<body>

Rural Tex es un estúpido sitio web de reseñas y noticias de videojuegos y cine popular. Combatiendo el mal gusto desde 2005 (nos está costando bastante)

Influenciados por nuestra cultura nerd-geek de Comic Books & Video Games. Periodismo Gonzo de tercera en este Colosal Desperdicio de Ancho de Banda

ÚLTIMAS RESEÑAS

Las últimas reseñas de videojuegos y cine. También a veces música, Apple o audio (a veces). Rural Tex™ no apoya la piratería, todo medio que aquí se revisa es adquirido legal y estrictamente original.


Más en el Archivo de Reseñas.

CALIFICAMOS ASÍ

Nuestra escala para calificar las reseñas del uno al cinco (estrellas). Con el Sir William McKay reservado sólo a la excelencia.

  • Sir William McKay: Aleph One
  • Willy McKay: ¡Non-Plus-Ultra!
  • McKay: Muy bueno, peeero...
  • Pasta: Ta' bien... ta' bien.
  • Mancao: No nos inmuta.
  • Ñame: ¡Que nos devuelvan el tiempo y dinero que perdimos en revisar esta grandísima porqueria! Epic FAIL!
WEB-ONADAS

Lectura: No Girls Allowed? I'm not your fucking shield!. Una opinión sobre el sonado caso del #gamergate desde la perspectiva analítica del Editor en Jefe. –Bartolomeo

Contribuye

¡Cállese Sapo!



Granujas, el film del año a mi juicio. The Departed constata lo que todos hemos visto durante años y que la estúpida Academia de Ciencias y Artes ha ignorado durante el mismo tiempo: Martin Scorsese es un genio, punto. El que esté de acuerdo está invitado a degustar unas espumosas discutiendo sus films desde Raging Bull y Taxi Driver hasta el presente; el que no, será respetuosamente insultado.

Verga qué película mequetrefes, confieso mi error al no haberla podido ver en cartelera. Pero tengo una excusa para justificarme, cuando la fui a ver con una entrada de cortesía durante la semana de su estreno (andaba mamando y loco), me tiraron pa’l techo porque los pases no tenían validez para los estrenos (sólo para películas podrías). Aparte de mandarlos para la mierda y exigirles que me chuparan las bolas, juré que no volvería más a esa cadena de cine (Cinex). Bueno, lo bueno se hace esperar, también porque esta película llevaba casi tres meses eludiéndome en el clubecito donde RTx™ saca sus plásticos para alimentar sus Home Theaters. Hijos de la gran chingada, esta es la película ¡coño!

Ustedes saben el gusto -fetiche- por la mafia y las armas que tenemos en RTx™. Tanto, como la que tenemos por el cine y la música. Así que, si hay hambrientos por el tema de la mafia entre los lectores de este patético Blog, no busquen más, con The Departed hay para una sobredosis y con clase. Para nosotros lo fue, sobre todo porque pone a prueba un tema muy delicado y sagrado en nuestro círculo de amigos, la lealtad y la confianza. No hay cabida para sapos en Rural Tex... al menos fuera de un ataúd.



Marty nos engalana con una historia que, aunque acusan con propiedad que es un refrito de una versión asiática, dudo que la original tenga siquiera una vela que prenderle a la versión Scorseseana. Por favor, ¿quién osa compararse con el Director de Casino y Goodfellas? Que arda en las profundidades del calcitrante infierno por su atrevimiento. Scorsese es como un Picasso, puede agarrar cualquier vaina y convertirla en una obra de arte aunque repinte sobre ella con creyones.

Así no sea de su completa autoría, The Departed muestra una historia de la Mafia Irlandesa con mas vueltas que una carrera de NASCAR. Tremenda dirección, con una sobria cinematografía como la que nos ha acostumbrado desde siempre. El ritmo sin precedentes, tanto que te mantiene al filo escena tras escena. No hay momentos flojos, más bien hay suspenso y tensión, con sorpresas a cada momento que eluden la predictibilidad de relacionarla con clichés y tramas repetitivas de otras películas. Triste por los mamapipes que han desmeritado la adaptación de Marty, porque The Departed se convirtió en uno más de sus clásicos. No me hagan empezar a hablar del reparto que estuvo de la puta madre. Con Jack Nicholson demostrando que todavía tiene con qué. Junto a los tres favoritos de quien escribe, Leonardito (Leonardo DiCaprio), Jason Bourne (Matt Damon) y el siempre excelente Marky Mark (Mark Wahlberg). El calibre del Culojillón Baldwin (Alec Baldwin), Martin Sheen y Ray Winstone (Sexy Beast, The Proposition), añaden puro cartel.

El DVD es un simple 'Pasta' por todos lados. No inmuta mucho en la imagen ni tampoco en el sonido. Parece casi un film monoaural por su intensificada actividad en el canal central, aunque en los momentos de acción reviven las 5 cornetas restantes que conforman el Dolby Digital 5.1 surround. Lo mismo con la imagen, aunque limpia, sin defectos de compresión e imperfecciones, le falta dimensión para resaltar como una imagen tridimensional. En particular con la precisión del color que, a momentos, me pareció que no le prestaron atención durante el transfer a DVD, por los tonos de piel semi magenta-rojizo en algunas tomas. Altísimamente recomendable.

Film: Sir William McKay; Video: Pasta; Sonido: Pasta

__________
McBarton

Etiquetas: ,

3 COMENTARIOS

HD-DVD vs. Blu-ray Disc pt. 1



Introducción: Los Rojos contra los Azules
No mequetrefes, no vamos a hablar de política, recuerden que esta es su sección Hablemos de Audio, donde exponemos las menudencias del mundo del Audio y del Home Theater. Conmemorando los 10 años del lanzamiento del DVD -24 de Marzo de 1997- aprovecho la oportunidad para tocar el tema del los formatos de videodisco en alta definición que debutan y compiten por suplantar al DVD ¿lo creen posible? yo no. Les diré mis razones justificadas en esta edición de tres partes.

¿Recuerdan cuando el DVD fue introducido al mercado? Fue un éxito sin cuestionamiento y sin precedentes. Pero meses antes de su lanzamiento oficial, habían dos formatos compitiendo por ganar la propuesta del nuevo videodisco. Que por fortuna terminaron combinándose para evitar la incómoda guerra de formatos como ocurrió en el plano del videocasete con el Beta y el VHS. Las muchas similitudes entre ambas propuestas (el modelo de Sony/Philips vs. el modelo de Toshiba/Pioneer), fue la clave para combinarse en un formato único que resultó ser el DVD que disfrutamos actualmente. ¿El resultado? ya es historia, mejor no lo pudo predecir el slogan de la campaña cuando debutó hace 10 años: "El DVD hará para tus películas, lo mismo que el CD hizo para tu música". Fue análogo al éxito del CD; lo que el CD hizo frente al vinil, lo repitió el DVD frente al videocasete.

Entrado el nuevo siglo y con él la fiebre por la alta definición. Se propone hacer un nuevo formato para la música que reemplace al CD con mejoras radicales en calidad de sonido y la opción del surround. Desafortunadamente esta vez no hubo acuerdos y salieron -2000- dos formatos físicamente idénticos pero incompatibles entre sí, que se disputan por ganarse un lugar como el nuevo estándar de la música (ver DVD-A vs. SACD para ampliar mejor sobre este tema). ¿Que no los conocen? claro granujas, porque pelaron bola. ¿Por qué fracasaron? lean el artículo referente a este tema donde lo analizamos mejor. Ahora viene la propuesta por un formato de alta definición de videodisco para reemplazar al DVD y se repite la historia. De nuevo, dos propuestas físicamente iguales (la misma forma y figura de un CD/DVD) pero distintas e incongruentes en su tecnología funcional, parten por su cuenta abriendo una nueva guerra de formatos: el HD-DVD y el Blu-Ray Disc.



¿Qué es lo que no hemos aprendido de las batallas de formatos homólogos que volvemos a caer en el mismo error? Entre el Beta y el VHS sólo salieron perdedores: todos, consumidores y fabricantes por igual. Terminó ganando el formato inferior (el VHS) porque al final quien decide no es el purista; si no cala en la preferencia de la mayoría, se hunde al fondo del mar. Allá abajo con el Titanic están en DCC, el DAT y el MiniDisc (todos quisieron ser formatos mainstream pero también fracasaron, salvo el MiniDisc que sobrevive entre entusiastas y DJs). El DVD-A y el SACD sobreviven sólo por la aceptación de los audiófilos, no porque hayan sucedido al CD como el nuevo estándar del mercado como planeaba. Ni siquiera por el hecho que existen decks que reproducen ambos formatos ha ayudado a aumentar su popularidad y aceptación. Pero su objetivo era matar al CD y ser el nuevo formato de audio, por lo tanto también fracasaron a pesar de su mediocre éxito entre los puristas del Audio. Mientras, el CD continúa reinando sin rivales o amenazas aparentes.

