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Rural Tex es un estúpido portal web de noticias y reseñas sobre videojuegos y cine popular. Combatiendo el mal gusto desde 2005 (nos está costando mucho) Influenciados por nuestra cultura geek de Comic Books & Gaming, hacemos Periodismo Gonzo de tercera en este 'Colosal Desperdicio de Ancho de Banda'

ÚLTIMAS RESEÑAS

Las últimas reseñas de videojuegos y cine. También a veces música, Apple o audio. Rural Tex™ no apoya la piratería, todo medio que se revisa es adquirido legal y estrictamente original.


Más en el Archivo de Reseñas.

CALIFICAMOS ASÍ

Nuestra escala para calificar las reseñas del 1 al 5. Con el Sir William McKay reservado sólo a la excelencia.

  • Sir William McKay: Aleph One.
  • Willy McKay: ¡Non-Plus-Ultra!
  • McKay: Muy bueno, peeero…
  • Pasta: Ta' bien… ta' bien…
  • Mancao: Coleto impresentable.
  • Ñame: ¡Que nos devuelvan el tiempo y dinero que perdimos en revisar esta grandísima porqueria! CULAZO!
WEB-ONADAS

LECTURA No Girls Allowed? I'm not your fucking shield!. Una opinión sobre el sonado caso del #gamergate desde la perspectiva del Editor en Jefe. –Bart

LECTURA Behavioural realism and the activation of aggressive concepts in violent video games. Un estudio extenso realizado por la Universidad de York que –una vez más– demuestra que no existe nexo entre el comportamiento violento a ninguna edad con los videojuegos de corte violento. –Rural Tex

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"I don't remember, I don't recall"



Pocos directores debutan tan brillantemente en la pantalla grande luego de venir de una carrera haciendo comerciales y video clips como Michel Gondry. Otros se hubiesen conformado con hacer TV, pero Michel Gondry dijo que no, que había algo más que los video clips euro-tecno de Björk, Massive Attack y The Chemical Brothers que solía filmar. Al igual que él, otros directores tuvieron inicios similares y se aventuraron a probar suerte haciendo largometrajes, como el neo-Kubrick de David Fincher, quien le hizo frente al mundo con Seven, The Game, Fight Club y Panic Room, cuando años antes le hacía videos a Madonna (no ha perdido la costumbre porque le ha hecho videos a A Perfect Circle y recientemente a Nine Inch Nails). O Mark Romanek (también le hizo videos a Madonna como también a Nine Inch Nails*), quien promete una buena carrera como director, aunque su debut con One Hour Photo pasó sin pena ni gloria. Pero es Gondry quien se lleva los honores con la extraordinaria Eternal Sunshine of the Spotless Mind como su debut y entrada por la puerta grande a Hollywood. Y de qué manera, llevándose unas cuantas nominaciones al premio de la Academia y llamando la atención de los cinéfilos de culto. ¿Seguirán los mismos pasos otros excelentes directores de videos y comerciales como Paul Hunter y Anton Corbjin? Esperemos que si.



Con una historia compleja en el mejor estilo de Being John Malkovich (por cierto aclamada película debut de otro director de video clips, Spike Jonze y cuyo escritor es el mismo de esta película, Charlie Kaufman), Eternal Sunshine of the Spotless Mind desafía la mente del espectador con una secuencia regresiva poco cronológica de los eventos de la trama. Sin llegar al rompecabezas-con-las-piezas-boca-abajo-y-los-ojos-vendados que resulta la experiencia extraordinaria de Memento, ni la asincronía aleatoria de la clásica 21 Grams, ESotSM juega con los mismos elementos estructurales de estas películas sin llegar a rayar en el plagio, siempre evadiendo la predictibilidad del espectador con una fresca originalidad. La actuación es brillante y absolutamente convincente de parte de Kate Winslet, Kirsten Dunst, Elijah Wood y sobre todo de un dramático Jim Carrey que nunca esperamos ver destacarse así como actor. El film plantea la hipotética situación de dos personas que hacen borrar sus memorias, mediante una tecnología ficticia, específicamente abarcando su mutua relación sentimental para no tener que soportar las consecuencias emocionales de un rompimiento: El Guayabo. Pero la mente humana es tan compleja que hace de esta probable ficción un absurdo, cuando nos damos cuenta que las experiencias, por buenas o malas que sean, son las que nos hacen aprender a vivir.

