiere y un entorno donde los desmanes son la maquinaria que mueve el mundo real, siendo necesario para ella entrar a un universo de fantasía poblado por hadas, seres de cualquier fisonomía y un Fauno que le rinde pleitesía a ella y que le plantea tres pruebas.

Puesto que Del Toro es el novio de la madrina en esta producción, hay que ver su trabajo como un ejercicio monumental de arte. La idea y el guión desarrollados por él alcanzan el nivel de las mitologías que el mismo ha reverenciado. La mezcla de mundos entre la ficción y la realidad es tal que se unen unos y otros con absoluta naturalidad; para los anales la secuencia de inicio de la película. Y todo ello viene de la mano de una dirección preciosista y muy bien lograda en lo técnico y sublime en lo artístico. Para lo antes mencionado ha servido el contar con una fotografía que homenajea lo que la pintura española ha hecho por siglos, con una edición que en ningún momento decae el ritmo de la película, con una música que se adecua a cada fotograma y efectos en cuanto a maquillaje y en lo visual que rayan en lo pictórico.

El mencionar los siguientes tres nombres es más que garantía suficiente para avalar la calidad del film: Sergi López, Maribel Verdú y Ariadna Gil. Pero quien en realidad es el nervio y el motor de la historia es Ivana Baquero como Ofelia, que descolla en cada aparición que hace en pantalla, dando frescura y naturalidad en su interpretación; éste es el caso de lo que se puede bien llamar como un papelazo.

El Laberinto Del Fauno es una muestra de que en los peores momentos cuando no hay esperanza aparente en el horizonte, el único recurso para mantenernos vivos es el soñar, el mezclar la fantasía con la realidad y la imaginación para poder seguir adelante. Que bueno es cuando uno presencia una obra maestra, y este film Del Toro lo es con creces.

Film: Sir William McKay (★★★★★★)

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Spaceman Spiff

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Krusty Clown's Mini Golf

Usualmente cuando veo que una película dice "Walt Disney Pictures" huyo. Suelen ser fresas, melosas y con finales felices. En especial si reseñan una historia verdadera. Todos esos ingredientes los tiene The Greatest Game Ever Played por lo que parecía otra más que le daría paso. Siguiendo la recomendación del pana Daniel del CinemaClub me la llevé, pero no fue sólo eso lo que me motivó a verla. Vi que el Director es el actor Bill Paxton (Vertical Limit, U-571, Apollo 13) y me dio curiosidad. Aparte, tuve un breve período en mi vida adolescente que probé el Golf (saludos Wolfgang) y me di cuenta que no es una mamadera de gallo como decía entonces. Además, la critica la tomó con calidez a pesar de ser el trillado género de historia real de superación, logro y conquista del desventajado.

The Greatest Game Ever Played es una historia verídica (llevada a novela por Mark Frost), la cual desconocía hasta hoy de un famoso torneo del Abierto de USA en 1913 que cambió la historia del Golf moderno para siempre. Siendo un deporte reservado exclusivamente para la élite oligarca, como también el Crikett y el Polo, el Golf era un deporte para caballeros, nobles y la realeza de ese entonces (¿o todavía?). Aunque parece y es la típica historia del pobre campesino proletario que se abrió paso entre la discriminación de clases para triunfar en ese deporte, The Greatest Game Ever Played se distancia del típico modelo cliché para ocupar un lugar especial en el cine.

Sí, todos sabemos lo que va a ocurrir, ¿o cuando fue la última vez que viste un film trágico melodramático con el sello de Disney? Es obvio desde el comienzo, aún desconociendo la famosa odisea de Ouimet/Lowery, que el joven plebeyo de la humilde clase obrera le termina pateando el culo a los golfistas carteluos de la clase burguesa. Pero es la manera de abordar y transmitir la historia la que lo hace especial, llegando incluso a crear breves momentos de tensión y suspenso. Francis Ouimet (Shia LaBeouf) y Harry Vardon (Stephen Dillane) cambiaron el curso del Golf para siempre en lo que hasta la fecha se considera el juego mas intenso de la historia del golf (según he leído no ha sido igualado hasta hoy por más increíble que suene, pero si fueron fieles a los hechos en el film, tienen razón). Con saber que ni Tiger Woods o Jack Nicklaus han podido romper el record dejado por Vardon desde su retiro en los años 20. Y aunque conoces el desenlace, no existe predictibilidad durante el transcurso del film, menos aún la presencia del típico villano o de la doncella enamorada del desventajado héroe. Aunque la historia se centra en Ouimet, también cubre al no menos genial Vardon quien tuvo los mismos orígenes humildes y obstáculos que Ouimet para convertirse en el golfista más grande de todos los tiempos.