Al parecer y por los vientos que soplan se vuelve a repetir la historia, pero en este caso en el campo del video. No suficiente con saber la confusión y el temor que deja una batalla de formatos en el consumidor -menos aún las nefastas consecuencias de un posible fracaso asegurado- de nuevo se aventuran dos campos enfrentados por suceder a un estándar que quizás no necesite ser reemplazado. El Blu-Ray Disc y el HD-DVD toman trincheras en una nueva batalla por convencerte que es hora de decirle adiós al DVD para abrazar -otra vez- a un nuevo videodisco sólo que en alta definición. ¿Tan buenos son que merece la pena volver a comprar otro aparato además de recomprar casi toda mi colección de películas? Con la pantalla correcta, sí.

Al igual que los formatos de alta definición de audio, estos formatos de alta definición de video cumplen con una mejora en la experiencia final. Pero de igual manera, presentan complejidades, costos elevados y criterio experto para apreciar la diferencia que al final no importa a la mayoría. Vamos a exponerlo de esta manera para cerrar esta introducción: Analizando atrás en el tiempo, verán que otros factores incidieron más en el éxito del CD y del DVD -en su aceptación masiva como nuevo estándar- que la mejora radical que ofrecieron en sonido e imagen respectivamente. ¿Cuáles? lean las dos notas abajo con los ejemplos para cada caso. En la próxima parte abordaremos ambos formatos minuciosamente, veremos qué son y a qué saben. ¿Qué opinan? Bienfor.

A continuación... Parte 2

___________
Sir Barton


Antes del CD, era normal comprar música en discos grandes, no los podías llevar contigo para escucharlos en el carro, en el radio de playa, ni en el portátil, y su transporte era delicado. Había que voltearlos para tener larga duración, limpiarlos con constancia, lidiar con los efectos sonoros de la estática, las rayas, el polvo y el desgaste -tanto del disco como de las agujas- aún con decks costosos como un Garrard o un Linn (Dios se apiade de ti si usabas un 3-en-1). Además las vibraciones, cambio periódico de agujas y limitada resolución formaban parte de lo cotidiano. El CD acabó con todo eso para no entrar en redundancias, se volteó el paradigma tan radicalmente que su éxito se volvió inevitable. El DVD-A y el SACD no traen nada nuevo, funcionan exactamente igual que un CD (incluyendo su forma física), pero, a pesar que ofrecen una mejora en calidad de sonido, no es tan dramática como la del CD ante el vinil y las complejidades que traen opacan esa tentadora oferta.

Antes del DVD, tus videos venían en casetes bultosos. ¿Portátil? sólo en tus sueños. Se necesitaban dos cintas para películas épicas. Era costumbre rebobinar y buscar escenas a ciegas. El desgaste era inevitable en la degradación progresiva de la calidad de imagen (cinta y cabezal). Calidad de imagen que no era gran cosa para empezar. Limpiar cabezales –o reemplazarlos- era normal. Las películas venían formateadas para la TV, ¿widescreen? ¡ja ja ja! buen chiste. Por fortuna había un escape, el LaserDisc, pero su costo era prohibitivo para que se volviera un estándar popular, aparte que no grababa, por lo que el consumidor popular estaba condenado a la cinta. El DVD acabó con todo eso para no entrar en redundancias, se volteó el paradigma tan radicalmente que su éxito se volvió inevitable. ¿Ven el patrón? ¿Creen que este escenario se repita análogamente con el Blu-Ray y el HD-DVD ante el DVD? ¿O por el contrario la historia vuelva a repetirse como ocurrió con el SACD y el DVD-A frente al CD?

Etiquetas: ,

0 COMENTARIOS

Retroceder Nunca, Rendirse Jamás



Pocas veces uno presencia en el cine un festín visual de proporciones artísticas épicas como lo hizo 300 en su fin de semana de premiere. El Team Rural completo se presentó a verla para constatar las críticas mixtas y dar nuestra opinión. Aunque el traget de este film y su objetivo sensacionalista está claramente apuntado en los cortes, se reserva la sorpresa de mostrar expresionismo gráfico en sus máximas para no quedar como una simple glorificación gratuita de violencia, efectos especiales y acción sin sentido.

Basada en la novela gráfica semi-histórica y semi-comic del genial Frank Miller (Sin City), 300 representa la historia hecha leyenda de la glorificada Batalla de las Termópilas entre los Persas y los Espartanos en la Grecia del 480 a.C. Aunque no soy un Elías Pino Iturrieta (profesor de historia de la UCAB a quien le debo gran admiración), les comento brevemente que este hecho histórico está más que documentado por más tinte de leyenda que le haya añadido el paso de dos milenios. Aunque estén advertidos que el film se concentra más en la adaptación del comic -que se inspira superficialmente en la historia real- que en la factibilidad histórica del mismo. Cuidado, en ningún momento se dice lo contrario.



Fueron tres días de inspiradora resistencia por parte de tres centenares de espartanos (junto al apoyo de unos 700 ilotas Atenienses), contra los millares del imperial ejército Persa durante su cruzada conquistadora. Honor, lealtad y gloria fue el legado que dejó el enfrentamiento del irreductible Leonidas, Rey de Esparta y sus leales 300 hoplitas, contra la casi indetenible fuerza del Imperio Persa del tirano Xerxes. Su ejemplo de valor, determinación, lealtad, dar todo por el honor -a pesar de las adveniencias y desventaja numérica- fue lo que inspiró a futuros guerreros como Alejandro Magno (356 al 323 a.C.), quien también ocupa un lugar honorífico en la historia griega por su precoz despliegue como soldado y estratega (quien terminó por conquistar y doblegar al Imperio Persa).

En esta ocasión al Director Zack Snyder le toca proyectar el sentimiento gráfico y emocional de otra novela/comic de Miller donde antes sobresalió Robert Rodríguez con la joya de culto Sin City, también del mismo autor. Lo que van a ver es cine gráfico de proporciones artísticas de vanguardia. Sólo les digo que es un crimen pestañear durante la película porque cada cuadro del film es un fotograma del coño de la madre. Elegantly grotesque comic noir mis queridos mequetrefes. La cinematografía, el juego de cámaras, la edición y el elegante uso de la cámara lenta para resaltar el momento justo -sin la sobre exposición a la Matrix- hacen en conjunto una maravilla visual al comic de Miller de 1998. El stock film severamente granulado, los colores lavadísimos y desaturados, el fuerte alto contraste y el color timing artificial, marcan nuevas pautas en el cine impresionista de hoy. Como bien lo recalcó Spiff en un comentario, el encuadre fotográfico de las batallas emulan a los grabados pictóricos de las ánforas griegas.



Una advertencia para los ignorantes del cine que se hacen llamar "críticos" y que han desmeritado este film con los argumentos equivocados. 300 no, repito, no está basado en el hecho histórico como tal, sino en el comic de Miller que a su vez se inspira en él, por lo que las acusaciones por su imprecisión histórica quedan sin lugar. Señores "críticos", si quieren precisión histórica vayan al History Channel y mastúrbense, mamapipes noveleros. Para ustedes lectores ruraltejanos que saben apreciar el buen cine como arte y entretenimiento, estoy seguro que encontrarán en 300 una elegante y bien llevada obra fílmica. Aunque es un poco grotesca y violenta, a estas alturas Braveheart y Saving Private Ryan los deben haber curado como un budare que les parecerá trivial. Sí, la trama es directa, la historia es simple y las actuaciones son de novela Pulp, pero nadie promocionó a 300 como un derroche dramático a lo Nicholson/Streep ¿verdad? Ah, pendientes del soundtrack durante la película, enérgico, sádico y diabólico, puro romance como las escenas de batalla.

Altamente recomendable para la cartelera de esta semana.

Veredicto (y hablo por los cuatro): Sir William McKay (★★★★★★)

________________
Bartopoulis Texilios

Etiquetas: ,

4 COMENTARIOS

Yo quisiera que los politicos fueran...



La vida es pura política. Uno es diplomático en casi todo lo que hace, y más aún en nuestro desenvolvimiento como animal social. Desde que mediamos en el colegio, hasta con el culo que uno quiere levantarse, todo es política y diplomacia. Pero ¿qué pasa cuando la política se usa como arma y como instrumento de trabajo?