Por favor véanla. La dirección es soberbia, elaborando la narrativa omnisciente desde la perspectiva del personaje principal, aunando en las profundidades de la psyquis humana y haciendo que el espectador se sienta tan confundido y desesperado como él. De nuevo, es como Malkovich pero sin el fume surrealista de éste y como Memento sin el Déjà vu perenne que te deja con un cuadro de pre-alzheimer crónico. Pero a la vez es distinta, porque no es una comedia ni tampoco es un drama, sino todo lo contrario. Esta es una película que no tiene sentido explicar ni criticar, sino que la deben ver para darse cuenta de lo que les digo. Tan buena es que me tomó un mes cazarla en el BlockBuster y, cuando al fin la conseguí, una raya irreparable a mitad de película impidió que el DVD player siguiera reproduciéndola. Con lo picado que quedé, tuve que ir a realquilarla al otro lado de la ciudad en el Video Color Yamin de Altamira, porque el BlockBuster de la esquina no tenía otra copia (saludos al pana Salvador Itriago que me encontré en la cola del Video Color Yamin). Pero con todo y el inconveniente, no me importó porque el film es tan bueno que valió la pena. Hay unos salvajes que usan los DVDs de alquiler para pulir el carro, usarlos de porta vasos o cualquier otra animalada que ver la película, porque los dejan vueltos mierda logrando que pasemos por estas incómodas arrecheras. De cualquier forma este film es de recomendación obligatoria.

Ver: Willy McKay

Véanla hoy antes de que este artículo se les 'olvide'.

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Sir Barton

[*] Sus videos de Nine Inch Nails: 'Closer' y 'Perfect Drug' son parte permanente del museo de arte moderno de Nueva York como obras maestras de arte audiovisual, junto a 'Bedtime Stories' de Madonna también dirigido por él.

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"Primum vivere, deinde philosophari"



La frase del filósofo materialista Thomas Hobbes (de donde por cierto viene el nombre del Tigre de Calvin), que dice claramente "Primero vivir, luego filosofar" encierra la esencia del hombre y su infinita búsqueda por entender a Dios, a sí y a la vida. Hobbes, autor del famoso libro sobre la existencia materialista y pesimista de la sociedad El Leviathan, siempre analizó lo complejo y enigmático de la vida, específicamente desde la óptica del ser humano frente al estado. La filosofía de Hobbes es quizás la más completa desde ésta perspectiva. Hobbes creía en la moralidad del alma y rechazaba el libre deseo en favor del determinismo, un determinismo el cual subordina la libertad a cumplir nuestros designios. Hago esta intruducción antes de comenzar esta crítica para que lean, analicen y profundicen el punto de vista de Hobbes -y el suyo- en relación directa con el tema de la extraordinaria película Mar Adentro.



¿Qué es la libertad? ¿Somos realmente libres? ¿Bajo qué cánones? ¿Las leyes? ¿La moral? ¿La religión? ¿O nuestra filosofía interna que es igual que nuestra real y antojada gana? ¿Podemos hacer lo que queremos sin que nadie nos gobierne? Esto lo plantea Hobbes en su tesis de la naturaleza humana sin un gobierno civil afirmando lo nefasto de la vida social sin un estado. Una visión autoritaria de la sociedad. Pero es cierto. ¿Hasta qué punto podemos decidir sobre nuestro destino? ¿Somos dueños de nuestra vida? ¿Podemos disponer de ella en todo sentido? ¿Puede algún agente externo decidir por mi vida y mi destino? ¿Es mi voluntad cuestionable?