Buen casting, extraordinaria dirección y fotografía para un Director novato. Una dramatización excelente de los acercamientos irreales durante el juego (usando técnicas digitales a lo The Matrix) para mover emociones, dinamizar el ritmo y jugar con las perspectivas de la audiencia. Sin dejar de mencionar que la precisión detallista del ambiente de comienzos del s. XX crea realismo y convencimiento.

¡Por lo huevos de Cristo! no había visto un film mejor transferido a DVD que éste, sencillamente brillante. Todo, los colores, la resolución, los tonos de piel, el contraste, todo, un festín para tu DLP/Plasma/LCD si lo tienes bien ajustado. Mejor que esto sería verdadero Hi-Def, pero le tendría que echar un cerro de bola para mejorar esta imagen. El sonido es simple, con un score soundtrack meloso y repetitivo, el audio es efectista para realzar los golpes de la pelota como no ocurre en la realidad, pero cine es cine. Diálogos claros y surrounds tímidas en casi todo el film, salvo en momentos de euforia durante el juego. Buen ritmo, buena dirección, buenas actuaciones, excelente imagen fotográfica y un enfoque diferente a la clásica historia Disney de héroes de la vida real. Recomendable.

Film: McKay; Video: Sir William McKay; Sonido: Mancao

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Sir Barton

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Psycho Therapy, psycho therapy, psycho therapy...

He visto bastantes fumes fílmicos pero ninguno como este. Stay es más bien una obra abstracta del Museo de Arte Moderno de Nueva York que una película de cine. Con verla sabrán por qué. Con una fotografía espectacular, colores locos, escenografías fabricadas para ir con el tono -loco- del film. La dirección y la edición son tan fumados que pareciera que estuvieras bajo los efectos de tu droga favorita. ¿Por qué les digo todo esto y no les hablo de una sinopsis? Primero porque se las estaría contando y segundo porque aún no me quedó claro qué pasa ahí: ¿Demencia, fantasmas, imaginación, memorias o todo lo contrario? Si entienden esta película mientras la ven -y antes que termine- necesitan apuntar una cita con su psiquiatra pero ya, o dejar de fumar lo que suelen inhalar.

Algo semi-surrealista, vanguardista y poco sobrio. En la mejor onda de los films de David Lynch (sin parentesco). Un carajo demente (?) (Ryan Gosling), un psiquiatra muy preocupado (Ewan McGregor) y su novia medio loca (Naomi Watts) que intercambian sus vidas entre perpetuos Déjà Vu, divagar entre la realidad y la imaginación, entre el más allá y el más acá y guindando entre la cordura y la demencia. Mezclen todo eso y obtendrán a Stay. Brillante dirección y edición (Marc Forster - Finding Neverland), juegos de cámara de todo tipo, fotografías avant garde, artística y estéticamente escalofriante que me recordó al clásico The Shining del inmortal Stanley Kubrick, incluso por lo desestabilizado que es la trama para la mente.

El DVD es tan alucinante como el film, resolución, colores, contraste, todo alucinante, fumado, exquisito. El sonido etéreo, atmosférico y muy pero muy dinámico, con soundtrack de Massive Attack que calza apropiadamente con el fume del ambiente. A mi Stay me gustó que jode, pero este no es un film para todos, si te gusta lo fumado, lo surrealista, con inteligencia, clase y estilo, te va a encantar. Si por el contrario eres de tendencia al cine comercial de entretenimiento barato e instantáneo, no te va a gustar. Por ello mi recomendación pende de ti, y la dejo implícita en estas líneas flotando entre la subjetividad de mi gusto personal y la objetividad de una tremenda producción de cine.

Film: Willy McKay; Video: Willy McKay; Sonido: Willy McKay




En otra onda totalmente diferente, y uno de mis géneros favoritos, las animaciones (claro, recuerden que aquí somos fans de los comics), vi Open Season y me llevé una sorpresa agradable. Mal acostumbrado a los films de Pixar por su excelente linaje de producciones, critico muy duro a sus competidores en el campo de la animación moderna, especialmente la digital 3D de hoy. Las Shrek siempre me han parecido baratas y burdas, con referencias culturales norteamericanas con humor negro para forzarlas al "éxito" (a la gente le gusta o ¿por qué creen que van por la tercera?), pero no verán a ninguna de las Shrek en mi repisa del Rural Tex Film Vault™ del Marilyn Monroe Silver Screen Theater®, no señor.