Sucede lo que vemos a diario desde que existe el mundo moderno: conflictos, injusticias y hasta sangre. Eso es lo que vemos en la película All The King's Men, cuya adaptación y dirección estuvo a cargo del Director Steven Zaillian, basándose en la novela Pulitzer del '46 del escritor Robert Penn Warren. No es un drama ni tampoco intenta generar suspenso. Menos aún representa la utopía de un final feliz, ni tampoco deja un mensaje para reflexionar. Al ser una ficción novelística, se asemeja demasiado con la realidad de la política que se practica en todas partes. Con la rara diferencia que el luchador social de Willy Stark, interpretado brillantemente por Sean Penn (Mystic River, 21 Grams, Dead Man Walking), es un auténtico representante de las masas, que busca retribuirles lo que los burócratas y corruptos de las oligarquías le han robado por años. Logrando la gobernación a punta de decir la verdad y cumplir promesas a los pobres. Lo malo es la gente que le rodea, por ende el título del film. Una suerte de séquito que lo ayuda a corromperse una vez que obtiene el poder como Gobernador del estado de Louisiana, donde olvida sus principios en favor de una lucha contra sus enemigos ganados. En fin, lo típico de la política.

Las actuaciones son demás de arrechísimas. Con un reparto de lujo, como si Sean Penn no bastara por sí sólo para verla. Jude Law (Alfie, I Heart Huckabees, Road To Perdition, Closer, Gattaca) como el periodista que abandona la prensa para seguirlo; Anthony Hopkins (The Silence of The Lambs, Meet Joe Black, Dracula); Kate Winslet (Finding Neverland, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Titanic); Mark Ruffalo (Zodiac, Collateral) y James Gandolfini (The Sopranos, 8MM, The Last Castle). ¿Tremendo cast no? Pero igual es la película, aunque un pelo lenta y desubicada durante la primera hora, pero logra capturarte en la segunda mitad hasta su desenlace.

El DVD se ve McKay, no puedo decir más. Colores lavados para ambientar la época de los años '50 con naturalidad, complementado con alto contraste y detalles es las sombras. El sonido es plano y simple, sólo entrando en calor con el score soundtrack de James Horner (A Beautiful Mind). De resto no hay mucho impacto más que diálogos y diálogos, algo que esta película tiene que jode y en rajado acento sureño americano; tan arrecho que tendrías que haberte criado en esa zona sureña (como yo) para entenderlo con naturalidad, aquí no valen los cursos del CVA y The British Council.

Film: McKay; Video: McKay; Sonido: Mancao

___________
Bart

Etiquetas: ,

0 COMENTARIOS

Come Fly With Me



A comienzos de la década de los 50 del siglo pasado, tanto la carrera como la vida de Frank Sinatra eran poco menos que valiosas. Ya había terminado su contrato con MGM en donde había hecho películas de corte musical. La popularidad que gozaba en los 10 años previos había mermado a favor de nuevos intérpretes más jóvenes, viéndose obligado a grabar canciones que no eran acordes con su status de icono (una de ellas era el bodrio Mama Would Bark), con lo cual finaliza su contrato con la CBS. Y su persona se había visto afectada en primer lugar por el divorcio de su primera esposa Nancy y por el matrimonio posterior con Ava Gardner con quien se embarcaría en una montaña rusa de peleas y reconciliaciones; uno de esos momentos involucró el aborto que ella se hizo al saberse embarazada de un hijo de Frank. Todo esto lo sumergió en un foso que lo llevó a un intento de suicidio. Pero la luz estaba literalmente al final del camino.

Para 1951 le llega a sus manos el guión de la adaptación de la novela de James Jones From Here To Eternity, en donde estaba el personaje de Maggio que Eli Wallach dejó pasar, y el que Frank deseaba hacer, para lo cual ejerció presión ante Harry Cohen, presidente de Columbia Pictures con una pequeña ayuda de sus amigos en negocios ocultos (leyenda que recrearon Mario Puzo y Francis Ford Coppola en The Godfather) y que le mereció el Oscar™ como mejor actor de reparto. También su relación con Ava llega a un punto en donde no estaban mal, aunque tampoco estaban bien. Y una de las muestras del regreso a la palestra está en el acuerdo que llegó con el entonces presidente de Capitol Records, Alan Livingstone, para grabar una serie de discos que empezaron en el año 1953 y que se extendería hasta 1960, período durante el cual se elevaría a la categoría de mito en el mundo del espectáculo. 20 canciones de esta era son las que se contienen en el disco Classic Sinatra His Great Performances. 1953-1960 que nos complace reseñar aquí.

Uno de los logros para que Frank se convirtiera en un standard musical fue la asociación que se produjo entre él y el arreglista y director de orquesta Nelson Riddle, misma que resultaría en éxitos de ventas y el regreso de regresos. Desde el disco This Is Sinatra hasta Only The Lonely, además de otros colaboradores como Billy May, Voyle Gilmore, Dave Cavanaugh y un pichón de músico en la orquesta: un joven Quincy Jones. En sí, este período en su carrera puede entenderse como una suerte de esfuerzo multidisciplinario de variados talentos para crear una obra que ha resistido el paso del tiempo.

En Classic Sinatra His Great Performances. 1953-1960 uno es testigo de cómo La Voz crea ambientes y situaciones a partir de las letras y la música que vienen a ser una suerte de antología de emociones que van desde el amor en su estado más puro hasta el despecho, la nostalgia y en cierto la inocencia. Desde la primera canción, I´ve Got The World On A String, uno siente que Sinatra quiere compartir su ánimo con nosotros. Además logra que canciones que han sido interpretadas por otros cantantes en previas ocasiones, adquieran en su voz la categoría de clásicos, tal es el caso de My Funny Valentine de Richard Rodgers y Lorenz Hart, un standard tradicional de jazz que Frank logra darle un componente de categoría como nadie. Al igual que con los ya mencionados del cual también interpreta The Lady Is A Tramp, Sinatra hace suyas clásicos de George e Ira Gershwin (They Can´t Take That Away From Me, Someone To Watch Over Me), Cole Porter (Night And Day, I Get A Kick Out Of You, I´ve Got You Under My Skin), y James Van Heusen y Sammy Cahn (Come Fly With Me, favorita personal por años) entre muchos compositores. Inclusive en esta recopilación está una canción que se convirtió en una marca de fábrica de Frank en el momento en que salió en 1958, One For My Baby (And One More For The Road).

En los créditos que acompañan al disco se mencionan los de Roy Lott y Paul Atkinson quienes fungen de productores ejecutivos de esta recopilación. De las veinte canciones que la conforman, las 17 primeras son producidas por Voyle Gilmore, las tres restantes las produce Dave Cavanaugh. Junto con ello, todas las canciones fueron digitalmente remasterizadas en 24 bits por Bob Norberg en Capitol Mastering. Como acotación vale decir que aquí no van a conseguir canciones de años previos como I´ll Never Smile Again (grabada con la orquesta de Tommy Dorsey), All Or Nothing At All (su primer éxito como solista) o el clásico It Had To Be You (en lo particular hubiésemos subido de 20 a 21 canciones); así como clásicos posteriores como My Way, Strangers In The Night o su versión de New York, New York; estas piezas salieron tiempo después de renunciar a Capitol Records y fundar Reprise Records, en la actualidad filial de Warner Bros.

Más con todo esto, Classic Sinatra His Great Performances. 1953-1960 simboliza un período en la música en el que el arte iba de la mano con lo comercial sin desmerecer uno al otro. Significa una muestra valiosa de cómo una carrera artística puede resurgir de las cenizas cual Ave Fénix. Y es un documento contundente para comprender, apreciar y admirar al cantante más importante del pasado siglo y de los próximos por venir, cual es y será Frank Sinatra. La Voz.

Música: Willy McKay (★★★★☆); Sonido: Pasta (★★★☆☆)

♪ Come fly with me, let´s fly and fly away... ♪




___________
Spaceman Spiff

Etiquetas: ,

1 COMENTARIOS

If I go crazy, will you still call me Superman?



El Glamour de Hollywood, la corteza brillante que da la cara al público, la apariencia, las tradiciones conservadoras, los paradigmas, el sueño, la utopía. Todo eso fue lo que caracterizó al Hollywood dorado de los '50, que producía películas basado en un ideal y como un producto más para generar dinero (aunque hoy día se mantiene esa tendencia, el cine independiente ha recuperado al cine como arte).

"In a town full of fiction, everyone has a version of the truth"
Fueron los días en que las estrellas eran vistas como semi-dioses, intocables deidades inalcanzables que lucían perfectos ante los ojos del público, la más mínima señal que los comparaba con los simples mortales los hacía ver humanos y ocurría la decepción colectiva. Eran los tiempos en que se ocultaban "particularidades" de los actores que no estuvieran apegados a los estándares impuestos por los estudios. En aquellos días, para que fueran acorde con el modelo perfecto, los estudios no sólo le cambiaban el nombre a su inversión (como eran considerados los actores), sino que se les decía como hablar, caminar, vestir, qué auto comprar y hasta con quien emparejarse.