¿Dónde está la línea que separa lo moral de lo digno? Todo esto encierra una polémica que no tiene conclusión definitiva en nuestra sociedad. Sólo distintos puntos de vista, posiciones adversas y dualidades enfrentadas. Este mis amigos, lo deben tener en cuenta y pensarlo bien antes de asumir una posición o simplemente opinar sobre el tema de la Eutanasia, que es centro de la película Mar Adentro del genial director Alejandro Amenábar, sobre la lucha interna y externa de Ramón San Pedro para, voluntariamente, terminar con su vida luego de 28 años de parálisis.



El film es, apartando el tema en cuestión, extraordinario, increíble, bárbaro. De hecho, un clásico moderno de facto. La dirección es soberbia, la edición impecable, la fotografía hermosa, el guión y los diálogos brillantes, y la actuación excelente. La actuación de Javier Bardem fue, sinceramente, increíble. Ya en otras oportunidades lo había visto en otros films españoles y americanos (Collateral) dejando una sorprendente impresión. Especialmente en Extasis (1996) dónde encarna a un delincuente sin rumbo que usurpa la identidad de su mejor amigo para pretender ser el hijo perdido de un gran productor de teatro (el padre de su amigo), excelente película. Es tácito y absurdo elogiar al magistral Alejandro Amenábar cuando nos ha acostumbrado a sus brillantes films en el pasado como Tesis, La Lengua de las Mariposas y la mas famosa comercialmente hablando Los Otros, que dejan testimonio suficiente de su talento y clase como Director.

Este debió ser el film del año en los pasados premios de la academia. Pero la experiencia y la decepción me ha demostrado que el Oscar no es el instrumento definitivo para medir cualitativamente a un film. Por eso cuando oigo "ganadora de 'x' oscares" me sabe y me resbala, como bien decía Sickboy en Trainspotting: "The Oscar is just a simpathy vote, it means fuck all!" cierto. Sin quitarle méritos a la excelente Million Dollar Baby de Clint Eastwood, Mar Adentro es superior artísticamente hablando. Ambas encierran el mismo tema, pero el film de Amenábar lo proyecta desde un punto de vista más humano, real e íntimo, más allá de que sean hechos factibles y la de Eastwood ficticia.

Señores, es un placer para Rural Tex otorgarle a Mar Adentro el calificativo honorífico mas alto, reservado exclusivamente para la perfección y la excelencia (o que nos guste que jode) y que va más arriba de nuestra escala normal de puntuación. Por eso le damos a Mar Adentro un rotundo Sir William McKay y el privilegio de formar parte de nuestra colección de films en DVD. Véanla, de referencia obligatoria.

"You can close your eyes to reality, but not to memories."

Stanislaw J. Lem

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Barton

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ah me Bullocks!

No digan que estamos dormidos, aunque la cartelera esté floja en estos días no quiere decir que no podamos ir al Banco del Celuloide a retirar algunas piezas pendientes. Es decir, el Blockbuster de la esquina merece que le coloquemos algo al cochino en Diciembre más que al del Portu del abasto. Por eso es que compro las tarjetas de Digitel de 25 mil pelas, no porque necesite el saldo -ya que no soy celularmaníaco- sino porque trae cupones gratis y 2x1 para poder reventar a Blockbuster en la maceta. ¿Y qué hago con todo ese saldo? Tal vez al Portu no le moleste que me pare frente a su panadería a alquilar mi Telf.