Me gustan las buenas historias, con humor simple, neutro, con mucha originalidad sin tener que recurrir a los clichés excesivos como sufren las animaciones de Dreamworks Animation. Fox Animation lo entiende y lo logró con las Ice Age, y al parecer también Columbia Animation con Open Season. Fresca, original (aunque no tanto con la historia), de sacar carcajadas a cada minuto y con brillante casting vocal. Lo 3D de la animación siempre he dicho que es secundario, algo que Disney no entiende y por eso rueda en las críticas con sus porquerías como Chicken Little, Dinosaurs y Valiant. Pero Open Season está llena de personales memorables, originales y cómicos. Con Ashton Kutcher como el venado alocado, el genial Martin Lawrence como el Oso perezoso y el tremendo actor Gary Sinise como el cazador psicótico.

¿La animación 3D? increíble, la luz, las pieles de los animales como si fueran fotografías, las texturas y los colores, todo de primera. No sé qué software están usando pero si no es el Renderman de Pixar, es tan bueno que le está sacando la mierda, además de levantarle una ceja a Lasseter y compañía (quizás usan Maya). Pero en resumen, la calidad visual es un dulce para el paladar y el DVD se esmera en mantener cada detalle cual Hi-Def. El sonido es bueno, como toda animación, todo es efectos artificiales y fabricado en un estudio. Altamente recomendable.

Film: McKay; Video: Willy McKay; Sonido: McKay

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Barton

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Norton Utilities 2007

Continuando con los nuevos films que he sacado del nuevo club (calma saltamontes, ya les diremos dónde es, en especial tú Diego, deja los nervios), me recomendaron The Illusionist con Edward Norton (American History X, Fight Club, The Italian Job), uno de los mejores actores jóvenes de hoy que promete y un favorito de la casa (Tyler/Jack?). The Illusionist es una extraordinaria película, nada predecible, fuerte guión, sólida trama y actuaciones de lujo. Que contó con el apoyo de tremendas figuras como Paul Giamatti (Sideways, Lady In The Water) y Rufus Sewell (Dark City).

Enmarcada a finales del siglo XIX en Viena, Austria, se cuenta la historia de Eisenheim, un mago indescifrable a lo David Blade y Chris Angel, con habilidades que desafían el raciocinio y la cordura. Metido en un juego de seducciones, conspiraciones y competencias, el ilusionista se desenvuelve y se escuda ante sus enemigos y seguidores. Utilizando su magia improbable para generar el misterio, el asombro y la especulación. Dejando a libre interpretación el origen y naturaleza de sus habilidades, las cuales se discuten si son auténticas o trucadas. El film presenta una buena trama, con un desenlace que desencripta los acontecimientos acumulados desde el comienzo, a la vez que te deja con preguntas.

El disco se ve del carajo, el tratamiento artístico dado al film es sencillamente mórbido y tenebroso. Tiene aspecto de película vieja, usando alto contraste y color timing para "amarillentar" casi todas las escenas buscando ese toque antiguo. Con los bordes obscuros y borrosos, imitando el efecto de las primeras máquinas de cinematografía Edisoniana (El Nickelodeon), incluyendo el parpadeo de la lámpara del proyector. Sólo faltaba el sucio de film, pero eso hubiese sido demasiado. En lo sutil está el arte. El sonido es plano, fuerte en diálogos y rico en música clásica vanguardista de la era post Beethoven, en especial siendo ésta su tierra natal. Excelente, Altamente recomendable.

Film: Willy McKay; Video: McKay; Sonido: Pasta




Down In The Valley es un buen film independiente de bajo presupuesto, también con el actor Edward Norton, que refleja una faceta conocida de su carrera. Sin entrar en detalles, aquí repite roles conocidos, ya que lo hemos visto como un esquizofrénico anarquista en Fight Club, sólo que aquí hace de paranoico psicótico (pero también medio anarquista). Sin nada novedoso en la trama, pero muy bien hecha y bien llevada, Down In The Valley expone a un perturbado y obsesionado vaquero a la deriva, sin dinero, rumbo, destino, techo o futuro. Que se le cruza una ternura de niña (Evan Rachel Wood) que le sacude y despierta los demonios para prender el drama; y si la ven, dirían "y a quién no", a mi mínime se me mete diablo. Pero lo que hace diferente la historia, aún sin nada extraordinario, es que la actuación de Norton produce simpatía y comprensión a pesar que es el villano de turno. Buen reparto con David Morse (16 Blocks, The Green Mile) y Rory Culkin el hermanito del Home Alone (y que actúa mejor que éste).

El DVD se ve McKay, con tomas naturales del Valle resaltando los colores naturales sin la ayuda de procesamientos de color timing. Aunque un poco suave, muy preciso en las escenas oscuras con detalles limpios y definidos con la variedad de luces. Igual el sonido, con bastante ambiente musical tejano e instrumental. A pesar que no es nada nuevo es una buena historia con buen ritmo que te mantiene a la espera de los acontecimientos, sin siquiera pensar en la posibilidad de predecirlos. Se puede ver...

Film: Pasta; Video: McKay; Sonido: Pasta

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Barton

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