Para entonces, un Rock Hudson homosexual era inconcebible, un Dean Martin alcohólico inaceptable, una Judy Garland drogadicta siquiera impensable. Pero ocurría tras bastidores, ¿por qué? porque eran (son) seres humanos iguales a todos, sólo que las manos manipuladoras de los estudios actuaban como organizaciones mafiosas para "reparar" todo y mantener el glamour y el brillo de las estrellas. Pero todo se sabe con el tiempo.

"Everyone has secrets, everyone has motives..."
Este es el escenario que proyecta Hollywoodland muy similar al estilo de L.A. Confidential de Curtis Hanson. Y como no, si ambas dan en el clavo con una representación fiel de la era dorada del cine de esa década. Sólo que en esta oportunidad, le doy más crédito a Hollywoodland por ser más meticulosa y realista, donde Confidential es más un drama novelístico y ficticio. Hollywoodland recrea al 100% de precisión histórica, los días, los hechos y los sucesos que envolvieron la fugaz carrera del actor George Reeves y las personalidades con quien se desenvolvió tanto en lo personal como profesional. Para quienes están familiarizados con el nombre de Reeves, sabrán que fue el actor que representó la primera imagen famosa en televisión de Superman (The Adventures of Superman - 1952-1958) y que su frustrada vida detrás de cámara requirió más poderes que los del mismo hombre de acero para aguantarla. Su lucha para destacar como actor de cine, su relación clandestina con Toni Mannix, la esposa del mafioso/presidente de los estudios MGM Eddie Mannix (Bob Hoskins) y su lamentable final que aún encierra dudas, está representado en Hollywoodland con clase y sobriedad cinematográfica.

"Living in Hollywood can make you famous, Dying in Hollywood can make you a legend"
Lo único ficticio de la trama es la inclusión de un detective privado de baja categoría y con deseos de reconocimiento, Louis Simo (Adrien Brody- King Kong, The Pianist), quien se obsesiona con el caso de Reeves hasta que se le nubla la realidad que lo rodea, tanto familiar como los del caso mismo. De resto todo es exacto a lo ocurrido en la vida de Reeves y los Mannix. Las actuaciones son excelentes, empezando por la de Brody que era de esperarse considerando su calidad reconocida. Como también la del experimentado Bob Hoskins (Vanity Fair, Enemy at the Gates, Brazil). Pero la sorpresa la dio Ben Lopez (Ben Affleck - Goodwill Hunting) como Reeves, muy pero muy buena actuación, sobre todo porque este actorcito no valía media mierda para mi (Gigli anyone?). Tal vez fue el roce con tanto talento lo que lo ayudó a destacarse en el rol de Reeves, pero se le da el crédito de emularlo hasta en el acento que lo caracterizó dentro y fuera de pantalla. Diane Lane (The Perfect Storm, Unfaithful) se luce de igual manera, quizás obteniendo el papel que le reconozca su ignorado talento.

La dirección es del carajo por el reconocido Director de series de TV Allen Coulter (The Sopranos, Sex & The City, Millenium), con un toque de film noir y fotografía glamorosa para mantener el semblante de la Hollywood dorada. Colores intensos en las escenas de Hollywood y lavados, casi desteñidos, en las escenas de la cotidianidad para contrastar entre la vida real y la vida de ensueño de los estudios. Muy buena transferencia a DVD, muy buena trama, recreación histórica y actuación del reparto. Muy buena película, altamente recomendable, la pongo por encima de la excelente L.A. Confidential.

Film: Willy McKay; Video: Willy McKay; Sonido: McKay

A Superman lo mató Hollywood, no fue la Kryptonita ni Doomsday.

___________
Sir Barton

I'll keep you by my side with my superhuman mind, Kryptonite

Etiquetas: ,

0 COMENTARIOS

Justo donde pertenece...



Ya hemos hablado antes del genio infinito de Trent Reznor, el motor y el cerebro detrás del inusual proyecto musical de Rock Industrial Nine Inch Nails. Hemos dicho que es músico, compositor, productor, multi instrumentista y cantante. La banda de un solo integrante como lo llaman. Sí, hemos dicho esto antes y lo repetimos, ¿por qué? porque no nos cansamos de su originalidad, calidad y virtuosismo. En vísperas de su sexto álbum a lanzarse en poco menos de un mes (Year Zero), NIN lanza un concierto renovado en DVD de la gira correspondiente a su trabajo anterior. Este también nos llegó por cortesía del fiel ruraltejano y casposo de por vida, El Sapo Yiyo.



Con más de 15 años, Nine Inch Nails ha producido poco más de un manojo de discos. Uno cada cuatro años promedio. Cada uno es un proyecto, un concepto y un trabajo de capas como una fina obra de artista plástico, algo que necesita tiempo, porque al final es lo que terminan siendo, obras de arte para la historia. Sin ser un artista comercial con imagen y proyección mediática como U2 o Madonna, posee seguidores fieles que no están con él por moda, sino por la certeza de su talento y calidad artística. Y sin la necesidad de una imagen mainstream como muchos artistas -que dependen y se dejan manipular por las disqueras- NIN vende tanto como ellos y no se deja guiar por nada... él impone tendencias.



Después de su trabajo más reciente, el álbum With Teeth de 2004, Reznor emprende una gira mundial para difundir la música de ese trabajo como hace con cada disco que publica. En el DVD presente, Beside You In Time recoge un momento durante la gira para que desafortunados como nosotros lo podamos ver en vivo (porque vivimos en un país donde no viene ni por accidente). BYIT es un concierto realizado en Oklahoma City el 28 de Marzo de 2006, que muestra una cara similar a lo que fue la gira Fragility de 2000. Similar por la configuración en escena, el juego de luces y las enormes pantallas electrónicas.



La diferencia está primero en el repertorio y luego en las especificaciones técnicas del formato, ambas actualizadas. El repertorio de BYIT se centra alrededor de With Teeth acumulando nueve piezas de las doce que tiene este álbum. Salpicando una que otra canción adicional por cada uno de sus cuatro trabajos anteriores. Corto, si lo comparamos con el extenso show del DVD And All That Could Have Been (2002) de la gira Fragility Tour del disco con el mismo nombre (The Fragile - un clásico para mi, Spiff y The Rolling Stone Magazine por cierto). Aunque corto, BYIT es denso, intenso y criminalmente cojonudo. Las especificaciones técnicas reciben la bienvenida del widescreen (anamorphic por supuesto) y dos sabores de surround: Dolby Digital y DTS (mezcladas por Elliot Scheiner).



Este DVD acaba de obtener el máximo honor en mi colección en materia de calidad de imagen y sonido por igual, algo muy raro para un concierto. La imagen es, sin reservas, non-plus-ultra tex. Demasiado muy arrechisima. La resolución, los colores y el contraste, ¡coño! un lujo total. Se grabó en alta definición usando cámaras Sony HDCAM SR en full HDTV 1920x1080p, sólo que el formato DVD no da sino la cuarta parte de esto, el resto sólo se puede apreciar en una pantalla con esa resolución y usando uno de los dos formatos nuevos en HD (HD-DVD o Blu-Ray Disc) porque también viene disponible en ambas versiones (aparte). Carajo si el DVD se ve así de bien, no me imagino como se verá en las otras versiones. El sonido es tan bueno como el de AATCHB sólo que le doy el honor a la pista DTS por un grado más. Perfecto, dinámico y energético, con densidad y resolución de principio a fin. Garantizado que fundirá microcorneticas de Home Theaters chinchurria si lo reproduces a niveles de concierto (eso si el amplificador puede).

El empaque es pobre, a diferencia del de AATCHB que viene en Digipack doble, pero en éste la imagen y el sonido son de referencia. Como extras, trae un buen álbum fotográfico de la gira en full 16x9, dos videos (Only -dirigido por David Fincher- y Hand That Feeds) y su discografía completa en una línea de tiempo interactiva. Altísimamente recomendable.

Música: Sir William McKay (★★★★★★)
Video: Willy McKay (★★★★★)
Sonido: Sir William McKay (★★★★★★)
Extras: McKay (★★★★☆)



[DVD: 2007. 94 min. 1-Disco. Zona 1. Color NTSC.
Anamorphic Widescreen 1.85:1, Dolby Digital & DTS Surround 5.1, Subt: Eng]




____________
Barhalo 22

Fotos propiedad y cortesía de nin.com

Etiquetas: ,

2 COMENTARIOS

En la Escuela eramos los Jefes...

Por fin me llegó el último álbum de los amos del Nu-Metal alternativo, Deftones, gracias al pana y fiel ruraltejano Yiyo quien coló esté plástico entre sus pedidos por Amazonia. Stephen Carpenter (g), Abe Cunningham (d), Chi Cheng (b) y Chino Moreno (v), dan vida al quinto disco de la agrupación y posiblemente el más ambicioso. Sin dejar de sonar con su clásico sonido emblemático, Saturday Night Wrist explora nuevos campos sonoros para mantener fresca su oferta musical.