He tenido bastante trabajo a pesar de estar en vacaciones improvisadas pero no me quejo, ni es obstáculo para relajarme de cuando en vez dentro del MMSST® disfrutando del buen cine. En este caso alquilé dos buenos y entretenidos plásticos que no vi en cartelera por prejuicios y conclusiones personales. Digo, acostumbro a no ver refritos porque casi siempre terminan en bodrios, como en el caso de The Italian Job. Pero noten que dije casi porque en esta oportunidad, la versión 2003 del director F. Gary Gray hace homenaje a la original de 1969 con Michael Caine. Con algunas adaptaciones y cambios en la trama central, la versión moderna calza muy bien con nuestros tiempos a la misma vez que retiene el espíritu de la primera. Y de qué manera, buena dirección de Gary Gray (The Negociator), el oro (babeo), los Mini Cooper (babeo), Charlize Theron (babeo), en fin, recomiendo un babero para verla. Buen cast con Marky Mark (Mark Wahlberg), el fenómeno de Edward Norton, Jason Statham (El Transportador, ya uno de mis favoritos en la actuación), la leyenda de Donald Sutherland y... sí, el jamón de Charlize, mi pana si el Plumrose está 98% libre de grasa, ella está 99.9 (insisto en el uso del babero). Aunque ésta reluce con mayores técnicas efectistas, la original no tiene nada que envidiarle. En especial por la persecución de los Mini Coopers que, a mi juicio, estuvo mejor en la original. Buen toque de Gary Gray en tratar de homenajearla hasta en los colores de los carros (aludiendo a la bandera británica, lo único del Reino Unido en este film aparte del Transportador), pero en este caso usaron los modelos del 2003. Me hubiese gustado un final similar a la versión original que estuvo en la mejor tradición de un episodio de Monthy Pyton (que no revelaré para que la vean y comparen). Recuerden la última línea de la versión británica del '69 que dice: "I've got an idea Mates." Recuérdenla. Les garantizo que les va a gustar. Como también le garantizo un sólido McKay para esta versión refrita.



Donde también tuve mis prejuicios fue hacia uno de mis directores favoritos Steven Spielberg. Por ello dejé de ir a ver Terminal por su reciente tendencia a no realizar películas de elucubrada investigación como hacía al inicio de su carrera. Aunque ha estado llamando mi atención y recuperando mi lealtad con Catch me if you can y recientemente con la buena adaptación de War of the Worlds, no quiere decir que no lo siga evaluando. ¿Dónde está el brillante Spielberg de Jaws, Close Encounters, Raiders of the lost Ark y Sugarland Express? [De fondo suena Pecos Canvas "Vuelve"] Por eso decidí salir de una vez y ver Terminal porque tiene ciertos basamentos verídicos. No me refiero a los retrasos en los aeropuertos, el cojeculo en los mismos ni tampoco a los equipajes extraviados. Me refiero a la historia de un sujeto que se quedó atrapado por fallas en el sistema de inmigración dentro de un aeropuerto e hizo su vida dentro de él. Tom Hanks se convierte de nuevo en su pupilo adquiriendo oficialmente el título de su actor fetiche (ya Spielberg lleva mas de tres producciones con él). ¡Y qué bien lo hace! El grado de convencimiento haciendo de un ciudadano origen eslavo, que visita por primera vez America, es tanto que uno olvida que es Hanks. El acento, la docilidad e ingenuidad de ser primerizo en el primer mundo fue sencillamente brillante. No siempre tiene que resaltar el dramatismo a lo Philadelphia para demostrar sus buenas dotes. La que sobró en la trama, pero no en presencia, fue Catherine Zeta Jones (suena como super robot japonés ¿verdad?). ¿Pero quién se va a resistir de tener esa ternura en el set? Hanks vuelve a sorprendernos al entretenernos él solo. Es decir, casi al igual que lo hizo en la isa desierta de Cast Away, lo hace aquí aunque con 3 mil extras que no hacen más paisaje que las mismas palmeras de la isla. Pero, el film contiene los mismos ingredientes que han hecho que Spielberg se pierda. Elementos rosa, finales felices repentinos y el malo de la película jodiendo hasta el final, donde termina jodido y triunfa el bueno. A pesar de las fallas, sin duda pasa con un firme Pasta que garantiza un buen rato para relajarse después de un día de tensión laboral. Aunque una con Jena Jameson y Silvia Saint haría lo mismo.

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Bart

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