SNW contiene elementos armónicos y bastantes secuencias electro-sampler que en ocasiones les da un toque industrial. Pero son los arreglos armónicos de Carpenter en la guitarra lo que sorprende, ya que uno viene acostumbrado a las estridencias distorsionantes de su clásico sonido de acordes heavy (que tampoco faltan aquí). Un buen ejemplo de lo que les hablo es el sencillo Hole In The Earth que combina acordes distorsionantes y tonos melódicos durante la excelente pieza promocional. Otras sin embargo reflejan el carácter fuerte de la banda demostrando que sus raíces siguen intactas, a pesar que están experimentando musicalmente y madurando como conjunto. En lo experimental tenemos piezas techno-etéreas como Cherry Waves y Beware, de corte lento, pero pesado, arropados con sonidos ambientales de corte industrial por parte del DJ Frank Delgado quien incorpora teclados y sintetizadores de manera muy sutil pero apropiado. Sólo escuchen la instrumental U, U, D, D, L, R, L, R, A, B, Select, Start y Pink Cellphone por ejemplo y verán hasta dónde ha llegado la banda en arreglos y composiciones. Experimental pero arriesgado.



¿Pero dónde está la fuerza? ¡Claro mequetrefes, ahí es donde está el lomito de la banda! y en SNW no falta. Contando con la reserva nuclear del Chino Moreno en todas estas para encender la Adrenalina (su primer álbum, lo punitivo fue intencional). En especial en piezas como Combat que se convierte en una explosión del caos vocal como fue característico en todas la piezas del álbum anterior Deftones. Sí, hay muchas piezas lentas y melódicas llenas de arreglos, pero ninguna deja de llevar la genética distintiva del sonido fuerte de la banda. No obstante están las típicas piezas ametrallantes de alto calibre como en discos anteriores, entre ellas la mencionada Combat -mi favorita- y la fundición -a lo Faith No More del disco King For a Day- de Rats, Rats, Rats que le arrancó una sonrisa de satisfacción al Cerdillo cuando la tocaron en vivo aquí en Caracas.

El sonido del CD es denso y oscuro sin el pulido sonido digital de sus trabajos anteriores. Se debe mayormente al cambio de productor, del genial Terry Date (Pantera), saltaron al no menos locuaz Bob Ezrin (¿necesitan que les diga con quienes ha trabajado granujas?). Pero suena muy bien, denso, pesado, oscuro, pero a la vez articulado y dinámico. De este repertorio surtido en estilos salieron cuatro piezas que relucieron durante el pasional concierto en el Poliedro. Aunque sólo lo he escuchado dos veces desde que me llegó, me atrevo a decir que este es un disco muy arriesgado y ambicioso de parte de Deftones, tanto así que puede terminar como mi favorito de su carrera hasta la fecha.

[CD: 2006 - 52 min. Maveric Records]

Música: Willy McKay (★★★★★)
Sonido: McKay (★★★★☆)




___________
Bartones


Nota: Imágenes cortesía de Deftones.com (composición y retoques de Rural Tex)

Etiquetas: ,

4 COMENTARIOS

Y los vi a los ojos...

Saludos Humanoides... hay veces que la vida te sorprende con sus sortilegios y terminas en cualquier esquina perdido, loco y con radioactividad en la cabeza. Lo que pasa seria que toda verdad tiene su mentira dentro; como esperando dar a luz otra verdad para que cuando crezca sea otra mentira. Traslademos esta frase al Jazz y comprenderán mi teoría. Todo músico espera que su público lo entienda a plenitud, pero el público no puede entender -a plenitud- la locura de un músico, además de tener que justificar sus momentos de retiro o soledad por parte de la creatividad.

En teoría, ¿sería posible que mientras más loco seas, más genio se tiene? La respuesta sería un sí pero tengo mis dudas. Todo músico debería de tener un toque de loco y otro de locura, es decir, cuantos más pajaritos preñados veas estarás mejor. Sin dejar de mencionar que el dinero que gastamos en los CDs que, con el transcurrir del tiempo, descubrimos que son una mierda o mejor dicho una real mierda. Gracias a Dios que la cultura popular tiene amigos a montones como reza la canción y te demuestras que mi teoría es valedera y vigente. Ahora que en aquellos tiempos de vació musical, cuando quise explorar qué genero quería para mi, sonaron las campanas celestiales, una luz me tomó de la mano y me guió hacia los senderos de la buena música.

No digo con esto que todo genero sea malo no, es sólo que una persona que tenga un medio de vallenato, sólo escuchará vallenato, y costara más que esto para que salga de dicho paraje musical. Una buena educación musical no bastará para suplantar la escuela melódica. Con esto no estoy denigrando del vallenato, este genero tiene músicos de calidad y como arroz picado, pero no es mi gusto, los respeto mucho como también a otros movimientos que no son de mi gusto (excepto el reggaeton que lo odio). Además aclaro que todo tiene su público y no hay música mala, sólo que quien la escucha es quien etiqueta a estos géneros.

Bueno como cocodrilo en boca de rió me adentré en las inmediaciones del CCCT y ataqué la única tienda mas o menos que vi. Parecía que estaba preso porque no vi nada de nada. Pero de repente allá a lo lejos, unas manitas salieron de la nada pidiendo auxilio y me suplicaban que lo sacara de ese encierro de las mazmorras donde habitan seres de otro mundo: los reguetoneros. ¡Ay de aquel colocó esta joya entre esta maloliente porquería!

El CD se llama Alone Together de Lee Konitz con Brad Mehldau, grabado el 21 y 22 de diciembre en el jazz Bakery en los Ángeles de 1997. Consta de 6 temas de calidad inigualable: Alone together, magistral 2) The song is you, como beso de suegra, 3) Cherokee, falta palabras, 4) What is this thing called love?, que le puedo decir brutal con un solo de piano que para qué les cuento, 5) Round midnight, con mas de 300 versiones y You stepped out of a dream que invita a la locura. ¿Qué más les puedo decir que no sepan humanoides?

La reunión de estos músicos parte de la idea de Lee Konitz. Estando en los estudios de grabación Charlie Haden le consulta a Lee si pueden tocar en los días cercanos a navidad para así calentar un poco el ambiente festivo, éste (Lee) le comenta que cerca está Brad Mehldau de una calidad interpretativa como nadie y músico saliente de la nueva camada que deja el nombre del Jazz en alto.

Lo demás es historia para contar y ser escuchada por mis lectores. Ojo no es un CD para dejar engavetado y que el geotrichum se lo coma, tomemos en cuenta que nunca estaremos a la altura de lo que ellos planean, pero sí tengan en cuenta de que solo nos dejan su legado, para así entender qué significa la música en términos de criterio y calidad interpretativa como puente de enlace entre ellos y nosotros.
Los integrantes son: Lee Konitz en el saxofón (toco en varios discos del gran Bill Evans por nombrar uno); Brad Mehldau en el piano (escuela y según la critica el sucesor del Bill Evans); y Charlie Haden en el bajo, tremendo bajista.

¿Qué esperan? salgan a cómpralo, claro si lo consiguen ja ja ja...

[CD: 1997 - 73 min. Blue Note]

Música: Willy McKay (★★★★★)
Sonido: Ñame (★☆☆☆☆)




______________
Doc Basura

Etiquetas: ,

5 COMENTARIOS

top.gif

l metal ha muerto. Eso dicen algunos. Si es por ellos, el metal se está muriendo casi desde antes de nacer, pues ya en los días en que Black Sabbath comenzaba a dar sus primeros pasos en este mundo, los críticos decían que la suya era música de cañería que no llegaría a ningún lado. Y sin embargo, aquí estamos, 30 años después, no sólo con diez millones de discos, diez millones de subgéneros y diez millones de bandas en cada uno ellos, sino que además en los últimos tiempos ha habido un interés por documentar de manera relativamente seria este movimiento que representa la música extrema. Así han aparecido en los últimos tiempos interesantes documentales, biografías y libros que abordan el tema desde distintos puntos de vista, entre los que destacan están Metal: A Headbanger’s Journey (documental que pronto reseñaremos aquí), Life on Planet Rock (tratado en nuestro primer post en RuralTex) y Heavy: The History of Metal (que pudimos ver hace unos meses en VH1).

Como parte de esta corriente llega a nuestras manos -Dios bendiga a Amazon- Choosing Death: The Improbable History of Death Metal & Grindcore (“Escogiendo la muerte: la improbable historia del death metal y el grindcore”). Se trata de un libro publicado en octubre de 2004, escrito por el periodista Albert Mudrian, quien es el editor en jefe de Decibel, una de las revistas metaleras más importantes de Estados Unidos. Mudrian repasa los orígenes de estos subgéneros, desde sus raíces en el hardcore y el punk, pero no necesariamente con un rigor histórico-académico, sino más bien desde la perspectiva de los propios músicos y protagonistas del movimiento, a través de entrevistas intimas con cada uno de ellos. De alguna manera refleja el nacimiento y desarrollo de estos estilos paralelos como los verdaderos herederos del carácter extremo que tuvo el punk en sus inicios.

La narración se concentra mucho en Napalm Death y el sello Earache, dos elementos fundamentales en la aparición del grindcore. Al mismo tiempo, se pasea por la escena de Florida de mediados de los ochenta, de donde salió gente como Death, Morbid Angel, Deicide y Obituary, así como sus contrapartes europeos de Carnage, Nihilist, Entombed y Grave, que hacían ruido desde Suecia. El libro es ilustrado con fotos tipo fanzine, en blanco y negro, en su mayoría dispuestas en collages casi amateurs. Se complementa además con interesantes anexos, como una lista de quién es quién (y dónde está) dentro del género, una discografía esencial por años (desde 1987 hasta 2003), una introducción del legendario locutor inglés John Peel (a mi me gusta decir que es como el Alfredo Escalante de Inglaterra, jeje) y un prólogo de Nick Terry, editor de la revista británica Terrorizer (en mi opinión la mejor publicación de música extrema actualmente) desde 1996 hasta 2000.

En general es una edición ligera, fresca, fácil de leer, sumamente agradable y apropiada para conocer hechos o revivir recuerdos gratos de aquella época en que no existía la música bajada de Internet y el orden del día era el intercambio de cassettes de oscuras bandas underground de todas partes del mundo. En este post les hablo específicamente de la publicación en inglés, que se puede comprar en línea desde alrededor de 12 dólares. No conseguí información acerca de su edición en español, por el momento sólo existen traducciones oficiales en alemán, francés y finlandés. Para quienes hablan inglés y son fanáticos del death metal y/o grindcore, altísimamente recomendable.

Por cierto que, para conmemorar la publicación del libro, el sello Relapse Records lanzó de manera paralela un CD titulado Choosing Death: The Original Soundtrack. Publicado el 9 de noviembre de 2004, el álbum contiene clásicos de gente como Morbid Angel, Carcass y -por supuesto- Napalm Death, así como tracks inéditos de Nihilist (la banda de la que surgió Entombed), Suffocation (en vivo) y Pig Destroyer. Un excelente acompañante para el libro, que se consigue nuevo en línea por poco menos de dos dólares.

bot.gif

Choosing Death: The Improbable History of Death Metal & Grindcore
Veredicto: Willy McKay

Choosing Death: The Original Soundtrack
Música: Willy McKay; Sonido: McKay

[CD: 2004 - 68 min. Relapse Records]

___________
El Kaiser


En una nota muy triste falleció la madre de nuestro pana bloguero, El Croncho. Nosotros en Rural Tex nos unimos para acompañarlo en su sentimiento y el de su familia.

Etiquetas:

2 COMENTARIOS

El Horror Y La Fantasía Van De La Mano



¿Cuáles son las palabras que se emplean cuando se está en presencia de una obra maestra? En muchos casos son insuficientes, o como bien decimos aquí: Las obras maestras no se clasifican; se disfrutan. Y esto es aplicable a la película más reciente del mexicano Guillermo Del Toro, El Laberinto Del Fauno.

Además de crear, escribir, producir y dirigir este film, Del Toro vuelve otra vez a un elemento constante en su producción; la mezcla de horror con elementos de fantasía enmarcados en entornos cotidianos. Esta temática la ha desarrollado desde su ópera prima Cronos, pasando por obras como El Espinazo Del Diablo, y en productos más comerciales como Mimic, Blade 2, y Hellboy; con lo que se convierte en uno de los pocos cineastas que puede hacer un cine más ligero sin traicionar su espíritu independiente y viceversa.

El panorama en donde el autor sitúa sus personajes es la España de 1944 a 5 años de la victoria del Generalísimo Francisco Franco, y en donde hay focos rebeldes que buscan alterar el estado de facto ya establecido. Aquí entran el Capitán Vidal, defensor de la nación y un individuo a quien poco le importa balancear el bien con la barbarie en aras de servir a la patria. Y con él se unen Carmen, nueva esposa de este y viuda de una anterior unión que dio como descendiente a Ofelia, niña aficionada a los cuentos de hadas con una imaginación sorprendente que le sirve como válvula de escape ante un padrastro que no quiere y un entorno donde los desmanes son la maquinaria que mueve el mundo real, siendo necesario para ella entrar a un universo de fantasía poblado por hadas, seres de cualquier fisonomía y un Fauno que le rinde pleitesía a ella y que le plantea tres pruebas.

Puesto que Del Toro es el novio de la madrina en esta producción, hay que ver su trabajo como un ejercicio monumental de arte. La idea y el guión desarrollados por él alcanzan el nivel de las mitologías que el mismo ha reverenciado. La mezcla de mundos entre la ficción y la realidad es tal que se unen unos y otros con absoluta naturalidad; para los anales la secuencia de inicio de la película. Y todo ello viene de la mano de una dirección preciosista y muy bien lograda en lo técnico y sublime en lo artístico. Para lo antes mencionado ha servido el contar con una fotografía que homenajea lo que la pintura española ha hecho por siglos, con una edición que en ningún momento decae el ritmo de la película, con una música que se adecua a cada fotograma y efectos en cuanto a maquillaje y en lo visual que rayan en lo pictórico.

El mencionar los siguientes tres nombres es más que garantía suficiente para avalar la calidad del film: Sergi López, Maribel Verdú y Ariadna Gil. Pero quien en realidad es el nervio y el motor de la historia es Ivana Baquero como Ofelia, que descolla en cada aparición que hace en pantalla, dando frescura y naturalidad en su interpretación; éste es el caso de lo que se puede bien llamar como un papelazo.

El Laberinto Del Fauno es una muestra de que en los peores momentos cuando no hay esperanza aparente en el horizonte, el único recurso para mantenernos vivos es el soñar, el mezclar la fantasía con la realidad y la imaginación para poder seguir adelante. Que bueno es cuando uno presencia una obra maestra, y este film Del Toro lo es con creces.

Film: Sir William McKay (★★★★★★)

___________
Spaceman Spiff

Etiquetas: ,

3 COMENTARIOS

Da Pou-leezzz

Todavía no nos recuperamos sobre la noticia de su reunificación, sobre todo después de la presentación oficial en vivo desde los Grammys. Parecía mentira, pero lo improbable sucedió. The Police vuelve. Gordon Mathew Summers, Andy Summers y Stewart Copeland están pures pero enteros. Y vienen a demostrar que no sólo es un poquito de Botox y Red Bull para probarnos que aún poseen la misma energía de antes. Juan Carlos De La Cruz se sorprende que Stewart Copeland -con canas y lentecitos- todavía coñacea los tambores como lo hacía 25 años atrás. Así como Van Halen (pendientes de un review de su primer álbum remasterizado que me llegó), grandes próceres del Rock moderno vuelven este año para recordarnos dónde fue nuestra escuela y nuestro abecedario.

Después de años separados por diferencias personales y proyectos individuales, los británicos del reggae-punk-rock se reúnen para hacer una gira mundial (Nany te tenemos arrechera por restregarnos que tienes la entrada para el concierto de Miami), quizás con motivos para sacar material nuevo. Sabbath se reunió a finales de los noventa y sacó material nuevo. Al parecer Genesis va a seguir el mismo patrón, ya que también anunciaron su regreso con todo y Gabriel/Collins. ¿Y Van Halen? espero que también para que no se vuelvan pura paja como fue la "reunificación" de 1997. Pero lo importante aquí es que The Police vuelve y estamos conformes con eso... aunque me conformaría más si pasaran por aquí como hicieron una vez hace años, sólo que entonces jugaba con carritos, metras y una china (sí, yo era una mierdita).

Muchos apuestan a que esta reunificación se hace por los mismos motivos que The Sex Pistols usó para reunirse diez años atrás: "The Filthy Lucre" citando textualmente a Johnny Rotten cuando se les preguntó el motivo de su regreso en aquella fecha. Pero en este caso lo dudo. Las carreras particulares Copeland y los hermanos Summers ha sido poco más que exitosa. La posterior carrera de Copeland como compositor y productor ha sido tan extensa que ha abarcado desde artistas nuevos (como Primus) hasta sountracks de cine. Andy Summers como guitarrista ha relucido en los selectos círculos musicales dentro del Rock y el Jazz, tanto en calidad de colaborador como de solista junto a Vinnie Colaiuta, Robert Fripp, Herbie Hancock y Tony Levin; y no empecemos con Sting cuyo recorrido artístico es harto conocido por todos aquí que no terminaríamos, a menos que hayas estado en una caverna en Goenlandia por los últimos 20 años.

Para entrar en calor (lo confieso: fiebre), conseguí en Esperanto el Every Breath You Take: The Classics en el glorioso formato de Super Audio CD. Este es un buen disco recopilatorio para los que quieren hacerse de lo mejor de su material para añadir a su colección. Obviamente un verdadero fan de The Police tiene el Message In A Box que contiene todos los álbumes, lados-B y demos. Pero a pesar de tener la caja antológica, Every Breath You Take: The Classics en SACD se justifica sólo por el hecho de volver a experimentar su música en alta definición y con surround en 5.1 canales como ñapita.

El disco contiene todos sus sencillos clásicos aunque me cuesta creer que no hayan incluido Synchronicity y So Lonley, What the Fuck!? Pero lo que sorprende aquí es lo bien que suenan estas viejas canciones, aún por encima del excelente remaster de la caja Message In A Box. Definitivamente el Super Audio CD hace milagros con su Direct Stream Digital (DSD), siempre y cuando el ingeniero de sonido sabe lo que hace. El sonido es increíble, denso, dinámico y articulado. Con atmósfera y profundidad tridimensional, sobre todo en los vocales de Sting desde el canal central, enfocado, vibrante y lleno de textura. Las surround se usan para reverberación y ecos de los instrumentos, también para el "aire" análogo de las grabaciones originales y coros ocasionales. De colección si tienes un Super Audio CD Player, también viene híbrido para compatibilidad con tu CD Player corriente, aunque sujeto a las -excelentes- limitaciones del viejo formato. Obligatorio para tu repisa, granuja.

[Super Audio CD: Híbrido. 64 min. 1-Disco. DSD 5.1 Surround/DSD Stereo/CD Layer. 2003 - A&M Records]

Música: Willy McKay (★★★★★); Sonido: Willy McKay (★★★★★)



______________
Sir Bartolo

Etiquetas: ,

4 COMENTARIOS

Krusty Clown's Mini Golf

Usualmente cuando veo que una película dice "Walt Disney Pictures" huyo. Suelen ser fresas, melosas y con finales felices. En especial si reseñan una historia verdadera. Todos esos ingredientes los tiene The Greatest Game Ever Played por lo que parecía otra más que le daría paso. Siguiendo la recomendación del pana Daniel del CinemaClub me la llevé, pero no fue sólo eso lo que me motivó a verla. Vi que el Director es el actor Bill Paxton (Vertical Limit, U-571, Apollo 13) y me dio curiosidad. Aparte, tuve un breve período en mi vida adolescente que probé el Golf (saludos Wolfgang) y me di cuenta que no es una mamadera de gallo como decía entonces. Además, la critica la tomó con calidez a pesar de ser el trillado género de historia real de superación, logro y conquista del desventajado.

The Greatest Game Ever Played es una historia verídica (llevada a novela por Mark Frost), la cual desconocía hasta hoy de un famoso torneo del Abierto de USA en 1913 que cambió la historia del Golf moderno para siempre. Siendo un deporte reservado exclusivamente para la élite oligarca, como también el Crikett y el Polo, el Golf era un deporte para caballeros, nobles y la realeza de ese entonces (¿o todavía?). Aunque parece y es la típica historia del pobre campesino proletario que se abrió paso entre la discriminación de clases para triunfar en ese deporte, The Greatest Game Ever Played se distancia del típico modelo cliché para ocupar un lugar especial en el cine.

Sí, todos sabemos lo que va a ocurrir, ¿o cuando fue la última vez que viste un film trágico melodramático con el sello de Disney? Es obvio desde el comienzo, aún desconociendo la famosa odisea de Ouimet/Lowery, que el joven plebeyo de la humilde clase obrera le termina pateando el culo a los golfistas carteluos de la clase burguesa. Pero es la manera de abordar y transmitir la historia la que lo hace especial, llegando incluso a crear breves momentos de tensión y suspenso. Francis Ouimet (Shia LaBeouf) y Harry Vardon (Stephen Dillane) cambiaron el curso del Golf para siempre en lo que hasta la fecha se considera el juego mas intenso de la historia del golf (según he leído no ha sido igualado hasta hoy por más increíble que suene, pero si fueron fieles a los hechos en el film, tienen razón). Con saber que ni Tiger Woods o Jack Nicklaus han podido romper el record dejado por Vardon desde su retiro en los años 20. Y aunque conoces el desenlace, no existe predictibilidad durante el transcurso del film, menos aún la presencia del típico villano o de la doncella enamorada del desventajado héroe. Aunque la historia se centra en Ouimet, también cubre al no menos genial Vardon quien tuvo los mismos orígenes humildes y obstáculos que Ouimet para convertirse en el golfista más grande de todos los tiempos.



Buen casting, extraordinaria dirección y fotografía para un Director novato. Una dramatización excelente de los acercamientos irreales durante el juego (usando técnicas digitales a lo The Matrix) para mover emociones, dinamizar el ritmo y jugar con las perspectivas de la audiencia. Sin dejar de mencionar que la precisión detallista del ambiente de comienzos del s. XX crea realismo y convencimiento.

¡Por lo huevos de Cristo! no había visto un film mejor transferido a DVD que éste, sencillamente brillante. Todo, los colores, la resolución, los tonos de piel, el contraste, todo, un festín para tu DLP/Plasma/LCD si lo tienes bien ajustado. Mejor que esto sería verdadero Hi-Def, pero le tendría que echar un cerro de bola para mejorar esta imagen. El sonido es simple, con un score soundtrack meloso y repetitivo, el audio es efectista para realzar los golpes de la pelota como no ocurre en la realidad, pero cine es cine. Diálogos claros y surrounds tímidas en casi todo el film, salvo en momentos de euforia durante el juego. Buen ritmo, buena dirección, buenas actuaciones, excelente imagen fotográfica y un enfoque diferente a la clásica historia Disney de héroes de la vida real. Recomendable.

Film: McKay; Video: Sir William McKay; Sonido: Mancao

____________
Sir Barton

Etiquetas: ,

0 COMENTARIOS

It's a Sonny

Saludos Humanoides...™ ¿Recuerdan que les comenté que la década de los 50 es de profundo y meticuloso estudio en lo que a Jazz se refiere? y por tal razón me encuentro en la más tenaz y dedicada tarea de inculcarles los frutos de dicha encomienda.

Trato de compartir mis desavenencias por estos caminos de Dios y me encuentro que entre más busco menos encuentro, o sea, preguntar por cualquier artista de Jazz es como decirles que te canten el Himno Nacional, nadie sabe nada... ni la letra.

Ahora no pregunto nada y me lanzo a la tarea de recorrer los pocos locales serios que quedan aún en esta ciudad. Para los amigos de lo bueno, adquirí, este material de lujo de dimensiones desconocidas, teniendo en cuenta que para el momento tenía miedo de no encontrar nada. Hurgando aquí y allá se me ocurrió buscar en los CDs de Salsa y bingo, allí oculto o mejor dicho secuestrado por manos criminales, encontré la respuesta a muchas preguntas. Sonny Clark (el de la foto de arriba) nació el 21 de julio de 1931 en Herminie y murió en Enero 13 de 1963 en New York. Con dos décadas apenas de carrera sólo dejó 15 LP e innumerables presentaciones en vivo (con un legado de mas de 1000 presentaciones), algún día editarán ese material, y allí estaré para cómpralo. El CD en cuestión es Cool Struttin grabado el enero 5 de 1958 en los estudios de Rudy Van Gelder en New Jersey y resmaterizado en el año 1998 de análogo a digital 24 Bit de resolución por el mismo Van Gelder. Chúpate esta mandarina Humanoide.

Se que se puede tener fe en la fuerza y el coraje de otros además de ganar y aprender por el simple hecho de tocar un instrumento, pero como dijo Edgar Degas “un cuadro debe ser pintado con el mismo sentimiento con que un criminal comete un crimen” trasládenlo a la música y tendrán una melodía perfecta. Los integrantes son: Art Farmer en la trompeta, Jackie McLean en el saxofone alto, Sonny Clark en el piano, Paul Chambers en el bajo y Philly Joe Jones en la batería.

Ustedes dirán -¿bueno y como hago para entender esto?. La respuesta es fácil, déjense llevar por las melodías y repitan varias veces los temas, cuando una nota o escala penetre en sus oídos, déjenla que pasee por su propia cuenta y en un santiamén entenderán que todo los instrumentos serán uno solo, y estarán saliendo de la oscuridad para luego pasar a ser sugerencia obligada de los demás.
Consta de 5 temas y un bonus track. Siempre recomiendo un tema pero esta vez dejaré que ustedes sean juez y verdugo, y me expliquen por qué el tema Deep Night es la obra maestra de este género, espero sus comentarios.

La brevedad en sus líneas y su fraseos dejan en sí un camino fácil de caminar, pero difícil de correr como el tema Cool Struttin o Blue Minor de poco más de 10 minutos del mejor piano; Sippin’at Bell que deja un sabor agradable en la boca, o el no menos intenso pero sutil Deep Night; además de Royal Flush con sus líneas intensas; y para terminar, Lover, con un diálogo de saxofón que no es de este mundo.

No dejen que otro se les adelante y concédanse el placer de cultivar sus oídos.

Hasta la vista Humanoides... ja ja ja

[CD: 1958 - 54 min. Blue Note]

Música: Willy McKay (★★★★★); Sonido: Willy McKay (★★★★★)



______________
Doc Basura

Etiquetas: ,

1 COMENTARIOS

Psycho Therapy, psycho therapy, psycho therapy...

He visto bastantes fumes fílmicos pero ninguno como este. Stay es más bien una obra abstracta del Museo de Arte Moderno de Nueva York que una película de cine. Con verla sabrán por qué. Con una fotografía espectacular, colores locos, escenografías fabricadas para ir con el tono -loco- del film. La dirección y la edición son tan fumados que pareciera que estuvieras bajo los efectos de tu droga favorita. ¿Por qué les digo todo esto y no les hablo de una sinopsis? Primero porque se las estaría contando y segundo porque aún no me quedó claro qué pasa ahí: ¿Demencia, fantasmas, imaginación, memorias o todo lo contrario? Si entienden esta película mientras la ven -y antes que termine- necesitan apuntar una cita con su psiquiatra pero ya, o dejar de fumar lo que suelen inhalar.

Algo semi-surrealista, vanguardista y poco sobrio. En la mejor onda de los films de David Lynch (sin parentesco). Un carajo demente (?) (Ryan Gosling), un psiquiatra muy preocupado (Ewan McGregor) y su novia medio loca (Naomi Watts) que intercambian sus vidas entre perpetuos Déjà Vu, divagar entre la realidad y la imaginación, entre el más allá y el más acá y guindando entre la cordura y la demencia. Mezclen todo eso y obtendrán a Stay. Brillante dirección y edición (Marc Forster - Finding Neverland), juegos de cámara de todo tipo, fotografías avant garde, artística y estéticamente escalofriante que me recordó al clásico The Shining del inmortal Stanley Kubrick, incluso por lo desestabilizado que es la trama para la mente.

El DVD es tan alucinante como el film, resolución, colores, contraste, todo alucinante, fumado, exquisito. El sonido etéreo, atmosférico y muy pero muy dinámico, con soundtrack de Massive Attack que calza apropiadamente con el fume del ambiente. A mi Stay me gustó que jode, pero este no es un film para todos, si te gusta lo fumado, lo surrealista, con inteligencia, clase y estilo, te va a encantar. Si por el contrario eres de tendencia al cine comercial de entretenimiento barato e instantáneo, no te va a gustar. Por ello mi recomendación pende de ti, y la dejo implícita en estas líneas flotando entre la subjetividad de mi gusto personal y la objetividad de una tremenda producción de cine.

Film: Willy McKay; Video: Willy McKay; Sonido: Willy McKay




En otra onda totalmente diferente, y uno de mis géneros favoritos, las animaciones (claro, recuerden que aquí somos fans de los comics), vi Open Season y me llevé una sorpresa agradable. Mal acostumbrado a los films de Pixar por su excelente linaje de producciones, critico muy duro a sus competidores en el campo de la animación moderna, especialmente la digital 3D de hoy. Las Shrek siempre me han parecido baratas y burdas, con referencias culturales norteamericanas con humor negro para forzarlas al "éxito" (a la gente le gusta o ¿por qué creen que van por la tercera?), pero no verán a ninguna de las Shrek en mi repisa del Rural Tex Film Vault™ del Marilyn Monroe Silver Screen Theater®, no señor.

Me gustan las buenas historias, con humor simple, neutro, con mucha originalidad sin tener que recurrir a los clichés excesivos como sufren las animaciones de Dreamworks Animation. Fox Animation lo entiende y lo logró con las Ice Age, y al parecer también Columbia Animation con Open Season. Fresca, original (aunque no tanto con la historia), de sacar carcajadas a cada minuto y con brillante casting vocal. Lo 3D de la animación siempre he dicho que es secundario, algo que Disney no entiende y por eso rueda en las críticas con sus porquerías como Chicken Little, Dinosaurs y Valiant. Pero Open Season está llena de personales memorables, originales y cómicos. Con Ashton Kutcher como el venado alocado, el genial Martin Lawrence como el Oso perezoso y el tremendo actor Gary Sinise como el cazador psicótico.

¿La animación 3D? increíble, la luz, las pieles de los animales como si fueran fotografías, las texturas y los colores, todo de primera. No sé qué software están usando pero si no es el Renderman de Pixar, es tan bueno que le está sacando la mierda, además de levantarle una ceja a Lasseter y compañía (quizás usan Maya). Pero en resumen, la calidad visual es un dulce para el paladar y el DVD se esmera en mantener cada detalle cual Hi-Def. El sonido es bueno, como toda animación, todo es efectos artificiales y fabricado en un estudio. Altamente recomendable.

Film: McKay; Video: Willy McKay; Sonido: McKay

___________
Barton

Etiquetas: ,

4 COMENTARIOS

Norman's Blues

Saludos Humanoides... Siempre recomiendo a mis lectores, si es que tengo, que cuando adquieran un CD revisen quienes son los integrantes, además de tener en cuenta la calidad y pulcritud de la experiencia personal para la compra del mismo. El sábado en los alrededores de las mercedes, Sir Barton y mi persona nos disponemos a la tarea de buscar material de calidad para nuestros oídos.

Ya en las fauces del monstruo procedemos a revisar sin apuros y con cautela la despensa del Jazz, y para mi sorpresa está bien surtida. Porque además de tener calidad se debe tener criterio para la selección. No hay música mala, sólo la que a nosotros nos gusta, ese es mi lema.

Bueno en la búsqueda encontré este material que destila calidad por todos lados. Para los que comienzan en el Jazz es difícil mantener y separar estilos, más aún cuando hay tanta calidad para escoger. En este caso les recomiendo separar calidad con paciencia y los resultados serán magníficos. Entrando en materia el CD se titula New Nork Jazz de Sonny Stitt. Grabado en septiembre 14 de 1956 en Fine Sound, New York. Con Sonny Stitt: alto saxophone, tenor saxophone; el gran Jimmy Jones en el piano; Ray Brown en el bajo y Jo Jones en la batería. El Trabuco Papá.

Cuenta con 10 magistrales piezas y sus diálogos son de temer, entre las que recomiendo Alone Together de magistral resonancia mental y profunda espiritualidad como todo en este CD. El resultado de este disco me obliga a ahondar en materiales de mayor envergadura para mejorar en este camino que se llama Jazz. Lo digo porque la calidad, limpieza, pulcritud, estabilidad, respeto, diálogo y dulzura de este álbum me obliga a estudiar más a fondo aquella época de los 50, donde todos estuvieron para dar lo mejor y es hoy cuando apenas lo entendemos y comprendemos. Señores esto no es un a compra más, es la punta del témpano que apenas se asoma en la superficie del océano.

Sonny Stitt nació en Boston un 2 de febrero de 1924 y murió el 22 de julio de 1982. Con una sorprendente discográfica de más de 150 álbumes, el legado de Sonny está más vivo que nunca y ustedes son los galantes de que este género no desaparezca. Las melodías son; Norman’s Blues, magistral. 2) I know that you know, descomunal. 3) If I had you, desquiciante. 4) Alone together, te marca. 5) Twelfth street rag, te desgarra. 6) Down home blues, tráeme otra polar. 7) Sonny’s tune, Diossss. 8) Stara fell on Alabama, de culto. 9) Body and soul, sensual y Between the Devil and the deep blue sea, de impacto.

Está resmaterizado bajo el más estricto y meticuloso de los procesos de grabación: 96 khz / 24 Bits digital trasfer y se dejó de editar el junio del 2006. Humanoides corran a comprar Esta joya de colección y me dan sus comentarios. Esta resmaterizado bajo el más estricto y meticuloso de los procesos de grabación; 96 khz, 24 BIT digital trasfer y se dejo de editar el junio del 2006. Humanoides corran a comprar Esta joya de colección y me dan sus comentarios.

[CD: 1956 - 44 min. Verve]

Música: Willy McKay (★★★★★); Sonido: Willy McKay (★★★★★)



__________
Doc Basura

Etiquetas: ,

1 COMENTARIOS
Powered by Blogger
Powered by Blogger
Template by Rural Tex